Elektronikus zene -Electronic music

Elektronikus zene
Más nevek	Electronica
Stiláris eredet	Modernizmus Futurizmus
Kulturális eredet	20. század eleje , Franciaország , Egyesült Államok , Németország
Származékos formák	Környező Drón dub EDM hip hop új kor új hullám zaj neo soul pszichedelikus
Egyéb témák
Avantgarde zene számítógépes zene elektronika a rockzenében kísérleti zene zenei technológia (elektronikus és digitális) az elektronikus zenei műfajok idővonala

Elektronikus zene
Kísérleti formák
Ambient zene Elektroakusztikus zene Musique concrète Hiba Ipari zene Zaj zene
Népszerű stílusok
Breakbeat Chiptune Táncterem Downtempo Dob és basszus Dub Dubstep Elektro EDM Korom Hardcore Ház IDM Reggaeton Szintiptop Techno Trance UK garázs Vaporwave
Egyéb témák
Disco A popzenében A rockzenében A népzenében Hangszóró Műfajok listája Plunderphonics Stúdió, mint kompozíciós eszköz Lemezjátszó Hip hop Hangosítás Videójáték zene
v t e

Az elektronikus zene olyan zenei műfaj , amelynek létrehozása során elektronikus hangszereket , digitális hangszereket vagy áramkör-alapú zenei technológiát alkalmaznak. Ez magában foglalja mind az elektronikus, mind az elektromechanikus eszközökkel készült zenét ( elektrokusztikus zene ). A tisztán elektronikus hangszerek teljes mértékben az áramkör-alapú hanggenerálástól függtek, például olyan eszközök használatával, mint az elektronikus oszcillátor , a theremin vagy a szintetizátor . Az elektromechanikus hangszerek tartalmazhatnak mechanikus részeket, például húrokat, kalapácsokat és elektromos elemeket, beleértve a mágneses hangszedőket , teljesítményerősítőket és hangszórókat . Ilyen elektromechanikus eszközök a telharmónium , a Hammond - orgona , az elektromos zongora és az elektromos gitár .

Az első elektronikus zenei eszközöket a 19. század végén fejlesztették ki. Az 1920-as és 1930-as években megjelentek néhány elektronikus hangszer, és megírták az első kompozíciókat, amelyekben ezek szerepelnek. Az 1940-es évekre a mágneses hangszalag lehetővé tette a zenészek számára, hogy hangokat rögzítsenek, majd a szalag sebességének vagy irányának megváltoztatásával módosítsák azokat, ami az 1940-es években az elektroakusztikus szalagzene fejlődéséhez vezetett Egyiptomban és Franciaországban. Az 1948-ban Párizsban létrehozott Musique concrète természetes és ipari hangok rögzített töredékeinek közös szerkesztésén alapult. A kizárólag elektronikus generátorokból előállított zenét először Németországban állítottak elő 1953-ban. Az 1950-es évektől Japánban és az Egyesült Államokban is készítettek elektronikus zenét, és ugyanebben az évtizedben mutatták be először az algoritmikus kompozíciót számítógépekkel.

Az 1960-as években a digitális számítógépes zene úttörő szerepet játszott, innovációra került sor az élő elektronikában , és a japán elektronikus hangszerek kezdtek hatni a zeneiparra . Az 1970-es évek elején a Moog szintetizátorok és a japán dobgépek segítették a szintetizált elektronikus zene népszerűsítését. Az 1970-es években az elektronikus zene is jelentős hatást kezdett gyakorolni a populáris zenére , a többszólamú szintetizátorok , az elektronikus dobok , a dobgépek és a lemezjátszók átvételével, olyan műfajok megjelenésével, mint a disco , krautrock , new wave , szintipop , hip . hop és EDM . Az 1980-as évek elején a sorozatgyártású digitális szintetizátorok , például a Yamaha DX7 népszerűvé váltak, és kifejlesztették a MIDI - t (Musical Instrument Digital Interface). Ugyanebben az évtizedben a szintetizátorokra való nagyobb támaszkodás és a programozható dobgépek elterjedésével az elektronikus könnyűzene került előtérbe. Az 1990-es években, az egyre megfizethetőbb zenei technológia terjedésével az elektronikus zenei gyártás a populáris kultúra állandó részévé vált . A kortárs elektronikus zene számos fajtát tartalmaz, és a kísérleti művészeti zenétől az olyan népszerű formákig terjed, mint az elektronikus tánczene . Az elektronikus popzene leginkább a maga 4/4-es formájában ismerhető fel, és jobban kapcsolódik a mainstreamhez, mint a korábbi, a piaci réseken népszerű formák.

Származás: 19. század vége – 20. század eleje

A 20. század fordulóján a feltörekvő elektronikával való kísérletezés vezetett az első elektronikus hangszerekhez . Ezeket a kezdeti találmányokat nem adták el, hanem bemutatókon és nyilvános előadásokon használták őket. A közönség a hangszerekhez készült új kompozíciók helyett a meglévő zenék reprodukcióit mutatta be. Míg egyesek újdonságnak számítottak, és egyszerű hangokat produkáltak, a Telharmonium több zenekari hangszer hangját szintetizálta megfelelő pontossággal. Életképes közérdeklődésre tett szert, és kereskedelmi előrelépést tett a telefonhálózatokon keresztüli zenestreamelés terén .

A zenei konvenciók akkori kritikusai ígéretesnek láttak ezeket a fejleményeket. Ferruccio Busoni az elektronikus hangszerek által megengedett mikrotonális zene kompozícióját ösztönözte . Megjósolta a gépek használatát a jövő zenéjében, megírta a Sketch of a New Esthetic of Music (1907) című nagy hatású Sketch of a New Esthetic of Music (1907). A futuristák , mint például Francesco Balilla Pratella és Luigi Russolo akusztikus zajjal kezdtek zenét komponálni , hogy megidézzék a gépek hangját . A zajok művészete (1913) című befolyásos kiáltványában az elektronika által lehetővé tett hangszín -bővüléseket jósolták .

Korai kompozíciók

A vákuumcső fejlesztése kisebb, felerősített és a teljesítmény szempontjából praktikusabb elektronikus műszerekhez vezetett . Különösen a theremin , ondes Martenot és trautonium gyártására került sor az 1930-as évek elejére.

Az 1920-as évek végétől az elektronikus hangszerek megnövekedett gyakorlatiassága olyan zeneszerzőket, mint például Joseph Schillingert , átvette azokat. Jellemzően zenekarokon belül használták őket , és a legtöbb zeneszerző olyan részeket írt a thereminre, amelyeket egyébként vonós hangszerekkel is elő lehetne adni .

Az avantgárd zeneszerzők bírálták az elektronikus hangszerek túlnyomó részét a hagyományos célokra. A hangszerek a hangmagasság-források bővítését kínálták, amelyeket a mikrotonális zene hívei, például Charles Ives , Dimitrios Levidis , Olivier Messiaen és Edgard Varèse használtak ki . Továbbá Percy Grainger arra használta a theremint, hogy teljesen elhagyja a rögzített hangzást, míg az olyan orosz zeneszerzők, mint Gavriil Popov , zajforrásként kezelték az egyébként akusztikus zajzenében .

Kísérletek rögzítése

A korai rögzítési technológia fejlődése párhuzamosan zajlott az elektronikus hangszerekével. A hang rögzítésének és reprodukálásának első eszközét a 19. század végén találták fel a mechanikus fonográf segítségével . A lemezjátszók általános háztartási cikkekké váltak, és az 1920-as évekre a zeneszerzők már rövid felvételek lejátszására is használták őket előadásokon.

Az elektromos rögzítés 1925-ös bevezetését a lemezjátszókkal való fokozott kísérletezés követte. Paul Hindemith és Ernst Toch több darabot is komponált 1930-ban hangszerek és énekhangok beállított sebességű felvételeinek rétegezésével. Ezen technikák hatására John Cage 1939-ben komponálta az Imaginary Landscape No. 1 -et a felvett hangok sebességének beállításával.

Ezzel párhuzamosan a zeneszerzők kísérletezni kezdtek az újonnan kifejlesztett hang-on-film technológiával. A felvételeket összeillesztve hangkollázsokat lehet készíteni , mint például Tristan Tzara , Kurt Schwitters , Filippo Tommaso Marinetti , Walter Ruttmann és Dziga Vertov . Ezenkívül a technológia lehetővé tette a hang grafikus létrehozását és módosítását . Ezeket a technikákat használták számos film filmzenéjének komponálásához Németországban és Oroszországban, az Egyesült Államokban népszerű Dr. Jekyll és Mr. Hyde mellett. A grafikus hangzással kapcsolatos kísérleteket Norman McLaren folytatta az 1930-as évek végétől.

Fejlődés: 1940-1950-es évek

Elektroakusztikus kazettás zene

Az első praktikus hangmagnót 1935-ben mutatták be. A technológiát az AC előfeszítési technikával fejlesztették, ami jelentősen javította a felvétel hűségét. Már 1942-ben készültek sztereó tesztfelvételek . Bár ezek a fejlesztések kezdetben Németországra korlátozódtak, a felvevőket és a kazettákat a második világháború után az Egyesült Államokba vitték. Ez volt az alapja az első kereskedelmi forgalomba hozott magnónak 1948-ban.

