Klasszikus korszak (zene) -Classical period (music)

Wolfgang Amadeus Mozart (a billentyűzet mellett ül)

A klasszikus korszak a klasszikus zene korszaka volt nagyjából 1730 és 1820 között.

A klasszikus korszak a barokk és a romantika közé esik . A klasszikus zene könnyedebb, tisztább textúrájú, mint a barokk zene, de kifinomultabb formahasználattal rendelkezik. Főleg homofonikus , tiszta dallamvonalat használ egy alárendelt akkordkíséreten , de az ellenpontozás korántsem feledkezett meg, különösen a liturgikus vokális zenében, majd a korszakban a világi hangszeres zenében. A stílus gáláns stílusát is alkalmazza, amely a könnyed eleganciát hangsúlyozta a barokk méltóságteljes komolysága és lenyűgöző nagysága helyett. A változatosság és a kontraszt a darabon belül hangsúlyosabbá vált, mint korábban, és a zenekar mérete, hatótávja és ereje nőtt.

A csembalót a fő billentyűs hangszerként a zongora (vagy fortepiano ) váltotta fel . A csembalótól eltérően, amely tollal pengeti a húrokat, a zongorák bőrborítású kalapáccsal ütik a húrokat, amikor lenyomják a billentyűket, ami lehetővé teszi az előadó számára, hogy hangosabban vagy halkabban játsszon (innen ered az eredeti neve „fortepiano”, szó szerint „loud soft”), és játék több kifejezéssel; ezzel szemben az az erő, amellyel az előadó megszólaltatja a csembalóbillentyűket, nem változtatja meg a hangzást. A hangszeres zenét a klasszikus korszak zeneszerzői fontosnak tartották. A hangszeres zene főbb fajtái a szonáta , trió , vonósnégyes , kvintett , szimfónia (zenekari előadásában) és a szólóverseny , amelyben egy virtuóz szólóelőadó játszott szólóművet hegedűre, zongorára, furulyára vagy más hangszerre. zenekar kíséretében. A vokális zene, mint például az énekesnek és a zongorára írt dalok (különösen Schubert műve), a kórusművek és az opera (énekesek és zenekarok számára színpadra állított drámai mű) szintén fontosak voltak ebben az időszakban.

Ebből az időszakból a legismertebb zeneszerzők Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven és Franz Schubert ; további figyelemre méltó nevek közé tartozik Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Mozart , Le Michael Hadvanni , Giopold Monsigny Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François - André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Christian Canuli Alba , Georg Anton Bendaer és a Chevalier de Saint-Georges . Beethovent vagy romantikus zeneszerzőnek, vagy klasszikus korszak zeneszerzőjének tekintik, aki része volt a romantika korszakába való átmenetnek. Schubert is átmeneti figura, akárcsak Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek és Niccolò Paganini . Ezt az időszakot néha a bécsi klasszicizmus (németül: Wiener Klassik ) korszakának is nevezik, hiszen Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven és Schubert egyaránt Bécsben dolgozott .

Klasszicizmus

A 18. század közepén Európa kezdett elmozdulni egy új stílus felé az építészetben , az irodalomban és a művészetekben, amelyet általában klasszicizmusnak neveznek . Ez a stílus a klasszikus ókor , különösen a klasszikus Görögország eszméit próbálta utánozni . A klasszikus zene formalitást és hangsúlyt a rendre és a hierarchiára, valamint a "tisztább", "tisztább" stílust használta, amely tisztább felosztást alkalmazott a részek között (nevezetesen tiszta, egyetlen dallamot akkordokkal kísérve), élénkebb kontrasztokat és "tónusszíneket" (ezt a dinamikus változtatások és modulációk használata több kulcshoz). A barokk korszak gazdag rétegzenéjével szemben a klasszikus zene inkább az egyszerűség, mint a komplexitás felé mozdult el. Emellett a zenekarok jellemző mérete is növekedni kezdett, ami erőteljesebb hangzást adott a zenekaroknak.

A „ természetfilozófiában ” az eszmék figyelemre méltó fejlődése már a köztudatban is meghonosodott. Különösen Newton fizikáját vették paradigmának: a struktúráknak jól kell axiómákban megalapozottnak lenniük, valamint jól artikuláltnak és rendezettnek kell lenniük. Ez a szerkezeti tisztaság iránti ízlés kezdett hatni a zenére, amely a barokk kor többszólamúságától a homofónia néven ismert stílus felé mozdult el , amelyben a dallam egy alárendelt harmónián szólal meg . Ez a lépés azt jelentette, hogy az akkordok sokkal inkább a zene jellemzőivé váltak, még akkor is, ha egyetlen rész dallamának simaságát megszakították. Ennek eredményeként egy zenemű hangszerkezete jobban hallhatóvá vált .

Az új stílust a gazdasági rend és a társadalmi szerkezet változásai is ösztönözték. A 18. század előrehaladtával a nemesség vált a hangszeres zene elsődleges mecénásaivá, miközben a közízlés egyre inkább a könnyedebb, vicces komikus operákat részesítette előnyben . Ez változásokhoz vezetett a zenei előadásmódban, amelyek közül a legdöntőbb a standard hangszeres csoportokra való átállás és a continuo – a tipikusan billentyűs hangszeren játszott zenemű ritmikus és harmonikus alapja – fontosságának csökkenése volt. csembaló vagy orgona ), és általában sokféle basszushangszer kíséri, beleértve a csellót , a nagybőgőt , a bőgőt és a teorbót . A continuo és figurális akkordjainak hanyatlásának nyomon követésének egyik módja az obbligato kifejezés eltűnésének vizsgálata , amely egy kamarazenei mű kötelező hangszeres részét jelenti . Barokk kompozíciókban a continuo csoportba további hangszereket lehetett beilleszteni a csoport vagy a vezető preferenciája szerint; a klasszikus kompozíciókban minden részt külön lejegyeztek, bár nem mindig jegyezték le , így az "obligato" kifejezés feleslegessé vált. 1800-ra a basso continuo gyakorlatilag kihalt, kivéve, hogy az 1800-as évek elején alkalmanként használtak egy orgona continuo szólamot egy vallási misén .