1944-ben, mielőtt a mágnesszalagot kompozíciós célokra használták volna, az egyiptomi zeneszerző, Halim El-Dabh , amikor még Kairóban tanult , egy nehézkes vezetékes felvevővel rögzítette egy ősi zaar- ceremónia hangjait. Az El-Dabh a Közel-Kelet Rádió stúdióinak eszközeit felhasználva zengés, visszhang, feszültségszabályozás és újrafelvétel segítségével dolgozta fel a rögzített anyagot. Az eredmény a legkorábbi magnózenei kompozíciónak tekinthető. Az így létrejött alkotás a Zaar kifejezése címet viselte , és 1944-ben mutatták be egy kairói művészeti galéria rendezvényén. Míg a kazettás zeneszerzéssel kapcsolatos kezdeti kísérletei akkoriban Egyiptomon kívül nem voltak széles körben ismertek, El-Dabh az 1950-es évek végén a Columbia-Princeton Electronic Music Centerben végzett elektronikus zenei munkáiról is ismert .

Musique concrète

A Radiodiffusion Française (RDF) Studio d'Essai - val végzett munkáját követően az 1940-es évek elején Pierre Schaeffer nevéhez fűződik a musique concrète elméletének és gyakorlatának megteremtője. Az 1940-es évek végén Schaeffer végzett először olyan kísérleteket a hangalapú kompozícióval, amely sellak lemezjátszókkal történt. 1950-ben a musique beton technikáit kiterjesztették, amikor mágnesszalagos gépeket használtak olyan hangmanipulációs gyakorlatok felfedezésére, mint a sebességváltozás ( pitch shift ) és a szalagillesztés .

1948. október 5-én az RDF sugározta Schaeffer Etude aux chemins de fer című művét . Ez volt a Cinq études de bruits első „ tétele ”, amely a stúdiómegvalósítások és a musique concrète (vagy akusztikus művészet) kezdetét jelentette. Schaeffer tárcsás vágóesztergagépet , négy lemezjátszót, négycsatornás keverőt, szűrőket, visszhangkamrát és mobil felvevőegységet alkalmazott. Nem sokkal ezután Pierre Henry elkezdett együttműködni a Schaefferrel, amelynek mélyreható és tartós hatásai lesznek az elektronikus zene irányvonalára. Schaeffer másik munkatársa, Edgard Varèse elkezdett dolgozni a Déserts -en , egy kamarazenekari és magnóművön. A szalagrészeket Pierre Schaeffer stúdiójában készítették, majd később a Columbia Egyetemen felülvizsgálták.

1950-ben Schaeffer adta az első nyilvános (nem sugárzott) musical concrète koncertet az École Normale de Musique de Paris -ban . "Schaeffer PA rendszert , több lemezjátszót és keverőt használt. Az előadás nem ment jól, mivel lemezjátszókkal élő montázsokat korábban soha nem csináltak." Még ugyanabban az évben Pierre Henry együttműködött Schaefferrel a Symphonie pour un homme seul (1950) című első jelentős zenei betonművön. Az RTF 1951-ben Párizsban megalapította az első stúdiót elektronikus zene előállítására. Szintén 1951-ben Schaeffer és Henry egy Orpheus című operát készített konkrét hangokra és hangokra.

1951-re Schaeffer, Pierre Henry zeneszerző- ütőhangszeres és Jacques Poullin hangmérnök munkája hivatalos elismerésben részesült, és a The Groupe de Recherches de Musique Concrète , a Club d'Essai de la Radiodiffusion-Télévision Française megalakult a párizsi RTF-en, az ősatyán. az ORTF -től .

Elektronische Music

Karlheinz Stockhausen 1952-ben rövid ideig Schaeffer stúdiójában dolgozott, majd évekig a WDR Kölni Elektronikus Zenei Stúdiójában dolgozott .

1954-ben megjelentek a ma már autentikus elektromos és akusztikus kompozíciók – az akusztikus hangszerelés, amelyet manipulált vagy elektronikusan generált hangfelvételek egészítenek ki/kísérnek. Három nagy mű ősbemutatója volt abban az évben: Varèse Déserts kamaraegyüttesre és magnóhangokra, valamint Otto Luening és Vladimir Ussachevsky két műve : Rapszodikus variációk a Louisville-i szimfóniára és Egy vers ciklusokban és harangokban egyaránt zenekarra és magnóra. Mivel Schaeffer stúdiójában dolgozott, Varèse munkájához készült magnós rész sokkal konkrétabb hangokat tartalmaz, mint elektronikus. "Fúvós hangszerekből, ütőhangszerekből és zongorából álló csoport váltakozik a gyári zajok, hajószirénák és motorok mutáns hangjaival, két hangszóróból."

A Déserts németországi premierjén Hamburgban, amelyet Bruno Maderna vezényelt , a szalagvezérlőket Karlheinz Stockhausen kezelte. A Déserts cím Varèse-nek nem csak "minden fizikai sivatagot (homok, tenger, hó, világűr, üres utcák), hanem az ember elméjében lévő sivatagokat is sugallta; nemcsak a természet azon csupasz aspektusait, amelyek csupaszságot sugallnak, az elzárkózás, az időtlenség, de a távoli belső tér is, amelyet teleszkóp nem érhet el, ahol az ember egyedül van, a titokzatosság és az alapvető magány világa."

Kölnben, amely a világ leghíresebb elektronikus zenei stúdiójává válik, hivatalosan 1953-ban nyitották meg az NWDR rádióstúdióiban , bár már 1950-ben tervezési szakaszban volt, és a korai kompozíciók elkészültek és 1951-ben sugározták. Werner Meyer-Eppler , Robert Beyer és Herbert Eimert ötletgazdája ( aki az első igazgatója lett), a stúdióhoz hamarosan Karlheinz Stockhausen és Gottfried Michael Koenig csatlakozott . 1949-es Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache című dolgozatában Meyer-Eppler felvetette azt az ötletet, hogy a zenét teljes egészében elektronikusan előállított jelekből szintetizálják; ily módon az elektronische Musik élesen elkülönült a francia musique concrète -től , amely akusztikus forrásokból rögzített hangokat használt.

1953-ban Stockhausen megkomponálta Studie I című művét , majd 1954-ben az Elektronische Studie II -t – az első elektronikus darabot, amelyet kottaként adtak ki. 1955-ben több kísérleti és elektronikus stúdió is megjelent. Figyelemre méltó volt a Studio di fonologia musicale di Radio Milano létrehozása, amely a Toshiro Mayuzumi által alapított NHK stúdió a tokiói NHK -ban, valamint a hollandiai eindhoveni Philips stúdió , amely 1960-ban az Utrechti Egyetemre költözött Szonológiai Intézetként. .

"Stockhausen és Mauricio Kagel lakhelyével a karizmatikus avantgardizmus egész éven át tartó kaptárává vált [ sic ]", amely két alkalommal is ötvözi az elektronikusan generált hangzásokat viszonylag hagyományos zenekarokkal – a Mixtur (1964) és a Hymnen, dritte Region mit Orchester ( 1967). Stockhausen kijelentette, hogy hallgatói azt mondták neki, hogy elektronikus zenéje a „világűr” élményét, a repülés érzését vagy a „fantasztikus álomvilágban” való tartózkodást adta számukra. A közelmúltban Stockhausen saját Kürten -i stúdiójában az elektronikus zene gyártása felé fordult, utolsó munkája a médiumban a Cosmic Pulses (2007) volt.

Japán elektronikus zene

Az elektronikus hangszerek legkorábbi csoportja Japánban, a Yamaha Magna Organ 1935-ben épült. A második világháború után azonban olyan japán zeneszerzők, mint Minao Shibata , tudtak az elektronikus hangszerek fejlődéséről. Az 1940-es évek végére a japán zeneszerzők kísérletezni kezdtek az elektronikus zenével, és az intézményi szponzoráció lehetővé tette számukra, hogy korszerű berendezésekkel kísérletezzenek. Az ázsiai zene beágyazása a feltörekvő műfajba végül is alátámasztja Japán népszerűségét a zenei technológia fejlődésében néhány évtizeddel később.

A Sony elektronikai cég 1946-os megalakulását követően Toru Takemitsu és Minao Shibata zeneszerzők egymástól függetlenül vizsgálták meg az elektronikus technológia lehetséges felhasználási lehetőségeit zene előállítására. Takemitsunak a musique concrète - hez hasonló ötletei voltak , amiről nem tudott, Shibata viszont előre látta a szintetizátorok fejlődését, és drasztikus változást jósolt a zenében. A Sony megkezdte a népszerű mágnesszalagos magnók gyártását kormányzati és nyilvános használatra.

Az 1950-ben alapított Jikken Kōbō (Kísérleti Műhely) avantgárd kollektívának a Sony hozzáférést kínált a feltörekvő audiotechnológiához. A cég felbérelte Toru Takemitsut, hogy bemutassa magnóját elektronikus magnózenei kompozíciókkal és előadásokkal. A csoport első elektronikus kazettás darabjai a "Toraware no Onna" ("Imprisoned Woman") és a "Piece B" voltak, amelyeket Kuniharu Akiyama 1951-ben komponált. Az általuk készített elektroakusztikus kazettadarabok nagy részét mellékzeneként használták rádióban , filmben és színházban . Koncerteket is tartottak diavetítéssel , amelyet rögzített hangsávval szinkronizáltak. A Jikken Kōbō-n kívüli zeneszerzők, mint például Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga és Shirō Fukai , szintén kísérleteztek rádiófonikus szalagzenével 1952 és 1953 között.

A Musique concrète-t Toshiro Mayuzumi vezette be Japánba , akire Pierre Schaeffer koncertje volt hatással. 1952-től kazettás zenedarabokat komponált vígjátékhoz, rádióadáshoz és rádiódrámához. Schaeffer hangtárgy-koncepciója azonban nem volt befolyásos a japán zeneszerzőkre, akiket elsősorban az emberi teljesítmény korlátainak leküzdése érdekelt. Ez oda vezetett, hogy több japán elektroakusztikus zenész a szerializmust és a tizenkét hangú technikákat alkalmazta , ami látható Yoshirō Irino 1951 -es „Concerto da Camera” dodekafon darabjában, Mayuzumi „X, Y, Z for Musique Concrète” című művében elektronikus hangok megszervezésében. , majd Shibata elektronikus zenéjében 1956-ra.

A kölni NWDR stúdió modellezésével az NHK 1955-ben Tokióban elektronikus zenei stúdiót hozott létre, amely a világ egyik vezető elektronikus zenei létesítményévé vált. Az NHK Stúdió olyan technológiákkal volt felszerelve, mint hanggeneráló és hangfeldolgozó berendezések, felvevő- és rádiófonikus berendezések, ondes Martenot, Monochord és Melochord , szinuszos oszcillátorok , magnók, csengőmodulátorok , sáváteresztő szűrők , valamint négy- és nyolcas szűrők. - csatornás keverők . A stúdióhoz kapcsolódó zenészek között szerepelt Toshiro Mayuzumi, Minao Shibata, Joji Yuasa, Toshi Ichiyanagi és Toru Takemitsu. A stúdió első elektronikus kompozíciói 1955-ben készültek el, köztük Mayuzumi ötperces darabjai: "Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prím Number", "Music for Modulated Wave by Proportion of Prímszám" és az "Invention for Square Wave and Sawtooth" A Wave" a stúdió különféle hanggeneráló képességeivel, valamint a Shibata "Musique Concrète for Stereophonic Broadcast" című 20 perces sztereó darabja.

Amerikai elektronikus zene

Az Egyesült Államokban már 1939-ben elkezdték létrehozni az elektronikus zenét, amikor John Cage kiadta az Imaginary Landscape, No. 1 -et, két változtatható sebességű lemezjátszóval, frekvenciafelvételekkel, tompa zongorával és cintányérral, de elektronikus előállítási eszköz nélkül. Cage 1942 és 1952 között további öt „Képzeletbeli tájat” komponált (egyet visszavontak), többnyire ütőhangszeres együttesre, bár a 4. tizenkét rádióhoz szól, az 5., 1952-ben pedig 42 felvételt használ, és mágnesként valósítják meg. szalag. Otto Luening szerint Cage egy William [ sic ] mixet is előadott Donaueschingenben 1954-ben, nyolc hangszóróval, három évvel állítólagos együttműködése után. A Williams Mix sikert aratott a Donaueschingeni Fesztiválon , ahol "erős benyomást" keltett.

A Music for Magnetic Tape Projectet a New York School tagjai ( John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor és Morton Feldman ) hozták létre, és három évig tartott 1954-ig. Cage így írt erről az együttműködésről: "Ebben a társadalmi életben A sötétség tehát Earle Brown, Morton Feldman és Christian Wolff munkája továbbra is ragyogó fényt mutat, amiatt, hogy a lejegyzés, az előadás és a meghallgatás több pontján a cselekvés provokatív."

Cage 1953-ban fejezte be a Williams Mixet , miközben a Music for Magnetic Tape Projectben dolgozott. A csoportnak nem volt állandó létesítménye, és kereskedelmi hangstúdiókban, köztük Louis és Bebe Barron stúdiójában kellett kölcsönzött időt igénybe venniük .

Columbia-Princeton Center

Ugyanebben az évben a Columbia Egyetem megvásárolta első magnóját – egy professzionális Ampex gépet – a koncertek rögzítésére. Vlagyimir Ussachevsky-t, aki a Columbia Egyetem zenei fakultásán dolgozott, megbízták az eszközzel, aki szinte azonnal kísérletezni kezdett vele.

Herbert Russcol ezt írja: "Hamarosan felkeltette az érdeklődését az új hangzás, amelyet hangszerek rögzítésével, majd egymásra helyezésével érhetett el." Ussachevsky később ezt mondta: "Hirtelen rájöttem, hogy a magnót a hangátalakítás eszközeként is lehet kezelni." 1952. május 8-án, csütörtökön Ussachevsky számos bemutatót mutatott be az általa létrehozott kazettás zenéről/effektusokról a Composers Forumban, a Columbia Egyetem McMillin Színházban. Ezek közé tartozott az átültetés, a visszhang, a kísérlet, a kompozíció és a víz alatti völgy . Egy interjúban így nyilatkozott: "Néhány példát mutattam be felfedezésemre egy nyilvános koncerten New Yorkban, más kompozíciókkal együtt, amelyeket hagyományos hangszerekre írtam." Otto Luening, aki részt vett ezen a koncerten, megjegyezte: "A rendelkezésére álló berendezés egy Ampex magnóból állt... és egy egyszerű dobozszerű eszközből, amelyet a zseniális fiatal mérnök, Peter Mauzey tervezett, hogy visszajelzést, egyfajta visszajelzést adjon. mechanikus visszhang. Egyéb berendezéseket kölcsönkértek vagy személyes forrásból vásároltak."

Mindössze három hónappal később, 1952 augusztusában Ussachevsky a vermonti Benningtonba utazott Luening meghívására, hogy bemutassa kísérleteit. Ott ketten különféle darabokon dolgoztak együtt. Luening így írta le az eseményt: "Fülhallgatóval és furulyával felszerelve elkezdtem fejleszteni első magnókompozíciómat. Mindketten folyékonyan improvizáltunk, és a médium beindította a fantáziánkat." Néhány korai darabot kötetlenül játszottak egy bulin, ahol "számos zeneszerző szinte ünnepélyesen gratulált nekünk, mondván: "Ez van" (az "ez a jövő zenéje").

A hír gyorsan elérte New Yorkot. Oliver Daniel telefonált, és felkérte a párost, hogy "készítsenek egy csoport rövid kompozíciót az októberi koncertre, amelyet az American Composers Alliance és a Broadcast Music, Inc. szponzorált Leopold Stokowski vezényletével a New York-i Modern Művészetek Múzeumában. Habozás nélkül megállapodtunk… Henry Cowell rendelkezésünkre bocsátotta otthonát és stúdióját Woodstockban, New York államban. A kölcsönzött felszereléssel Ussachevsky autójának hátuljában indultunk el Benningtonból Woodstockba, és ott maradtunk két hétig. 1952 szeptemberének végén az utazó laboratórium elérte Ussachevsky New York-i nappaliját, ahol végül elkészültünk a kompozíciókkal."

Két hónappal később, október 28-án Vladimir Ussachevsky és Otto Luening bemutatta az első Tape Music koncertet az Egyesült Államokban. A koncerten Luening Fantasy in Space (1952) című darabja – egy „impresszionista virtuóz darab” manipulált fuvolafelvételeket használva – és a Low Speed ​​(1952) szerepelt, egy „egzotikus kompozíció, amely a fuvolát messze a természetes tartománya alá vitte”. Mindkét darab Henry Cowell otthonában készült Woodstockban, New York államban. Miután számos koncert szenzációt keltett New Yorkban, Ussachevskyt és Lueninget meghívták az NBC Today Show élő adásába, hogy készítsenek interjút – ez volt az első televíziós elektroakusztikus előadás. Luening így írta le az eseményt: "Rögtönzítettem néhány [fuvola] szekvenciát a magnóhoz. Ussachevsky akkor és ott elektronikus átalakításokon keresztül vitte át őket."

A Louis és Bebe Barron által készített Forbidden Planet kottáját teljes egészében egyedi tervezésű elektronikus áramkörök és magnók felhasználásával komponálta 1956-ban (de nem a szó mai értelmében vett szintetizátorral).

Ausztrália

A világ első zenehallgató számítógépe a CSIRAC volt, amelyet Trevor Pearcey és Maston Beard tervezett és épített. Geoff Hill matematikus az 1950-es évek legelejétől népszerű zenei dallamok lejátszására programozta a CSIRAC-ot. 1951-ben nyilvánosan lejátszotta az ezredes Bogey March című filmet , amelyről nincs ismert felvétel, csak a pontos rekonstrukció. A CSIRAC azonban standard repertoárt játszott, és nem a zenei gondolkodás vagy a zeneszerzési gyakorlat kiterjesztésére használták. A CSIRAC-ot soha nem rögzítették, de a lejátszott zenét pontosan rekonstruálták. A számítógéppel generált zene legrégebbi ismert felvételeit a Ferranti Mark 1 számítógép, a Manchesteri Egyetem Baby Machine kereskedelmi változata játszotta le 1951 őszén. A zenei programot Christopher Strachey írta .

1950-es évek közepe-vége

A számítógépek hatása 1956-ban is folytatódott. Lejaren Hiller és Leonard Isaacson megkomponálta az Illiac Suite -ot vonósnégyesre , amely az első komplett, számítógépes kompozíciós mű, algoritmikus kompozíció segítségével. "... Hiller azt feltételezte, hogy a számítógépet meg lehet tanítani egy adott stílus szabályaira, majd felhívják, hogy ennek megfelelően alkossanak." A későbbi fejlesztések közé tartozott Max Mathews munkája a Bell Laboratories -nál , aki 1957-ben kifejlesztette a befolyásos MUSIC I programot, amely az egyik első olyan számítógépes program, amely elektronikus zenét játszik le. A Vocoder technológia szintén jelentős fejlemény volt ebben a korai korszakban. Stockhausen 1956-ban komponálta a Gesang der Jünglinge című művét, a kölni stúdió első nagy művét Dániel könyvének szövege alapján . Az év egyik fontos technológiai fejlesztése volt, hogy Raymond Scott feltalálta a Clavivox szintetizátort Robert Moog részegységével .