A gazdasági változások a zenészek elérhetőségének és minőségének egyensúlyát is megváltoztatták. Míg a késő barokk korában egy jelentős zeneszerző a város teljes zenei erőforrásával rendelkezett, addig egy arisztokrata vadászkastélyban vagy kis udvarban rendelkezésre álló zenei erők kisebbek voltak, és képességeikben jobban rögzítettek. Ez ösztönzött arra, hogy az együttes muzsikusok egyszerűbb szólamokat játszhassanak, egy rezidens virtuóz csoport esetében pedig arra, hogy látványos, idiomatikus részeket írjanak bizonyos hangszerekre, mint a Mannheim zenekar esetében, vagy virtuóz szólószólamokat írjanak. különösen képzett hegedűsök vagy fuvolások. Emellett a közönség étvágya a barokkból áthozott új zene folyamatos utánpótlására. Ez azt jelentette, hogy a műveknek jó esetben egy-két próbával előadhatónak kellett lenniük. Mozart még 1790 után is a "próbáról" ír, azzal a céllal, hogy koncertjein csak egy próba lesz.

Mivel nagyobb hangsúlyt kapott egyetlen dallamsor, nagyobb hangsúlyt kapott az adott sor lejegyzése a dinamika és a megfogalmazás szempontjából. Ez ellentétben áll a barokk korszakkal, amikor a dallamokat jellemzően dinamika, frázisjegyek vagy ornamentika nélkül írták, mivel azt feltételezték, hogy az előadó ezeket az elemeket a helyszínen improvizálja. A klasszikus korszakban gyakoribbá vált, hogy a zeneszerzők jelezzék, hol akarják, hogy az előadók olyan díszeket játszanak, mint a trillák vagy a fordulatok. A textúra leegyszerűsítése fontosabbá tette az ilyen hangszeres részleteket, és fontosabbá tette a jellegzetes ritmusok használatát, mint például a figyelemfelkeltő nyitó fanfárok, a temetési menet ritmusa vagy a menüett műfaja az egyetlen tétel hangnemének kialakításában és egységesítésében. .

A klasszikus korszakban fokozatosan fejlődött a szonátaforma is , amely a zene olyan szerkezeti alapelvei, amelyek összeegyeztették a dallamanyag klasszikus preferenciáját a harmonikus fejlődéssel, amely a zenei műfajok között is alkalmazható volt. Maga a szonáta továbbra is a szóló- és kamarazene fő formája volt, míg később a klasszikus korszakban a vonósnégyes vált kiemelkedő műfajává. Ebben az időszakban jött létre a zenekari szimfonikus forma (ezt közkedvelt Joseph Haydnnak tulajdonítják ). A concerto grosso (koncert több zenésznek), a barokk korban igen népszerű forma, felváltotta a szólóverseny , amelyben csak egy szólista szerepel. A zeneszerzők egyre nagyobb jelentőséget tulajdonítottak annak, hogy az adott szólista virtuóz képességeit kihívó, gyors léptékű és arpeggio futamokkal megmutassa. Ennek ellenére maradt néhány concerti grossi , ezek közül a leghíresebb Mozart Esz-dúr Sinfonia Concertante hegedűre és brácsára című műve .

Modern vonósnégyes. A 2000-es években a klasszikus korszak vonósnégyesei alkotják a kamarazenei irodalom magját. Balról jobbra: hegedű 1, hegedű 2, cselló, brácsa

Főbb jellemzők

A klasszikus korszakban a téma kontrasztos dallamfigurákkal és ritmusokkal rendelkező frázisokból áll . Ezek a kifejezések viszonylag rövidek, általában négy ütem hosszúak, és esetenként ritkásnak vagy szűkszavúnak tűnhetnek. A textúra túlnyomórészt homofonikus , tiszta dallammal egy alárendelt akkordkíséret , például egy Alberti-basszus fölött . Ez ellentétben áll a barokk zenei gyakorlattal, ahol egy darabnak vagy tételnek jellemzően csak egy zenei témája lenne, amelyet aztán az ellenpont elvei szerint több hangon dolgoznak ki , miközben végig egy egységes ritmust vagy métert tartanak fenn. Ennek eredményeként a klasszikus zene könnyedebb, tisztább textúrájú, mint a barokk. A klasszikus stílus a galant stílusra támaszkodik , egy olyan zenei stílusra, amely a barokk méltóságteljes komolysága és lenyűgöző nagysága helyett a könnyed eleganciát hangsúlyozta.

Szerkezetileg a klasszikus zenének általában világos zenei formája van, jól körülhatárolható kontraszttal a tonika és a domináns között , amelyet tiszta kadenciák vezetnek be . A dinamikát a darab szerkezeti jellemzőinek kiemelésére használják. Különösen a szonátaforma és változatai a kora klasszikus korszakban alakultak ki, és gyakran használták. A klasszikus szerkezeti megközelítés ismét ellentétben áll a barokkal, ahol a kompozíció általában a tonika és a domináns között mozog, majd vissza, de az akkordváltások folyamatos előrehaladása és az új hangnemhez való „megérkezés” érzése nélkül. Míg a klasszikus korszakban kevésbé volt hangsúlyos az ellenpontozás, ez korántsem feledésbe merült, különösen a korszak későbbi szakaszaiban, és a zeneszerzők továbbra is alkalmazták az ellenpontot „komoly” művekben, mint a szimfóniák és vonósnégyesek, valamint a vallásos darabok, például a misék.

A klasszikus zenei stílust a hangszerek technikai fejlődése támogatta. Az egyenlő temperamentum széles körben elterjedt alkalmazása lehetővé tette a klasszikus zenei felépítést, biztosítva, hogy a kadenciák minden hangnemben hasonló hangzásúak legyenek. A fortepiano , majd a pianoforte váltotta fel a csembalót , dinamikusabb kontrasztot és tartósabb dallamokat tesz lehetővé. A klasszikus korszak során a billentyűs hangszerek gazdagabbak, hangosabbak és erősebbek lettek.

A zenekar mérete és terjedelme megnövekedett, és egységesebbé vált. A csembaló vagy orgona basso continuo szerepe a zenekarban 1750 és 1775 között megszűnt, így a vonós szekcióból a fafúvósok önálló szekcióvá váltak, klarinétból , oboából , fuvolából és fagottból .

Míg az énekes zene, például a komikus opera népszerű volt, nagy jelentőséget tulajdonítottak a hangszeres zenének. A hangszeres zene főbb fajtái a szonáta , trió , vonósnégyes , kvintett , szimfónia , versenymű (általában egy virtuóz szólóhangszerre, zenekari kísérettel) és a könnyű darabok, például szerenádok és divertimentók voltak . A szonátaforma kialakult és a legfontosabb formává vált. A legtöbb nagyszabású mű első tételének felépítésére használták szimfóniában és vonósnégyesben . A szonátaformát más tételekben és önálló darabokban, például nyitányokban is használták .

Történelem

Barokk/klasszikus átmenet c. 1730–1760

Gluck, Joseph Duplessis portréjának részlete , 1775-ben ( Kunsthistorisches Museum , Bécs)

A klasszikus stílus című könyvében Charles Rosen író és zongoraművész azt állítja, hogy 1755 és 1775 között a zeneszerzők egy új stílus után tapogatóztak, amely sokkal inkább drámai volt. A magas barokk korszakban a drámai kifejezés az egyéni affektusok megjelenítésére korlátozódott („az érzelmek doktrínája”, vagy ahogy Rosen „drámai érzelemnek” nevezi). Például Händel Jephtha oratóriumában a zeneszerző négy érzelmet ad vissza külön-külön, minden szereplőnek egyet, az „Ó, kíméld meg a lányodat” kvartettben. Végül az egyéni érzelmek ezen ábrázolását leegyszerűsítőnek és irreálisnak tekintették; a zeneszerzők több érzelmet igyekeztek ábrázolni, egyidejűleg vagy fokozatosan, egyetlen szereplőn vagy tételen belül ("drámai akció"). Így Mozart Die Entführung aus dem Serail című művének 2. felvonásának fináléjában a szerelmesek „az örömtől a gyanakváson és a felháborodáson át a végső megbékélés felé haladnak”.

Zenei szempontból ez a "drámai akció" több zenei változatosságot igényelt. Míg a barokk zenét az egyes tételeken belüli zökkenőmentes áramlás és a nagyrészt egységes textúrák jellemezték, a magasbarokk után a zeneszerzők ezt az áramlást igyekeztek megszakítani a textúra, a dinamika, a harmónia vagy a tempó hirtelen változásaival. A magasbarokkot követő stílusfejlődések közül a legdrámaibb az Empfindsamkeit (nagyjából " érzékeny stílus ") lett, legismertebb művelője pedig Carl Philipp Emanuel Bach volt . Ennek a stílusnak a zeneszerzői a fent tárgyalt megszakításokat a legélesebben alkalmazták, és a zene olykor logikátlanul hangzik. Domenico Scarlatti olasz zeneszerző vitte tovább ezeket a fejleményeket. Több mint ötszáz egytételes billentyűs szonátája is tartalmaz ugrásszerű textúraváltásokat, de ezek a változások periódusokba, kiegyensúlyozott frázisokba szerveződnek, amelyek a klasszikus stílus jellemzőivé váltak. Azonban Scarlatti változásai a textúrában továbbra is hirtelen és felkészületlenül hangzanak. A nagy klasszikus zeneszerzők (Haydn, Mozart és Beethoven) kiemelkedő teljesítménye az volt, hogy ezeket a drámai meglepetéseket logikusan motiváltan hangoztatták, így "az expresszív és az elegáns egymás kezét fogta".

JS Bach halála és Haydn és Mozart érettsége (nagyjából 1750–1770) között a zeneszerzők kísérleteztek ezekkel az új gondolatokkal, amelyek Bach fiainak zenéjében is meglátszanak. Johann Christian kifejlesztett egy stílust, amelyet ma Roccoco -nak hívunk , és amely egyszerűbb textúrákat és harmóniákat tartalmaz, és amely "bájos, nem drámai és egy kicsit üres volt". Mint korábban említettük, Carl Philipp Emmanuel a drámaiság növelésére törekedett, és zenéje "erőszakos, kifejező, briliáns, folyamatosan meglepő és gyakran inkoherens volt". És végül Wilhelm Friedemann, JS Bach legidősebb fia idiomatikus, szokatlan módon kiterjesztette a barokk hagyományokat.

Az új stílus eleinte átvette a barokk formákat – a hármas da capo ariát , a sinfoniát és a versenyművet –, de egyszerűbb részekkel, markánsabb ornamentikával komponált, nem pedig a barokk korban megszokott rögtönzött díszítéseket, és hangsúlyosabb felosztást. darabokat szakaszokra. Idővel azonban az új esztétika gyökeres változásokat okozott a darabok összeállításában, és az alapvető formai elrendezések is megváltoztak. Ennek az időszaknak a zeneszerzői drámai hatásokra, markáns dallamokra és tisztább textúrákra törekedtek. Az egyik nagy textúraváltás a barokk összetett, sűrű többszólamú stílusától való elmozdulás volt , amelyben több, egymásba fonódó dallamsort játszottak egyszerre, és a homofónia irányába , egy könnyedebb textúra felé, amely tiszta, akkordokkal kísért dallamsort használ.

A barokk zene általában sok harmonikus fantáziát és többszólamú szakaszt használ, amelyek kevésbé összpontosítanak a zenei darab szerkezetére, és kisebb hangsúlyt kapott a világos zenei kifejezések. A klasszikus korszakban a harmóniák egyszerűbbé váltak. A darab szerkezete, a frázisok és a kis dallami vagy ritmikai motívumok azonban sokkal fontosabbá váltak, mint a barokk korszakban.

Egy másik fontos szakítás a múlttal Christoph Willibald Gluck operájának radikális átalakítása volt , aki levágta a réteges és improvizációs ornamentikát, és a moduláció és az átmenet pontjaira koncentrált. Azáltal, hogy ezeket a pillanatokat, ahol a harmónia megváltozik, nagyobb hangsúlyt fektet, erőteljes drámai eltolódást tett lehetővé a zene érzelmi színvilágában. Ezen átmenetek kiemelésére a hangszerelésben ( hangszerelésben ), a dallamban és a módban történt változtatásokat használta . Korának legsikeresebb zeneszerzői közül Gluck számos emulátort szült, köztük Antonio Salierit is . Az akadálymentesítésre helyezett hangsúly hatalmas sikereket hozott az operában és más vokális zenében, például dalokban, oratóriumokban és kórusokban. Ezeket tartották a legfontosabb előadási zenefajtáknak, és így a legnagyobb közönségsikert is arattak.