1957-ben Kid Baltan ( Dick Raaymakers ) és Tom Dissevelt kiadta debütáló albumát Song Of The Second Moon címmel, amelyet a hollandiai Philips stúdióban vettek fel. A közvélemény továbbra is érdeklődött a világszerte keletkező új hangzások iránt, amint arra Varèse Poème électronique című művének felvételéből is következtetni lehet, amelyet az 1958-as brüsszeli világkiállítás Philips pavilonjában több mint négyszáz hangszórón játszottak . Ugyanebben az évben Mauricio Kagel argentin zeneszerző komponálta a Transición II -t . A munka a kölni WDR stúdióban valósult meg. Két zenész lépett fel a zongorán, az egyik hagyományos módon, a másik a vonósokon, a kereten és a tokon játszik. Két másik előadó kazettával egyesítette az élő hangok bemutatását a későbbi előre rögzített anyagok jövőjével és az előadásban korábban készült felvételek múltjával.

1958-ban a Columbia-Princeton kifejlesztette az RCA Mark II Sound Synthesizer -t , az első programozható szintetizátort . Olyan neves zeneszerzők, mint Vladimir Ussachevsky, Otto Luening, Milton Babbitt , Charles Wuorinen , Halim El-Dabh, Bülent Arel és Mario Davidovsky széles körben használták az RCA szintetizátort különféle kompozíciókban. A stúdió korai éveinek egyik legbefolyásosabb zeneszerzője az egyiptomi Halim El-Dabh volt, aki miután 1944-ben kifejlesztette a legkorábbi ismert elektronikus magnózenét, a Leiyla and the Poet című 1959-es elektronikus kompozíciók sorozatával vált ismertebbé. kiemelkedett az elektronikus és a népzene elmélyülésével és zökkenőmentes fúziójával , ellentétben az akkori sorozatos zeneszerzők, például Babbitt matematikai megközelítésével . Az El-Dabh-féle Leiyla and the Poet , amely a Columbia-Princeton Electronic Music Center című album részeként jelent meg 1961-ben, számos zenész erős befolyásként említi, köztük Neil Rolnicktól , Charles Amirkhaniantól és Alice Shieldstől Frank rockzenészekig . Zappa és a The West Coast Pop Art Experimental Band .

A GRMC-n (Groupe de Recherche de Musique Concrète) belüli nézeteltérések megjelenését követően Pierre Henry, Philippe Arthuys és több kollégájuk 1958 áprilisában lemondott. Schaeffer új kollektívát hozott létre Groupe de Recherches Musicales (GRM) néven, és elindult. új tagok toborzása, köztük Luc Ferrari , Beatriz Ferreyra , François-Bernard Mâche , Iannis Xenakis , Bernard Parmegiani és Mireille Chamass-Kyrou. Később érkezett Ivo Malec , Philippe Carson, Romuald Vandelle, Edgardo Canton és François Bayle .

Bővítés: 1960-as évek

Termékeny évek voltak ezek az elektronikus zene számára – nemcsak a tudományos körök számára, hanem a független művészek számára is, mivel a szintetizátortechnológia hozzáférhetőbbé vált. Ekkorra az új hangokkal és hangszerekkel foglalkozó zeneszerzők és zenészek erős közössége jött létre és bővült. 1960-ban tanúja volt Luening Gargoyles -ének hegedűre és magnóra való kompozíciója, valamint Stockhausen Kontakte elektronikus hangokra, zongorára és ütőhangszerekre című művének ősbemutatója. Ez a darab két változatban létezett – az egyik 4 csatornás szalagra, a másik pedig emberi előadókkal készült szalagra. "A Kontakte -ban Stockhausen felhagyott a lineáris fejlődésen és a drámai csúcsponton alapuló hagyományos zenei formákkal. Ez az új megközelítés, amelyet "pillanatformának" nevezett, hasonlít a huszadik század eleji film "filmes splice" technikáira."

A theremint az 1920-as évek óta használták, de bizonyos fokú népszerűségre tett szert az 1950-es években a tudományos-fantasztikus filmek filmzenéjében való felhasználásával (pl. Bernard Herrmann klasszikus partitúrája A nap, amikor a Föld megállt ).

Az Egyesült Királyságban ebben az időszakban az 1958-ban alapított BBC Radiophonic Workshop került előtérbe, nagyrészt a BBC Doctor Who című tudományos-fantasztikus sorozatán végzett munkájuknak köszönhetően . Az egyik legbefolyásosabb brit elektronikus művész ebben az időszakban Delia Derbyshire , a Workshop munkatársa volt, aki ma az ikonikus Doctor Who téma 1963-as elektronikus megvalósításáról híres , amelyet Ron Grainer komponált .

Az UNESCO elektronikus zenei tanulmányi ösztöndíja idején (1958) Josef Tal tanulmányúton vett részt az Egyesült Államokban és Kanadában. Következtetéseit két cikkben foglalta össze, amelyeket benyújtott az UNESCO-hoz. 1961-ben megalapította az Elektronikus Zenei Központot Izraelben a Jeruzsálemi Héber Egyetemen . 1962-ben Hugh Le Caine megérkezett Jeruzsálembe, hogy a központba telepítse kreatív magnóját . Az 1990-es években Tal Dr. Shlomo Markellel, a Technion – Israel Institute of Technology -val és a Volkswagen Alapítvánnyal együttműködve egy kutatási projektet („Talmark”) vezetett, amelynek célja egy újszerű kottarendszer kifejlesztése volt az elektronikus zene számára.

Milton Babbitt első elektronikus művét szintetizátorral komponálta – a Composition for Synthesizer című művét (1961) –, amelyet a Columbia-Princeton Electronic Music Center RCA szintetizátorával készített.

Babbitt számára az RCA szintetizátor három okból valóra vált álom volt. Először is, minden zenei elem pontos meghatározásának és vezérlésének képessége. Másodszor, a kidolgozott sorozatszerkezetek megvalósításához szükséges idő gyakorlati közelségbe került. Harmadszor, a kérdés már nem az volt, hogy "Mik vannak az emberi előadó korlátai?" hanem inkább "Melyek az emberi hallás határai?"

Az együttműködések óceánokon és kontinenseken is előfordultak. 1961-ben Ussachevsky meghívta Varèse-t a Columbia-Princeton Stúdióba (CPEMC). Érkezéskor Varese hozzáfogott a Déserts átdolgozásához . Mario Davidovsky és Bülent Arel segítette .

A CPEMC-nél és másutt fellépő intenzív tevékenység ihlette Morton Subotnick 1963-ban a San Francisco Tape Music Center létrehozását , további tagokkal Pauline Oliverossal , Ramon Senderrel , Anthony Martinnal és Terry Riley -vel .

Később a központ a Mills College - ba költözött, Pauline Oliveros rendezésében , ahol ma Kortárs Zenei Központ néven ismert.

Ezzel egyidejűleg San Franciscóban Stan Shaff zeneszerző és Doug McEachern berendezéstervező bemutatta az első „Audium” koncertet a San Francisco State College-ban (1962), majd a San Francisco-i Modern Művészetek Múzeumában (1963) a munkájukat az időkhöz illően. , a hang irányított mozgása a térben. Tizenkét hangszóró vette körül a hallgatóságot, felül négy hangszórót szereltek fel egy forgó, mobilszerű konstrukcióra. A következő évben (1964) az SFMOMA előadásában a San Francisco Chronicle zenekritikusa, Alfred Frankenstein megjegyezte: "a tér-hang kontinuum lehetőségeit ritkán tárták fel ennyire alaposan". 1967-ben megnyílt az első Audium , a "hangtér-kontinuum", amely 1970-ig heti rendszerességgel tartott előadásokat. 1975-ben a Nemzeti Művészeti Alaptól kapott alappénznek köszönhetően új Audium nyílt meg, padlótól a mennyezetig a térbeli hangkompozícióhoz. és a teljesítmény. "Ezzel szemben vannak olyan zeneszerzők, akik úgy manipulálták a hangteret, hogy több hangszórót helyeztek el az előadástér különböző pontjain, majd váltották vagy pásztázták a hangot a források között. Ebben a megközelítésben a térbeli manipuláció összetétele a hangszórók elhelyezkedésétől függ. és általában kihasználja a burkolat akusztikai tulajdonságait. Ilyen például Varese Poeme Electronique (az 1958-as brüsszeli világkiállítás Philips pavilonjában előadott kazettás zene) és Stanley Schaff [ sic ] Audium installációja, amely jelenleg San Franciscóban működik." Heti programokon keresztül (40 év alatt több mint 4500) Shaff "farag" hangot, 176 hangszórón keresztül élőben ad elő immár digitalizált térbeli műveket.

A Moog teljes méretű Moog moduláris szintetizátorának használatának jól ismert példája Wendy Carlos 1968 -as Switched-On Bach albuma , amely a szintetizátoros zene őrületét váltotta ki.

1969-ben David Tudor a Sarabhai család támogatásával egy Moog moduláris szintetizátort és Ampex szalagos gépeket hozott az ahmedabadi National Institute of Design -ba , ami India első elektronikus zenei stúdiójának alapját képezte. Itt Jinraj Joshipura, Gita Sarabhai, SC Sharma, IS Mathur és Atul Desai zeneszerzők egy csoportja kísérleti hangkompozíciókat fejlesztett ki 1969 és 1973 között.

A Moog moduláris szintetizátor mellett ebben az időszakban az ARP és a Buchla is volt.