A barokk és a klasszikus felemelkedés közötti szakasz (1730 körül) különböző versengő zenei stílusok otthona volt. A művészi utak sokszínűségét képviselik Johann Sebastian Bach fiai : Wilhelm Friedemann Bach , aki személyesen folytatta a barokk hagyományt; Johann Christian Bach , aki leegyszerűsítette a barokk textúráját, és a legtisztábban hatott Mozartra; és Carl Philipp Emanuel Bach , aki az Empfindsamkeit mozgalom szenvedélyes és olykor erőszakosan különc zenéjét komponálta. A zenei kultúra válaszút elé került: a régebbi stílus mesterei rendelkeztek technikával, de a közönség éhezett az újra. Többek között ezért is tartották nagyra CPE Bach-ot: elég jól értette a régebbi formákat, és tudta, hogyan kell őket új köntösben, fokozott formai változatosságban bemutatni.

1750–1775

Thomas Hardy Haydn-portréja , 1792

Az 1750-es évek végére az új stílus virágzó központjai voltak Olaszországban, Bécsben, Mannheimben és Párizsban; több tucat szimfóniát komponáltak, és zenés színházakhoz kötődő zenekarok voltak. Az opera vagy más énekzene, zenekarral kísérve a legtöbb zenei esemény jellemzője volt, a versenyművek és szimfóniák (a nyitányból fakadóan ) hangszeres közjátékként és bevezetőként szolgáltak operákhoz és istentiszteletekhez. A klasszikus korszak során a szimfóniák és versenyművek az énekzenétől függetlenül fejlődtek és kerültek bemutatásra.

A "normál" zenekari együttes – a fúvósokkal kiegészített vonósok – és a sajátos ritmikus jellegű tételek az 1750-es évek végén jöttek létre Bécsben. A darabok hosszát és súlyát azonban továbbra is barokk jellegzetességekkel határozták meg: az egyes tételek továbbra is egy "hatásra" (zenei hangulatra) összpontosítottak, vagy csak egy élesen elütő középső szakaszuk volt, hosszuk pedig nem volt lényegesen nagyobb a barokk tételeknél. Még nem volt világosan megfogalmazott elmélet az új stílusban történő zeneszerzésről. Egy pillanat volt megérett az áttörésre.

A stílus első nagy mestere Joseph Haydn zeneszerző volt . Az 1750-es évek végén szimfóniákat kezdett komponálni, 1761-re pedig egy triptichont ( Reggel , Dél és Este ) komponált szilárdan a kortárs módban. Kapellmeister -helyettesként, majd Kapellmeisterként tovább bővült: csak az 1760-as években több mint negyven szimfóniát komponált . És bár hírneve nőtt, ahogy zenekara bővült, szerzeményeit másolták és terjesztették, hangja csak egy volt a sok közül.

Míg egyes tudósok azt sugallják, hogy Haydnt beárnyékolta Mozart és Beethoven, nehéz lenne túlhangsúlyozni Haydn központi szerepét az új stílusban, és így a nyugati művészzene egészének jövőjében. Abban az időben, még Mozart vagy Beethoven előkelősége előtt, valamint a billentyűs zene ínyencei által ismert Johann Sebastian Bach mellett Haydn elérte azt a helyet a zenében, amely minden más zeneszerző fölé helyezte őt, kivéve talán a barokk korszak George Frideric Händelét . Haydn átvette a meglévő elképzeléseket, és radikálisan megváltoztatta azok működését – ezzel kiérdemelte a „ szimfónia atyja” és a „ vonósnégyes atyja ” címet.

Az egyik olyan erő, amely lendületet adott az előrenyomulásnak, az volt az első megmozdulás, amit később romantikának neveztek – a Sturm und Drang , vagyis a „vihar és stressz” szakasz a művészetekben, egy rövid időszak, amikor nyilvánvaló és drámai emocionalizmus jelent meg. stilisztikai preferencia. Haydn ennek megfelelően drámaibb kontrasztot és érzelmileg vonzóbb dallamokat akart, darabjaiban kiélezett karakterrel és egyéniséggel. Ez az időszak elhalványult a zenében és az irodalomban: azonban befolyásolta azt, ami ezután következett, és végül az esztétikai ízlés összetevője lett a későbbi évtizedekben.

A 45. f ♯ -moll búcsúszimfónia azt példázza, ahogy Haydn integrálta az új stílus eltérő követelményeit, meglepő éles fordulatokkal és hosszú, lassú adagióval a mű befejezéseként. 1772-ben Haydn befejezte a hat vonósnégyesből álló Opus 20-as sorozatát, amelyben az előző barokk korszakból összegyűjtött többszólamú technikákat alkalmazta, hogy szerkezeti koherenciát biztosítson, amely képes összetartani dallamötleteit. Egyesek számára ez a „kiforrott” klasszikus stílus kezdete, amelyben a késő barokk összetettséggel szembeni reakció időszaka átengedett a barokk és a klasszikus elemek integrálódásának időszakának.

1775–1790

Wolfgang Amadeus Mozart, Barbara Krafft posztumusz festménye 1819-ben

Haydn, aki több mint egy évtizeden át dolgozott egy herceg zenei igazgatójaként, sokkal több erőforrással és mozgástérrel rendelkezett, mint a legtöbb más zeneszerzőnek. Beosztása azt is lehetővé tette számára, hogy formálja a zenéjét játszó erőket, hiszen képzett zenészeket tudott kiválasztani. Ezt a lehetőséget nem szalasztották el, hiszen Haydn a pályafutása elején kezdődően az ötletépítés és ötletfejlesztés technikáját igyekezett továbbvinni zenéjében. Következő fontos áttörése az Opus 33 vonósnégyes (1781) volt, amelyben a dallami és a harmonikus szerepek a hangszerek között váltakoznak: sokszor pillanatnyilag nem világos, mi a dallam és mi a harmónia. Ez megváltoztatja az együttes munkamódszerét az átmenet drámai pillanatai és a csúcspontok között: a zene simán és nyilvánvaló megszakítások nélkül folyik. Ezután ezt az integrált stílust választotta, és alkalmazni kezdte a zenekari és vokális zenében.

A Commendatore áriájának kezdőütemei Mozart Don Giovanni című operájában . A zenekar egy disszonánsan tompított szeptim akkorddal kezd (G# dim7 B-vel a basszusban), amely egy domináns szeptimadra (A7 C#-val a basszusban) lép fel, majd az énekes bejáratánál a tonikus akkordra (d-moll) oldódik fel.

Haydn zenei ajándéka a komponálás, a művek strukturálásának módja volt, ami egyben összhangban volt az új stílus uralkodó esztétikájával is. Egy fiatalabb kortárs, Wolfgang Amadeus Mozart azonban zsenialitását hozta Haydn ötleteibe, és alkalmazta azokat a nap két fő műfajában: az operában és a virtuóz versenyműben. Míg Haydn munkásságának nagy részét udvari zeneszerzőként töltötte, addig Mozart a városok koncertéletében akart nyilvános sikereket elérni, és a nagyközönség számára játszott. Ez azt jelentette, hogy operákat és virtuóz darabokat kellett írnia és előadnia. Haydn nem volt virtuóz a nemzetközi turné szintjén; nem is arra törekedett, hogy olyan operaműveket alkosson, amelyek sok estén át játszhatók nagy közönség előtt. Mozart mindkettőt el akarta érni. Sőt, Mozartnak is volt ízlése a kromatikusabb akkordokhoz (és általában a nagyobb kontrasztokhoz a harmonikus nyelvben), nagyobb szeretete volt egyetlen műben sok dallam létrehozása, és a zene egészének olaszosabb érzékenysége. Haydn zenéjében, majd később JS Bach polifóniájáról szóló tanulmányában megtalálta azokat az eszközöket, amelyekkel fegyelmezheti és gazdagította művészi adottságait.

A Mozart család c. 1780. A falon látható portré Mozart anyjáról készült.

Mozart gyorsan felfigyelt Haydnra, aki üdvözölte az új zeneszerzőt, tanulmányozta műveit, és a fiatalabb férfit egyetlen igazi társának tartotta a zenében. Mozartban Haydn a hangszerelés, a drámai hatás és a dallamforrás szélesebb skáláját találta. A tanulási kapcsolat mindkét irányba elmozdult. Mozart is nagyon tisztelte az idősebb, tapasztaltabb zeneszerzőt, és igyekezett tanulni tőle.

Mozart Bécsbe érkezése 1780-ban felgyorsította a klasszikus stílus fejlődését. Ott Mozart magába szívta az olaszos ragyogás és a germán összetartás ötvözetét, amely az elmúlt 20 évben kialakult. A feltűnő ragyogások, a ritmikusan összetett dallamok és figurák, a hosszú kantiléna dallamok és a virtuóz virágzások iránti saját ízlése összeolvadt a formai koherencia és a belső kapcsolódások megbecsülésével. Ezen a ponton a háború és a gazdasági infláció megállította a nagyobb zenekarok kialakulását, és sok színházi zenekar feloszlatására vagy leépítésére kényszerítette. Ez befelé nyomta a klasszikus stílust: a nagyobb együttes és technikai kihívások keresése felé – például a dallam fafúvósokon való szétszórása, vagy tercekben harmonizált dallam alkalmazása. Ez a folyamat előtérbe helyezte a kis ensemble zenét, az úgynevezett kamarazenét. Ez a több nyilvános fellépés tendenciájához is vezetett, ami további lökést adott a vonósnégyesnek és más kisebb együttesek csoportosulásainak.

Ebben az évtizedben a közízlés egyre inkább felismerte, hogy Haydn és Mozart a zeneszerzés magas színvonalát érte el. Mozart 25 éves korában, 1781-ben, a bécsi uralkodó stílusok felismerhetően összekapcsolódtak a korai klasszikus stílus 1750-es évekbeli megjelenésével. Az 1780-as évek végére a Mozartot és Haydnt utánzó zeneszerzőkben meghonosodott az előadási gyakorlat változása , a hangszeres és vokális zene egymáshoz viszonyított helyzete, a zenészekkel szembeni technikai követelmények, a stílusegység. Ebben az évtizedben Mozart komponálta leghíresebb operáit, hat késői szimfóniáját, amelyek segítettek újradefiniálni a műfajt, és egy sor zongoraversenyt, amelyek még mindig e formák csúcsán állnak.

Az egyik zeneszerző, aki befolyást gyakorolt ​​a Mozart és Haydn által kialakított komolyabb stílus terjesztésére, az a Muzio Clementi , egy tehetséges virtuóz zongorista, aki a császár előtti zenei "párbajban" csapott össze Mozarttal, amelyben mindannyian zongorán improvizáltak és előadták kompozícióikat. . Clementi zongoraszonátái széles körben elterjedtek, és ő lett az 1780 -as években London legsikeresebb zeneszerzője. Szintén Londonban volt ekkoriban Jan Ladislav Dussek , aki Clementihez hasonlóan arra biztatta a zongorakészítőket, hogy bővítsék hangszereik választékát és egyéb jellemzőit, majd teljes mértékben kiaknázták az újonnan megnyíló lehetőségeket. London jelentőségét a klasszikus korszakban gyakran figyelmen kívül hagyják, de ez volt az otthona a Broadwood zongoragyártó gyárának, és bázisként szolgált a zeneszerzők számára, akik bár kevésbé voltak figyelemre méltóak, mint a "bécsi iskola", döntő befolyást gyakoroltak arra, ami történt. majd később. Számos szép mű szerzői voltak, amelyek önmagukban is figyelemre méltóak. Lehet, hogy London virtuozitási ízlése ösztönözte az összetett passzusmunkát és a tonikról és a dominánsról szóló kiterjesztett kijelentéseket.

1790–1820 körül

Amikor Haydn és Mozart komponálni kezdett, a szimfóniákat egyetlen tételként játszották – más művek előtt, között vagy közjátékként –, és sok közülük csak tíz-tizenkét percig tartott; A hangszeres csoportok eltérő színvonalú játékot mutattak, és a continuo a zenélés központi része volt.