Pietro Grossi a számítógépes zeneszerzés és magnózene olasz úttörője volt, aki a hatvanas évek elején kísérletezett először elektronikus technikákkal. Grossi csellista és zeneszerző volt, 1917-ben született Velencében. 1963-ban megalapította az S 2F M-et (Studio de Fonologia Musicale di Firenze), hogy kísérletezzen az elektronikus hangzással és kompozícióval.

Számítógépes zene

A zenei dallamokat először a CSIRAC számítógép generálta Ausztráliában 1950-ben. Amerikából és Angliából (korai és közelmúltban) jelentek meg újságok arról, hogy a számítógépek korábban zenélhettek, de alapos kutatások cáfolták ezeket a történeteket, mivel nincs bizonyíték a újsághírek (amelyek egy része nyilvánvalóan spekulatív volt). A kutatások kimutatták, hogy az emberek a zenét lejátszott számítógépekről spekuláltak , valószínűleg azért, mert a számítógépek zajokat adnak ki, de nincs bizonyíték arra, hogy valóban ezt tették volna.

A világ első zenét lejátszható számítógépe a CSIRAC volt, amelyet Trevor Pearcey és Maston Beard tervezett és készített az 1950-es években. Geoff Hill matematikus az 1950-es évek legelejétől népszerű zenei dallamok lejátszására programozta a CSIRAC-ot. 1951-ben nyilvánosan lejátszotta a " Colonel Bogey March "-t, amelyről nincs ismert felvétel. A CSIRAC azonban szabványos repertoárt játszott, és nem a zenei gondolkodás vagy kompozíciós gyakorlat kiterjesztésére használták, amely a jelenlegi számítógépes zenei gyakorlat.

Az első Angliában előadott zene a brit Himnusz előadása volt, amelyet Christopher Strachey programozott a Ferranti Mark I-en 1951 végén. Még ugyanabban az évben három darab rövid kivonatát rögzítette ott a BBC külső műsorszóró egysége . : a Himnusz, a " Ba, Ba Black Sheep " és az " In the Mood ", és ez a számítógép legkorábbi zenelejátszására készült felvétele. Ez a felvétel meghallgatható ezen a Manchesteri Egyetem honlapján . A Christchurch-i Canterbury Egyetem kutatói 2016-ban eltávolították és visszaállították ezt a felvételt, és az eredmények meghallgathatók a SoundCloudon .

Az 1950-es, 1960-as és 1970-es években a nagy számítógépes szintézisek is kifejlődtek. 1957-től kezdve Max Mathews, a Bell Labs kifejlesztette a MUSIC programokat, amelyek a MUSIC V -ben, egy közvetlen digitális szintézis nyelvben csúcsosodtak ki.

Laurie Spiegel fejlesztette ki a " Music Mouse " (1986) algoritmikus zeneszerző szoftvert Macintosh , Amiga és Atari számítógépekre.

Sztochasztikus zene

Fontos új fejlemény volt a számítógépek megjelenése zeneszerzésre, a hangok manipulálásával vagy létrehozásával szemben. Iannis Xenakis elindította az úgynevezett musique stochastique -t vagy sztochasztikus zenét , amely matematikai valószínűségi rendszereket használó komponálási módszer. Különböző valószínűségi algoritmusokat használtak egy darab létrehozásához egy paraméterkészlet alatt. Xenakis számítógépekkel komponált olyan darabokat, mint az ST/4 vonósnégyesre és az ST/48 zenekarra (mindkettő 1962), a Morsima-Amorsima , az ST/10 és az Atrées . Kifejlesztette az UPIC számítógépes rendszert a grafikus képek zenei eredményekké való fordítására, és ezzel komponálta a Mycènes Alpha -t (1978).

Élő elektronika

Európában 1964-ben Karlheinz Stockhausen komponálta a Mikrophonie I - et tam-tam- ra , kézi mikrofonokra, szűrőkre és potenciométerekre, valamint a Mixtur -t zenekarra, négy szinuszgenerátorra és négy gyűrűmodulátorra . 1965-ben komponálta a Mikrophonie II -t kórusra, Hammond orgonára és ringmodulátorokra.

1966–67-ben Reed Ghazala felfedezte és tanítani kezdte az „ áramkörhajlítást ” – a kreatív rövidzár alkalmazását, a véletlen rövidzárlat folyamatát, kísérleti elektronikus hangszerek létrehozását, a hangzáselemek feltárását, elsősorban a hangszín és a hangmagasság kevésbé figyelembe vételével. vagy ritmus, és John Cage aleatorikus zenei [ sic ] koncepciója befolyásolta .

Cosey Fanni Tutti előadóművészeti és zenei pályafutása során az „elfogadható” zene fogalmát kutatta, majd a hangnak a vágy vagy a kényelmetlenség eszközeként való felhasználását kutatta.

Wendy Carlos Switched-On Bach című albumáról adott elő válogatásokat a színpadon szintetizátorral a St. Louis Szimfonikus Zenekarral ; egy másik élő fellépés a Kurzweil Baroque Ensemble-vel volt a "Bach at the Beacon" című művében 1997-ben.

2018 júniusában Suzanne Ciani kiadta a LIVE Quadraphonic című élő albumot, amely 40 év után első önálló fellépését dokumentálja Buchla szintetizátoron. Ez volt az egyik első kvadrafonos bakelitlemez több mint 30 év után.

Japán hangszerek

Az 1950-es években a japán elektronikus hangszerek elkezdték befolyásolni a nemzetközi zeneipart . Ikutaro Kakehashi , aki 1960-ban megalapította az Ace Tone -t, kifejlesztette az elektronikus ütőhangszerek saját verzióját, amely már népszerű volt a tengerentúli elektronikus orgonákon. Az 1964-es NAMM -en R-1 Rhythm Ace néven mutatta be, egy kézi működtetésű ütőhangszer, amely az elektronikus dobhangokat manuálisan játssza le, miközben a felhasználó gombokat nyom, a modern elektronikus dobpárnákhoz hasonlóan.

1963-ban a Korg kiadta a Donca-Matic DA-20-at , egy elektromechanikus dobgépet . 1965-ben a Nippon Columbia szabadalmaztatott egy teljesen elektronikus dobgépet. A Korg 1966-ban kiadta a Donca-Matic DC-11 elektronikus dobgépet, amelyet a Yamaha Electone elektromos orgonához kiegészítőként fejlesztett Korg Mini Pops -szal követtek. A Korg Stageman és Mini Pops sorozatai a "természetes fémes ütőhangszerek" hangjairól, valamint a dob " törések és betöltések " vezérlőiről voltak nevezetesek .

1967-ben az Ace Tone alapítója, Ikutaro Kakehashi szabadalmaztatott egy előre beállított ritmusmintázat generátort, amely diódamátrix áramkört használ , hasonlóan a Seeburg korábbi , 1964-ben benyújtott, 3 358 068 számú amerikai egyesült államokbeli szabadalmához (lásd Dobgép #History ), amelyet Ace-1 Rhythm néven adott ki. dobgép ugyanabban az évben. 16 előre beállított mintát és négy gombot kínált az egyes hangszerek ( cintányér , clave , tehénharang és basszusdob ) manuális lejátszásához. A ritmusminták több ritmusgomb egyidejű megnyomásával is kaszkádozhatók, és a ritmusminták lehetséges kombinációja több mint száz volt. Az Ace Tone Rhythm Az Ace dobgépei az 1960-as évek végétől kerültek a populáris zenébe , majd a hetvenes években következtek a Korg dobgépek. Később Kakehashi elhagyta az Ace Tone-t, és 1972-ben megalapította a Roland Corporationt , a Roland szintetizátorok és dobgépek pedig nagy befolyást gyakoroltak a következő évtizedekre. A társaság nagy hatással lenne a populáris zenére , és többet tesz a népszerű elektronikus zene formálásáért, mint bármely más cég.

A lemezjátszó a közvetlen meghajtású lemezjátszók feltalálásából ered . A korai szíjhajtású lemezjátszók alkalmatlanok voltak lemezjátszóra, mivel lassú volt az indítási idejük, és hajlamosak voltak a kopásra, törésre, mivel a szíj elszakadt a hátrapörgéstől vagy a karcolástól. Az első közvetlen meghajtású lemezjátszót Shuichi Obata, a Matsushita (ma Panasonic ) mérnöke találta fel Japánban , Oszakában . Megszüntette az ékszíjakat, és helyette egy motort használt, amely közvetlenül meghajtott egy tányért, amelyen egy bakelitlemez van. 1969-ben a Matsushita SP-10 néven adta ki , az első közvetlen meghajtású lemezjátszó a piacon, és az első a befolyásos Technics lemezjátszó-sorozatában. Ezt a Technics SL-1100 és SL-1200 váltotta fel az 1970-es évek elején, és széles körben elterjedt a hip-hop zenészek körében , és az SL-1200 maradt a legszélesebb körben használt lemezjátszó a DJ-kultúrában több évtizeden át.

Jamaicai szinkronzene

Jamaicában az 1960-as években megjelent a népszerű elektronikus zene egyik formája, a hangrendszer - kultúrában gyökerező dub zene . A dub zene úttörői olyan stúdiómérnökök voltak, mint Sylvan Morris, King Tubby , Errol Thompson , Lee "Scratch" Perry és Scientist , akik reggae - hatású kísérleti zenét készítettek elektronikus hangtechnológiával, hangstúdiókban és hangrendszer-partikon. Kísérleteiket magukban foglalták a zenei concrète aspektusaihoz hasonló kazettás kompozíció formái, a minimalizmushoz hasonló (gyakran harmonikus elemeiktől megfosztott) ismétlődő ritmikus struktúrák hangsúlyozása , a térbeliség elektronikus manipulálása, az előre felvett zenei anyagok hang-elektronikus manipulációja. a tömegmédiából, a deejay -k koccintása az élő elektronikus zenéhez hasonló előre felvett zenén , a remixelés , a lemezjátszó és a bakelit keverése és karcolása.