Az elmúlt években a zene társadalmi világa drámai változásokon ment keresztül. A nemzetközi publikálás és turné robbanásszerűen megnőtt, és koncerttársaságok alakultak. A jelölések specifikusabbak, leíróbbak lettek – és a művek sematikája leegyszerűsödött (de pontos kidolgozásuk változatosabbá vált). 1790-ben, közvetlenül Mozart halála előtt, hírneve rohamosan terjedt, Haydn számos sikerre készült, nevezetesen késői oratóriumaira és londoni szimfóniáira . Párizsban, Rómában és egész Németországban zeneszerzők fordultak Haydnhoz és Mozarthoz formai ötleteikért.

Joseph Karl Stieler Beethoven-portréja , 1820

Az 1790-es években a zeneszerzők új generációja jelent meg, akik 1770 körül születtek. Miközben a korábbi stílusokhoz nőttek fel, Haydn és Mozart legújabb műveiben hallották a nagyobb kifejezésmód eszközét. 1788-ban Luigi Cherubini Párizsban telepedett le, és 1791-ben megkomponálta a Lodoiska című operát, amely híressé tette őt. Stílusa egyértelműen az érett Haydnt és Mozartot tükrözi, hangszerelése pedig olyan súlyt adott neki, ami a nagyoperában még nem volt érzékelhető . Kortársa , Étienne Méhul az 1790-es Euphrosine et Coradin című operájával terjesztette ki a hangszeres hatásokat, amelyből sorozatos sikerek következtek. Az utolsó lökést a változás felé Gaspare Spontini adta, akit olyan jövőbeli romantikus zeneszerzők csodáltak, mint Weber, Berlioz és Wagner. Operáinak innovatív harmonikus nyelvezete, kifinomult hangszerelése és „beláncolt” zárt számaik (ezt a szerkezeti mintát később Weber az Euryanthe-ban, majd tőle Marschneren keresztül Wagnerre is átvette) képezték azt az alapot, amelyből a francia, ill. A német romantikus operának megvoltak a kezdetei.

Hummel 1814-ben

Az új nemzedék legsorsosabbja Ludwig van Beethoven volt , aki 1794-ben indította el számozott műveit három zongoratrióból álló készlettel, amelyek továbbra is a repertoáron maradnak. Johann Nepomuk Hummel valamivel fiatalabb volt a többieknél, bár fiatalkori Mozart-tanulmányai és bennszülött virtuozitása miatt ugyanolyan jól teljesített . Hummel is Haydn alatt tanult; barátja volt Beethovennek és Franz Schubertnek . Jobban koncentrált a zongorára, mint bármely más hangszerre, és 1791-ben és 1792-ben Londonban töltött ideje három zongoraszonáta, az opus 2 kompozícióját és kiadását eredményezte 1793-ban, amely idiomatikusan alkalmazta Mozart technikáit, hogy elkerülje a várt ütemet, és Clementi néha modálisan. bizonytalan virtuóz figuráció. Összességében ezek a zeneszerzők a széles körű stílusváltás élcsapatának és a zene központjának tekinthetők. Tanulmányozták egymás műveit, lemásolták egymás gesztusait a zenében, és időnként úgy viselkedtek, mint a veszekedő riválisok.

A döntő különbségek az előző hullámhoz képest a dallamok lefelé tolódásában, a tételek növekvő időtartamában, Mozart és Haydn paradigmatikusként való elfogadásában, a billentyűs erőforrások fokozottabb kihasználásában, az „énekes” írásról a „zongorista” írásra való elmozdulásban mutatkoznak meg. , a moll és a modális kétértelműség növekvő vonzereje, valamint a kísérőfigurák váltogatásának növekvő jelentősége, hogy a "textúrát" a zene elemeként előmozdítsák. Röviden, a késői klasszikus olyan zenét keresett, amely belsőleg összetettebb. A koncerttársaságok és az amatőr zenekarok növekedése, amely a zene fontosságát jelzi a középosztály életében, hozzájárult a zongorák, a zongoramuzsika és a virtuózok fellendülő piacához, amelyek példaként szolgálhatnak. Hummel, Beethoven és Clementi mind híresek voltak improvizációjukról.

A barokk közvetlen hatása tovább halványult: a figurás basszus egyre kevésbé hangsúlyos, mint az előadás összetartásának eszköze, a 18. század közepén kialakult előadásmód tovább haldoklott. Ezzel párhuzamosan azonban megjelentek a barokk mesterek teljes kiadásai, és tovább erősödött a barokk stílus hatása, különösen a sárgaréz egyre terjeszkedőbb felhasználásában. A korszak másik jellemzője, hogy egyre több előadást tartottak, ahol a zeneszerző nem volt jelen. Ez a jelölések részletességének és specifikusságának növekedéséhez vezetett; például kevesebb „választható” rész volt, amely külön állt a fő pontszámtól.

Ezeknek az elmozdulásoknak az ereje Beethoven 3. szimfóniájánál vált nyilvánvalóvá, amely a zeneszerzőtől az Eroica nevet adta , ami olaszul „hősi”. Sztravinszkij A tavasz rítusához hasonlóan talán nem volt az első minden újításában, de a klasszikus stílus minden részének agresszív felhasználása megkülönböztette kortárs műveitől: hosszában, ambíciójában és harmonikus erőforrásaiban is. .

Első bécsi iskola

Bécs látképe 1758-ban, Bernardo Bellotto

Az első bécsi iskola név, amelyet leginkább a 18. század végi bécsi klasszikus korszak három zeneszerzőjére használnak : Haydnra, Mozartra és Beethovenre. Franz Schubert időnként felkerül a listára.

Német nyelvterületen a Wiener Klassik ( szó szerint bécsi klasszikus korszak/művészet ) kifejezést használják. Ezt a kifejezést gyakran szélesebb körben alkalmazzák a klasszikus korszakra a zene egészére, hogy meg lehessen különböztetni más korszakoktól, amelyeket a köznyelvben klasszikusnak neveznek , nevezetesen a barokk és a romantikus zenétől .

A "bécsi iskola" kifejezést először Raphael Georg Kiesewetter osztrák zenetudós használta 1834-ben, bár ő csak Haydnt és Mozartot tartotta az iskola tagjainak. Más írók is követték a példát, és végül Beethoven is felkerült a listára. A második bécsi iskolával való összetéveszthetőség elkerülése érdekében ma az "első" megjelölést adják hozzá .

Noha Schuberttől eltekintve ezek a zeneszerzők minden bizonnyal ismerték egymást (haydn és Mozart még alkalmi kamarazenei partnerek is), semmi értelme, hogy olyan együttműködésben dolgoztak volna, mint a 20. századi iskolákkal. mint például a második bécsi iskola, vagy a Les Six . Az sem jelentős, hogy az egyik zeneszerzőt a másik „tanította volna” (úgy, ahogyan Berget és Webernt Schönberg tanította), bár igaz, hogy Beethoven egy ideig Haydntól kapott leckéket.

Az első bécsi iskola kiterjesztésére irányuló kísérletek olyan későbbi alakokra, mint Anton Bruckner , Johannes Brahms és Gustav Mahler pusztán újságírói jellegűek, és soha nem találkoztak az akadémiai zenetudományban.

Klasszikus hatás a későbbi zeneszerzőkre

Wilhelm August Rieder 1875 - ös olajfestménye Franz Schubertről , saját 1825 - ös akvarell portréja nyomán

A zenei korszakok és azok uralkodó stílusai, formái és hangszerei ritkán tűnnek el egyszerre; ehelyett a funkciók idővel lecserélődnek, amíg a régi megközelítést egyszerűen "régimódinak" nem érzi. A klasszikus stílus nem "halt meg" hirtelen; inkább fokozatosan megszűnt a változások súlya alatt. Hogy csak egy példát említsek, noha általában azt állítják, hogy a klasszikus korszak felhagyott a csembaló használatával a zenekarokban, ez nem történt meg hirtelen a klasszikus korszak kezdetén, 1750-ben. Inkább a zenekarok lassan felhagytak a csembaló használatával. basso continuo egészen addig, amíg a gyakorlatot az 1700-as évek végére abbahagyták.

Mendelssohn portréja, James Warren Childe , 1839

Az egyik döntő változás a „lapos” billentyűkre összpontosító harmóniák irányába történő elmozdulás volt: a szubdomináns irányú eltolódások. A klasszikus stílusban a dúr hangnem sokkal gyakoribb volt, mint a moll, a kromatikát "éles" moduláció segítségével mérsékelték (pl. egy C-dúr darab G-dúrra, D-dúrra vagy A-dúrra modulálva, amelyek mindegyike hangnem több élessel). Emellett a kisebb módú szakaszokat gyakran használták kontrasztként. Mozarttól és Clementitől kezdve megkezdődött a szubdomináns régió kúszó gyarmatosítása (a ii vagy IV akkord, amely a C-dúr hangnemben a d-moll vagy az F-dúr hangjai). Schubertnél a szubdomináns modulációk felvirágoztak, miután olyan kontextusban vezették be őket, amelyben a korábbi zeneszerzők domináns eltolódásokra szorítkoztak (modulációk a domináns akkordra , pl. C-dúr hangnemben, G-dúr moduláció). Ez sötétebb színeket vezetett be a zenébe, megerősítette a moll módot, és nehezebbé tette a szerkezet karbantartását. Beethoven hozzájárult ehhez, hogy egyre gyakrabban használta a negyediket összhangzatként, és a modális kétértelműséget – például a 9. d-moll szimfónia megnyitásával .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber és John Field az ifjú Felix Mendelssohn mellett a "protoromantikusok" generációjának legkiemelkedőbbjei közé tartoznak . Formaérzéküket erősen befolyásolta a klasszikus stílus. Bár még nem voltak "tanult" zeneszerzők (más által kodifikált szabályokat utánozva), közvetlenül reagáltak Haydn, Mozart, Clementi és mások műveire, amikor találkoztak velük. A zenekarokban rendelkezésükre álló hangszeres erők száma és változatossága is meglehetősen "klasszikus" volt, ami lehetővé tette a klasszikus művekkel való hasonlóságot.

A klasszikus stílus uralmának megszüntetésére hivatott erők azonban a fenti zeneszerzők közül sok, különösen Beethoven műveiben megerősödtek. A leggyakrabban idézett a harmonikus innováció. Fontos az is, hogy egyre nagyobb hangsúlyt kapjon a folyamatos és ritmikusan egységes kísérőfiguráció: Beethoven Holdfény-szonátája több száz későbbi darab mintája volt – ahol egy ritmikus figura változó mozgása adja a mű drámaiságának és érdekességének nagy részét, míg egy dallam. sodródik fölötte. Nagyobb művek ismerete, nagyobb hangszeres szakértelem, növekvő hangszerválaszték, a koncerttársaságok növekedése, és az egyre erősebb zongora megállíthatatlan uralma (melynek merészebb, hangosabb hangot adott a technológiai fejlődés, például az acélhúrok használata, nehéz öntöttvas keretek és szimpatikusan vibráló húrok) mind hatalmas közönséget teremtettek a kifinomult zenének. Mindezek a trendek hozzájárultak a "romantikus" stílus felé való elmozduláshoz .

Nagyon nehéz meghúzni a határvonalat e két stílus között: Mozart későbbi műveinek egyes szakaszai, önmagukban véve, harmóniában és hangszerelésben nem különböztethetők meg a 80 évvel később írt zenétől – és egyes zeneszerzők a 20. század elejéig folytatták az írást normatív klasszikus stílusban. Az olyan zeneszerzők, mint Louis Spohr , már Beethoven halála előtt is romantikusnak vallották magukat, és műveikbe például extravagánsabb kromatikát is beépítettek (pl. kromatikus harmóniákat használtak egy darab akkordmenetében ). Ezzel szemben az olyan művek, mint Schubert V. szimfóniája , amelyet a klasszikus korszak kronologikus végén és a romantika korszakának hajnalán írtak, szándékosan anakronisztikus művészi paradigmát mutatnak be, visszanyúlva a több évtizeddel ezelőtti kompozíciós stílushoz.