Annak ellenére, hogy a szinkron úttörői, például King Tubby és Lee "Scratch" Perry korlátozott elektronikus berendezések álltak rendelkezésre, a remix kultúrával kapcsolatos kísérleteik zeneileg élvonalbeliek voltak. King Tubby például hangrendszer-tulajdonos és elektronikai technikus volt, akinek a nyugat - kingstoni Waterhouse gettójában található kis előszobás stúdiója a dub zene létrehozásának kulcsfontosságú helyszíne volt.

1960-as évek vége – 1980-as évek eleje

A népszerű elektronikus zene felemelkedése

Az 1960-as évek végén a pop- és rockzenészek , köztük a Beach Boys és a Beatles , elkezdtek olyan elektronikus hangszereket használni, mint a theremin és a Mellotron hangzásuk kiegészítésére és meghatározására. Az Electronic and Experimental Music című könyvében Thom Holmes a Beatles 1966-os, „ Tomorrow Never Knows ” című felvételét úgy ismeri fel, mint azt a dalt, amely „új korszakot nyitott az elektronikus zene rock- és popzenében való használatában”, a zenekar kazettás felvételének köszönhetően. hurkok és fordított és sebességmanipulált szalaghangok.

Szintén az 1960-as évek végén a Silver Apples zenei duót és az olyan kísérleti rockzenekarokat, mint a White Noise és az Amerikai Egyesült Államok, az elektronikus rock és az elektronikus műfaj úttörőinek tekintik a pszichedelikus rock oszcillátorokkal és szintetizátorokkal való ötvözésére irányuló munkájukkal. Gershon Kingsley német-amerikai zeneszerző, Jean-Jacques Perrey francia elektronikus zenésszel két albumát kiadó 1969-es instrumentális „ Popcorn ” a Hot Butter 1972-es verziójának köszönhetően vált világsikerre .

Az 1960-as évek végére a Moog szintetizátor vezető helyet foglalt el a feltörekvő progresszív rock hangzásában, olyan bandákkal, mint a Pink Floyd , a Yes , az Emerson, a Lake & Palmer és a Genesis , akik hangzásuk részévé tették őket. Az instrumentális progrock különösen jelentős volt a kontinentális Európában, olyan zenekarok számára, mint a Kraftwerk , a Tangerine Dream , a Can , a Neu! , a Faust pedig a nyelvi akadály megkerülésére. Szintetizátoros " krautrock "-juk , valamint Brian Eno (egy ideig a Roxy Music billentyűse ) munkája nagy hatással lesz a későbbi elektronikus rockra .

Az Ambient dub úttörője King Tubby és más jamaicai hangművészek volt , DJ-ihlette ambient elektronikát használva, kiegészítve drop-out-okkal, visszhanggal, hangszínszabályozással és pszichedelikus elektronikus effektusokkal. Rétegezési technikákat tartalmazott, és világzenei elemeket , mély basszusvonalakat és harmonikus hangokat tartalmazott. Olyan technikákat is alkalmaztak, mint a hosszú visszhang késleltetés. A műfajban további jelentős előadók közé tartozik a Dreadzone , a Higher Intelligence Agency , a The Orb , Ott , a Loop Guru , a Woob és a Transglobal Underground .

A dub zene hatással volt az elektronikus zenei technikákra, amelyeket később a hip-hop zene is átvett, amikor a jamaicai bevándorló DJ Kool Herc az 1970-es évek elején bemutatta Amerikában Jamaica hangrendszer-kultúráját és dub zenei technikáit. Az egyik ilyen technika, amely népszerűvé vált a hip-hop kultúrában, ugyanazon lemez két példányának lejátszása volt két lemezjátszón, felváltva, kiterjesztve a b-táncosok kedvenc szekcióját. A lemezjátszó végül a leglátványosabb elektronikus hangszerré vált, és esetenként a legvirtuózabb is az 1980-as és 1990-es években.

Az elektronikus rockot több japán zenész is készítette, köztük Isao Tomita Electric Samurai: Switched on Rock (1972), amely kortárs pop és rock dalok Moog szintetizátoros feldolgozásait tartalmazza, valamint Osamu Kitajima progresszív rock albuma, a Benzaiten (1974). Az 1970-es évek közepén olyan elektronikus művészzenei zenészek tértek fel, mint Jean Michel Jarre , Vangelis , Tomita és Klaus Schulze , akik jelentős hatást gyakoroltak a new-age zene fejlődésére . Ezeknek a műveknek a hi-tech vonzereje néhány éven át azt a tendenciát hozta létre, hogy megkülönböztető jegyként az albumhüvelyekben alkalmazott elektronikus zenei berendezéseket sorolják fel. Az elektronikus zene rendszeresen bekerült a rádióműsorok listájára és a legkeresettebb listákra, ahogy a francia Space együttes 1977-es Magic Fly kislemezével .

Ebben a korszakban az olyan rockzenészek hangzását, mint Mike Oldfield és a The Alan Parsons Project (aki az első rockdal, amely 1975-ben digitális vokódert tartalmaz, a The Raven ) úgy hangszerelték és keverték elektronikus effektekkel és/vagy zenékkel, mint nos, ami az 1980-as évek közepén vált sokkal hangsúlyosabbá. Jeff Wayne hosszan tartó sikert ért el A világok háborúja 1978-as elektronikus rockzenei verziójával .

A filmzenék is profitálnak az elektronikus hangzásból . Gene Page 1977-ben rögzítette John Williams slágertémájának disco változatát Steven Spielberg Harmadik típusú közeli találkozások című filmjében . Page verziója 1978-ban a 30. helyen végzett az R&B toplistán. Az 1978-as Midnight Express című film zenéje, amelyet az olasz szintetizátor úttörője , Giorgio Moroder komponált , 1979 -ben elnyerte a legjobb eredeti zenének járó Oscar-díjat , valamint 1981 - ben Vangelis zenéjét . Tűzszekerek .

A punk rock megjelenése után megjelent az alapvető elektronikus rock egy formája, amely egyre inkább új digitális technológiát alkalmaz más hangszerek helyett. Az amerikai Suicide duó , amely a New York-i punk szcénából indult ki, dobgépeket és szintetizátorokat használt az elektronika és a punk hibridjeként névadó 1977-es albumukon .

A szintetizpop úttörő zenekarai, amelyek évekig sikernek örvendtek, többek között az Ultravox 1977-es „Hiroshima Mon Amour” című számával a Ha!-Ha!-Ha! , Yellow Magic Orchestra saját elnevezésű albumukkal (1978), The Buggles 1979-ben kiemelkedő debütáló kislemezükkel, a Video Killed the Radio Star , Gary Numan szóló bemutatkozó albumával, a The Pleasure Principle - vel és Cars kislemezével 1979-ben, Orchestral Maneuvers in the Dark 1979-es kislemezük , az Electricity szerepelt a névadó debütáló albumukon , a Depeche Mode első kislemezükkel, a Dreaming of Me -vel , amelyet 1980-ban vettek fel, és 1981-ben adtak ki Speak & Spell albumon , A Flock of Seagulls 1981 -es Talking kislemezükkel , New Order with Ceremony 1981-ben, és A The Human League 1981-es slágerével, a Don't You Want Me harmadik albumáról, Dare .

A MIDI meghatározása és a digitális audió fejlesztése jelentősen megkönnyítette a tisztán elektronikus hangok fejlesztését, az audiomérnökök , producerek és zeneszerzők gyakran vizsgálják a gyártók által piacra dobott, gyakorlatilag minden új elektronikus hangberendezés-modellben rejlő lehetőségeket. A szintetizátor néha szintetizátort használt az összes többi hangszer helyettesítésére, de gyakoribb volt, hogy a zenekarok felállásában egy vagy több billentyűs is volt, gitárosok, basszusgitárosok és/vagy dobosok mellett. Ezek a fejlemények a szintipop növekedéséhez vezettek, amely miután az új romantikus mozgalom átvette, lehetővé tette a szintetizátorok számára, hogy uralják az 1980-as évek eleji pop- és rockzenét, egészen addig, amíg a stílus a közepétől a végéig elkezdett csökkenni a népszerűségből. az évtized. A fent említett sikeres úttörők mellett a legfontosabb szereplők közé tartozik a Yazoo , a Duran Duran , a Spandau Ballet , a Culture Club , a Talk Talk , Japán és az Eurythmics .

A szintipop világszerte elterjedt, nemzetközi slágerekkel, köztük a kanadai Men Without Hats , Trans-X és Lime , belga Telex , Peter Schilling , Sandra , Modern Talking , Propaganda és Alphaville Németországból, Yello Svájcból és Azul y Negro Spanyolországból. Ezenkívül a szinti hangzás az Italo-disco kulcsfontosságú jellemzője .

Egyes szintipop bandák futurisztikus vizuális stílusokat hoztak létre maguknak, hogy megerősítsék az elektronikus hangzás gondolatát, elsősorban a technológiához kapcsolták, például az amerikai Devo és a spanyol Aviador Dro .

A billentyűs szintetizátorok annyira elterjedtek, hogy még a heavy metal rockzenekarok is – amely műfaj esztétikájában, hangzásában és életstílusában gyakran az elektronikus popművészek ellentéte volt mindkét fél rajongói körében – világsikert értek el olyan témákkal, mint az 1983- as Van Halen Jump és az 1986 . The Final Countdown by Europe , melyben kiemelkedően szerepelnek a szintetizátorok.

Elektronikus zenei kutatóintézetek elterjedése

Az Elektronmusikstudion (EMS), korábbi nevén Elektroakusztikus Zene Svédországban, az elektronikus zene és hangművészet svéd nemzeti központja . A kutatószervezet 1964-ben indult, és székhelye Stockholm.

A STEIM egy új hangszerek kutatásának és fejlesztésének központja az elektronikus előadóművészet területén Amszterdamban, Hollandiában. A STEIM 1969 óta létezik. Misha Mengelberg , Louis Andriessen , Peter Schat , Dick Raaymakers , Jan van Vlijmen , Reinbert de Leeuw és Konrad Boehmer alapította . A holland zeneszerzők e csoportja Amszterdam feudális zenei struktúráinak megújításáért küzdött; ragaszkodtak Bruno Maderna kinevezéséhez a Concertgebouw Orchestra zenei igazgatójává, és érvényesítették az első közfinanszírozást a kísérleti és improvizált elektronikus zenére Hollandiában.

A párizsi IRCAM a számítógépes zenei kutatás és a Sogitec 4X számítógépes rendszer megvalósításának és fejlesztésének fő központjává vált , amely az akkoriban forradalmi, valós idejű digitális jelfeldolgozást tartalmazza. Pierre Boulez Répons (1981) 24 zenészre és 6 szólistára a 4X segítségével alakította át és irányította a szólistákat egy hangszórórendszerbe.

Barry Vercoe leírja egyik tapasztalatát a korai számítógépes hangokkal kapcsolatban:

1982-ben a párizsi IRCAM- en Larry Beauregard fuvolaművész csatlakoztatta a fuvoláját a DiGiugno 4X hangprocesszorához, lehetővé téve a valós idejű hangmagasság-követést. Egy Guggenheim -en akkoriban kiterjesztettem ezt a koncepciót a valós idejű partitúrakövetésre automatikus szinkronkísérettel, és a következő két évben Larryvel számos kamarazenészként bemutattuk a számítógépet, Handel fuvolaszonátákat, Boulezt játszottunk . s Sonatine fuvolára és zongorára, 1984-re pedig a saját Synapse II -em fuvolára és számítógépre – ez az első kifejezetten ilyen összeállításra komponált darab. Nagy kihívást jelentett a megfelelő szoftverkonstrukciók megtalálása a rendkívül érzékeny és érzékeny kíséret támogatására. Mindez a MIDI előtt készült, de az eredmények lenyűgözőek voltak, még akkor is, ha a nagy adag tempo rubato folyamatosan meglepte a Synthetic Performer -emet . 1985-ben úgy oldottuk meg a tempo rubato problémát, hogy beépítettük a próbákból való tanulást (minden alkalommal, amikor így játszol, jobb lett a gép). Most hegedűt is követtünk, hiszen briliáns, fiatal fuvolásunk végzetes rákot kapott. Sőt, ez a verzió egy új szabványt, a MIDI-t használta, és itt volt ügyesen a segítségemre Miller Puckette volt tanítvány, akinek a kezdeti koncepcióit erre a feladatra később egy MAX nevű programmal bővítette .

Billentyűzet szintetizátorok

A Moog Music által 1970-ben kiadott Mini-Moog az elsők között volt széles körben elérhető, hordozható és viszonylag megfizethető szintetizátorok között. Egykor a legszélesebb körben használt szintetizátor lett a populáris és az elektronikus művészzenében egyaránt. Patrick Gleeson , aki az 1970-es évek elején élőben játszott Herbie Hancockkal , úttörő szerepet játszott a szintetizátorok használatában egy turnékban, ahol olyan igénybevételnek voltak kitéve, amelyre a korai gépeket nem tervezték.

1974-ben a kölni WDR stúdió beszerzett egy EMS Synthi 100 szintetizátort, amelyet sok zeneszerző használt jelentős elektronikus művek készítésére – köztük Rolf Gehlhaar Fünf deutsche Tänze (1975), Karlheinz Stockhausen Sirius (1975–76) és John McGuire című műve . s Pulse Music III (1978).

Az elektronika 1970-es években történt miniatürizálásának köszönhetően az 1980-as évek elejére a billentyűs szintetizátorok könnyebbek és megfizethetőbbek lettek, egyetlen vékony egységbe integrálva az összes szükséges audioszintézis elektronikát és magát a zongoraszerű billentyűzetet, éles ellentétben a terjedelmes gépezetekkel. és az 1960-as és 1970-es években alkalmazott " kábelspaguetty ". Először is, az analóg szintetizátorok esetében a trend követte a digitális szintetizátorokat és mintavevőket is (lásd alább).

Digitális szintetizátorok

1975-ben a japán Yamaha cég licencelte a frekvenciamodulációs szintézis (FM szintézis) algoritmusait John Chowningtól , aki 1971 óta kísérletezett vele a Stanford Egyetemen . A Yamaha mérnökei elkezdték adaptálni Chowning algoritmusát digitális szintetizátorban való használatra, és olyan fejlesztéseket tettek hozzá, mint pl. a "kulcs skálázás" módszer, hogy elkerülje az analóg rendszerekben a frekvenciamoduláció során általában előforduló torzításokat .

1980-ban a Yamaha végül kiadta az első FM digitális szintetizátort, a Yamaha GS-1-et, de drága áron. 1983-ban a Yamaha bemutatta az első önálló digitális szintetizátort, a DX7 -et , amely FM szintézist is használt, és minden idők egyik legkelendőbb szintetizátorává vált. A DX7 felismerhető fényes hangszíneiről volt ismert, ami részben az 57 kHz-es túlteljesítésnek volt köszönhető.

A Korg Poly-800 a Korg által 1983-ban kiadott szintetizátor . A kezdeti listaára 795 USD tette az első teljesen programozható szintetizátort, amelyet 1000 USD alatt adtak el. 8 hangú polifóniája volt, hangonként egy digitálisan vezérelt oszcillátorral (DCO).

A Casio CZ-101 volt az első és legkeresettebb fázistorzító szintetizátor a Casio CZ sorozatban. 1984 novemberében adták ki, ez volt az egyik első (ha nem az első) teljesen programozható polifonikus szintetizátor, amely 500 dollár alatt volt elérhető.

A Roland D-50 a Roland által gyártott és 1987 áprilisában kiadott digitális szintetizátor. Jellemzői a kivonó szintézis , a beépített effektusok, az adatkezeléshez használható joystick és az analóg szintézis-stílusú elrendezés. A külső Roland PG-1000 (1987–1990) programozó is csatlakoztatható a D-50-hez a hangok bonyolultabb kezeléséhez.

Mintavevők

A sampler olyan elektronikus vagy digitális hangszer , amely valódi hangszerhangok (pl. zongora, hegedű vagy trombita) hangfelvételeit (vagy " mintákat "), felvett dalokból vett részleteket (pl. öt másodperces basszusgitár riffet ) használ . funk dal) vagy talált hangok (pl. szirénák és óceán hullámai). A mintákat a felhasználó vagy a gyártó tölti be vagy rögzíti. Ezeket a hangokat azután magával a sampler programmal, MIDI billentyűzettel , szekvenszerrel vagy más indítóeszközzel (pl. elektronikus dob ) játssza le zene előadásához vagy komponálásához. Mivel ezeket a mintákat általában digitális memóriában tárolják, az információk gyorsan elérhetők. Egyetlen mintát gyakran különböző hangmagasságokra lehet eltolni , hogy zenei skálákat és akkordokat hozzanak létre .

A számítógépes memória alapú mintavevők előtt a zenészek szalagvisszajátszó billentyűzeteket használtak, amelyek analóg szalagon tárolták a felvételeket. Ha megnyom egy gombot, a szalagfej érintkezik a mozgó szalaggal, és hangot ad le. A Mellotron volt a legfigyelemreméltóbb modell, amelyet sok csoport használt az 1960-as évek végén és az 1970-es években, de ezek a rendszerek drágák és nehezek voltak a több szalagos mechanizmus miatt, és a hangszer hatótávolsága legfeljebb három oktávra korlátozódott. A hangok megváltoztatásához új szalagkészletet kellett behelyezni a hangszerbe. A digitális mintavevő megjelenése sokkal praktikusabbá tette a mintavételezést.

A legkorábbi digitális mintavételezés az EMS Musys rendszeren történt, amelyet Peter Grogono (szoftver), David Cockerell (hardver és interfész) és Peter Zinovieff (rendszertervezés és üzemeltetés) fejlesztett ki London (Putney) Studio c. 1969.

Az első kereskedelmi forgalomban kapható mintavevő szintetizátor a Computer Music Melodian volt , Harry Mendelltől (1976).

Az először 1977–78-ban kiadott, FM szintézist használó Synclavier I , amelyet a Yamahától újralicenszeltek , és többnyire egyetemeknek adtak el, nagy befolyást gyakorolt ​​mind az elektronikus zenei zeneszerzők, mind a zenei producerek körében, köztük Mike Thorne , a reklám korai alkalmazója körében. sokoldalúságának, élvonalbeli technológiájának és jellegzetes hangzásának köszönhetően.

Az első többszólamú digitális mintavevő szintetizátor az ausztrál gyártású Fairlight CMI volt , amely először 1979-ben volt elérhető. Ezek a korai mintavevő szintetizátorok hullámtáblás mintaalapú szintézist használtak .