Azonban az 1820-as évek végén Bécs, mint a zenekari kompozíció legfontosabb zenei központja, Beethoven és Schubert halála miatt bekövetkezett bukása a klasszikus stílus végső napfogyatkozását jelentette – és annak a folyamatos szerves fejlődésének a végét, hogy egy zeneszerző a zeneszerzés közvetlen közelében tanult. mások. Liszt Ferenc és Frédéric Chopin fiatalon Bécsbe látogattak, de aztán más városokba költöztek. Az olyan zeneszerzők, mint Carl Czerny , miközben mélyen Beethoven hatással volt rájuk, szintén új ötleteket és formákat kerestek, hogy befogadják a zenei kifejezés és előadás tágabb világát, amelyben éltek.

A 18. századi klasszikus zene formai kiegyensúlyozottsága és visszafogottsága iránti megújult érdeklődés a 20. század elején az úgynevezett neoklasszikus stílus kialakulásához vezetett, amely Sztravinszkijt és Prokofjevet – legalábbis pályájuk bizonyos szakaszaiban – hívei közé sorolta.

Klasszikus korabeli hangszerek

Paul McNulty fortepiano Walter & Sohn után c. 1805

Gitár

A barokk gitár négy vagy öt dupla húros vagy "pályás" készlettel és igényesen díszített hanglyukkal egészen más hangszer volt, mint a korai klasszikus gitár , amely jobban hasonlít a hagyományos hathúros modern hangszerre. A hangszerhez kiadott használati útmutatók számát tekintve – 1760 és 1860 között több mint háromszáz szöveget publikált több mint kétszáz szerző – a klasszikus korszak a gitár aranykorát jelentette.

Húrok

A barokk korszakban az együttesekben használt vonós hangszerek változatosabbak voltak, olyan hangszereket használtak, mint a viola d'amore és a fretted hegedűk széles skálája , a kis hegedűktől a nagy basszushegedűkig. A klasszikus korszakban a zenekar vonós szekcióját négy hangszerként szabványosították:

• Hegedű (a zenekarokban és a kamarazenében jellemzően első hegedű és második hegedű van, az előbbi a dallamot és/vagy egy magasabb vonalat játssza, az utóbbi pedig egy ellendallamot, egy harmónia szólamot, az első hegedűsor alatti hangmagasságot , vagy egy kísérősor)
• Viola (a zenekari vonósszekció és vonósnégyes alt hangja; gyakran ad elő "belső hangokat", amelyek a darab harmóniáját kitöltő kísérősorok)
• Cselló (a cselló két szerepet játszik a klasszikus kor zenéjében; időnként a darab basszusvonalának lejátszására használják , jellemzően a nagybőgőkkel megduplázva [Megjegyzés: Amikor a cselló és a nagybőgő ugyanazt a basszusvonalat olvassa, a basszusgitárok egy oktávot szólaltatnak meg alatta a csellókat, mert a basszus transzponáló hangszer]; máskor pedig dallamokat és szólókat ad elő alsó regiszterben)
• Nagybőgő (a basszus általában a legalacsonyabb hangokat adja elő a vonós szekcióban, hogy biztosítsa a darab basszusvonalát)

A barokk korban a nagybőgősök általában nem kaptak külön részt; ehelyett jellemzően ugyanazt a basso continuo basszusvonalat játszották , mint a csellók és más mély hangszerek (pl. theorbo , kígyófúvós hangszer, hegedűk ), bár egy oktávval a csellók alatt, mert a nagybőgő egy transzponáló hangszer, amely egy oktávot szól. alacsonyabb, mint ami le van írva. A klasszikus korszakban néhány zeneszerző továbbra is csak egy basszusszólamot írt szimfóniájához, amelyet "bassi"-nak neveztek; ezt a basszusszólamot csellisták és nagybőgősök játszották. A klasszikus korszakban egyes zeneszerzők elkezdték a nagybőgőknek saját részt adni.

Fafúvósok

• Basset klarinét
• Basset kürt
• Klarinette d'amour
• Klasszikus klarinét
• Chalumeau
• Fuvola
• Oboa
• Fagott

Ütőhangszerek

• Timpani
• " Török zene ":
  • Nagydob
  • cintányérok
  • Háromszög

Billentyűzetek

• Klavikord
• Fortepiano (a modern zongora előfutára)
• Zongora
• A csembalót , a barokk kor standard basso continuo billentyűs hangszerét az 1750-es évekig használták, ezt követően fokozatosan kivonták a forgalomból, helyette a fortepiano , majd a zongora került . Az 1800-as évek elején a csembalót már nem használták.

Sárgarézek

• Buccin
• Ophicleide – a „ kígyó ” helyettesítője, egy basszusfúvós hangszer, amely a tuba előfutára volt
• kürt
• Trombita
• Harsona

Lásd még

• A klasszikus korszak zeneszerzőinek listája

Megjegyzések

További irodalom

• Downs, Philip G. (1992). Klasszikus zene: Haydn, Mozart és Beethoven korszaka, Norton Bevezetés a zenetörténetbe 4. kötet . WW Norton. ISBN  0-393-95191-X (kemény kötés).
• Grout, Donald Jay ; Palisca, Claude V. (1996). A nyugati zene története , 5. kiadás. WW Norton. ISBN  0-393-96904-5 (kemény kötés).
• Hanning, Barbara Russano ; Grout, Donald Jay (1998 rev. 2006). A nyugati zene tömör története . WW Norton. ISBN  0-393-92803-9 (kemény kötés).
• Kennedy, Michael (2006), The Oxford Dictionary of Music , 985 oldal, ISBN  0-19-861459-4
• Lihoreau, Tim; Fry, Stephen (2004). Stephen Fry: A klasszikus zene hiányos és teljes története . Boxtree. ISBN  978-0-7522-2534-0
• Rosen, Charles (1972, bővítve 1997). A klasszikus stílus . New York: WW Norton. ISBN  978-0-393-04020-3 (bővített kiadás CD-vel, 1997)
• Taruskin, Richard (2005, rev. Paperback version 2009). A nyugati zene oxfordi története . Oxford University Press (USA). ISBN  978-0-19-516979-9 (keménykötés), ISBN  978-0-19-538630-1 (puhakötés)

Külső linkek

• Classical Net  – klasszikus zenei referenciaoldal
• Ingyenes partitúrák különböző klasszikus zeneszerzőktől az International Music Score Library Projectben (IMSLP)