A MIDI születése

1980-ban zenészek és zenekereskedők egy csoportja találkozott egy olyan interfész szabványosítása érdekében, amelyet az új hangszerek használhatnak a vezérlési utasítások kommunikálására más hangszerekkel és számítógépekkel. Ez a szabvány a Musical Instrument Digital Interface ( MIDI ) nevet kapta, és a vezető gyártók, kezdetben a Sequential Circuits , Oberheim , Roland , majd később más résztvevők, köztük a Yamaha , a Korg és a Kawai együttműködésének eredményeként jött létre . A cikk szerzője Dave Smith , a Sequential Circuits munkatársa volt, és 1981-ben javasolták az Audio Engineering Society -nek. Aztán 1983 augusztusában véglegesítették a MIDI Specification 1.0-t.

A MIDI technológia lehetővé teszi, hogy egyetlen billentyűleütéssel, vezérlőtárcsa mozdulattal, pedálmozgással vagy egy mikroszámítógép parancsával aktiválja a stúdióban lévő összes eszközt távolról és szinkronban, és minden eszköz a zeneszerző által előre meghatározott feltételek szerint reagál.

A MIDI hangszerek és szoftverek sok stúdió és magánszemély számára könnyen megfizethetővé tették a kifinomult hangszerek hatékony vezérlését. Az akusztikus hangok mintavételezéssel és mintavételezett ROM-alapú hangszereken keresztül újra beépültek a stúdiókba .

Miller Puckette kifejlesztett egy grafikus jelfeldolgozó szoftvert a 4X -hez Max néven ( Max Mathews után ), majd később áthelyezte Macintosh -ra (Dave Zicarelli kiterjesztette az Opcode -ra ) a valós idejű MIDI vezérléshez, így a legtöbb zeneszerző számára elérhetővé tette az algoritmikus kompozíciókat szerény számítógépes programozással. háttér.

Szekvenálók és dobgépek

Az 1980-as évek elején a basszus szintetizátorok térnyerése volt tapasztalható , a legbefolyásosabb a Roland TB-303 volt , egy 1981 végén kiadott basszusszintetizátor és szekvenszer , amely később az elektronikus tánczene , különösen az acid house egyik meghatározója lett . Az elsők között Charanjit Singh használta 1982-ben, bár csak Phuture 1987- es „ Acid Tracks ” című számában vált népszerűvé. A zenei szekvenszereket a 20. század közepe táján kezdték használni, Tomita albumait pedig az 1970-es évek közepén. későbbi példák. 1978-ban a Yellow Magic Orchestra számítógépes technológiát és szintetizátort használt a populáris zene előállításához, és korán a mikroprocesszoros Roland MC-8 Microcomposer szekvenszert alkalmazta.

A dobgépeket , más néven ritmusgépeket, szintén az 1950-es évek végén kezdték el használni, későbbi példa Osamu Kitajima progresszív rock albuma , a Benzaiten (1974), amely ritmusgépet, valamint elektronikus dobot és szintetizátort használt. 1977-ben az Ultravox " Hiroshima Mon Amour " című száma volt az egyik első kislemez, amely egy Roland TR-77 dobgép metronómszerű ütőhangszerét használta. 1980-ban a Roland Corporation kiadta a TR-808-at , az egyik első és legnépszerűbb programozható dobgépet . Az első banda, amely ezt használta, a Yellow Magic Orchestra volt 1980-ban, és később széles körű népszerűségre tett szert Marvin Gaye " Sexual Healing " és Afrika Bambaataa " Planet Rock " című számának 1982-es kiadásával. A TR-808 Az 1980-as évek végén a későbbi detroiti techno szcéna alapvető eszköze, és Derrick May és Juan Atkins dobgépe volt .

Chiptunes

A chipzene jellegzetes lo-fi hangzása kezdetben a korai számítógépes hangchipek és hangkártyák technikai korlátainak eredménye volt; a hangzás azonban azóta már önmagában is keresett lett.

Az 1980-as évek első otthoni számítógépeinek általános olcsó, népszerű hangchipjei közé tartozik a Commodore 64 és a General Instrument AY sorozat SID -je, valamint a klónok (mint Yamaha YM2149), amelyeket többek között a ZX Spectrumban , Amstrad CPC -ben, MSX - kompatibilisekben és Atari ST modellekben használtak. .

1980-as évek vége – 1990-es évek

A tánczene felemelkedése

A szintetizátor-pop az 1980-as évek végén is folytatódott, egy olyan formátummal, amely közelebb került a tánczenéhez, beleértve a Pet Shop Boys , az Erasure és a The Communards brit duó munkáit, amelyek az 1990-es évek nagy részében sikereket értek el.

A trend a mai napig folytatódott, a modern éjszakai klubok világszerte rendszeresen játszanak elektronikus tánczenét (EDM). Manapság az elektronikus tánczenének vannak rádióállomásai, weboldalai és kiadványai, mint például a Mixmag , amelyeket kizárólag a műfajnak szentelnek. Annak ellenére, hogy az iparág megpróbál egy sajátos EDM márkát létrehozni, az inicializmus továbbra is több műfaj gyűjtőfogalmaként használatos, beleértve a dance-popot , a house -t , a techno -t , az elektro -t és a trance -t, valamint ezek megfelelő alműfajait. Sőt, a műfaj kereskedelmi és kulturális jelentőséggel bír az Egyesült Államokban és Észak-Amerikában, köszönhetően a vadul népszerű big room house /EDM hangzásnak, amely beépült az amerikai popzenébe, valamint a nagyszabású kereskedelmi rave -ek , például az Electric térnyerésének köszönhetően. Daisy Carnival , Tomorrowland és Ultra Music Festival .

Electronica

Másrészt az elektronikus alapú zenei stílusok széles csoportja, amelyeket inkább csak hallgatásra, mintsem táncra szántak, az "electronica" esernyő alatt vált ismertté, amely az 1990-es évek elején az Egyesült Királyságban is zenei színtér volt . Egy 1997 -es Billboard -cikk szerint "a klubközösség és a független kiadók egyesülése " biztosította azt a kísérleti és irányadó környezetet, amelyben az elektronika fejlődött, és végül elérte a mainstreamet, olyan amerikai kiadókra hivatkozva, mint az Astralwerks ( The Chemical Brothers , Fatboy Slim ). , The Future Sound of London , Fluke , Moonshine ( DJ Keoki ), Sims és City of Angels ( The Crystal Method ) az elektronikus zene legújabb verziójának népszerűsítéséért.

2000-es és 2010-es évek

Ahogy a számítógépes technológia egyre hozzáférhetőbbé vált és a zenei szoftverek fejlődtek, a zenei produkciós technológiával való interakció olyan eszközökkel lehetséges, amelyek semmilyen kapcsolatban nem állnak a hagyományos zenei előadói gyakorlatokkal: például laptop - előadás ( laptronica ), élő kódolás és Algorave . Általánosságban elmondható, hogy a Live PA kifejezés az elektronikus zene bármely élő előadására vonatkozik, akár laptopokkal, szintetizátorokkal vagy más eszközökkel.

Körülbelül 2000-től néhány szoftveralapú virtuális stúdiókörnyezet jelent meg, és olyan termékek váltak népszerűvé, mint a Propellerhead's Reason és az Ableton Live . Az ilyen eszközök életképes és költséghatékony alternatívákat kínálnak a tipikus hardver alapú produkciós stúdiókhoz, és a mikroprocesszor - technológia fejlődésének köszönhetően ma már csak egyetlen hordozható számítógép felhasználásával lehet kiváló minőségű zenét létrehozni. Az ilyen előrelépések demokratizálták a zenealkotást, ami az interneten keresztül a nagyközönség számára elérhető, saját gyártású elektronikus zene mennyiségének hatalmas növekedéséhez vezetett. Szoftver alapú hangszerek és effektegységek (ún. "pluginok") a VST platform segítségével számítógépes stúdióba építhetők be. Néhány ilyen műszer többé-kevésbé pontos másolata a meglévő hardvereknek (mint például a Roland D-50, az ARP Odyssey, a Yamaha DX7 vagy a Korg M1). Sok esetben ezek a szoftver alapú eszközök hangzásbelileg megkülönböztethetetlenek fizikai megfelelőiktől.

Áramkör hajlítás

A Circuit Bending az elemmel működő játékok és szintetizátorok módosítása új, nem kívánt hanghatások létrehozására. Úttörője Reed Ghazala volt az 1960-as években, Reed pedig 1992-ben találta ki az "áramkör-hajlítás" nevet.

Moduláris szinti újraélesztés

Az áramköri hajlítási kultúrát követően a zenészek saját moduláris szintetizátoraikat is elkezdték építeni, ami új érdeklődést váltott ki az 1960-as évek eleji tervek iránt. Az Eurorack népszerű rendszerré vált.

Lásd még

• Klaviolin
• Elektronikus táska
• Az elektronikus zenei műfajok listája
• Új felületek a zenei kifejezéshez
• Ondioline
• Rave kultúra
• Spektrális zene
• Tracker zene
• Az elektronikus zenei műfajok idővonala

Élő elektronikus zene

• Elektronikus zenei fesztiválok listája
• Élő elektronikus zene

Lábjegyzetek

Források

További irodalom

Külső linkek

Könyvtári források az elektronikus zenéről

Erőforrások a könyvtárában Források más könyvtárakban

• Elektronikus zenével kapcsolatos média a Wikimedia Commonsnál
• Az elektroakusztikus zene története – Idővonal
• Elektronikus Zenei Alapítvány
• Az elektronikus zene története és fejlődése