Előirányzat (művészet) - Appropriation (art)

Ez a cikk egy művészi gyakorlatról szól. A kulturális gyakorlatot lásd: Kulturális előirányzat . Egy másik kulturális gyakorlatról lásd: Reoppropriation .
Nyúl (1986), Jeff Koons

A művészetben az előirányzat olyan meglévő tárgyak vagy képek felhasználása, amelyekre kevés vagy semmilyen átalakítást nem alkalmaznak. Az előirányzat felhasználása jelentős szerepet játszott a művészetek ( irodalmi , vizuális , zenei és előadó -művészeti) történetében . A képzőművészetben megfelelő eszközökkel kell megfelelően elfogadni, kölcsönözni, újrahasznosítani vagy mintát venni az ember alkotta vizuális kultúra aspektusainak (vagy teljes formájának). Ebből a szempontból figyelemre méltó a Marcel Duchamp Readymades .

Velejárója a megértése előirányzat az a fogalom, hogy az új munka újra kontextusba bármi kölcsönzi hozza létre az új munkát. A legtöbb esetben az eredeti „dolog” változatlanul hozzáférhető marad, mint az eredeti.

Meghatározás

Az előirányzat, hasonlóan a talált tárgyművészethez , "művészi stratégia, a meglévő képek, tárgyak és ötletek szándékos kölcsönvétele, másolása és megváltoztatása". Azt is úgy határozták meg, hogy "valódi tárgy vagy akár egy meglévő műalkotás műalkotásba való átvétele". A Tate Galéria a gyakorlatot a kubizmusra és a dadaizmusra vezeti vissza , és az 1940 -es évek szürrealizmusában és az 1950 -es évek pop -artjában folytatódik . A nyolcvanas években visszatért előtérbe a Neo-Geo művészekkel, és ma már bevett gyakorlat az olyan kortárs művészek körében, mint Richard Prince , Sherrie Levine és Jeff Koons .

Történelem

Marcel Duchamp -kút , 1917 fotó: Alfred Stieglitz at 291 (művészeti galéria) követően az 1917-es Society of Independent Artists kiállítás, belépési tag látható. A háttérben Marsden Hartley The Warriors című filmje áll .

19. század

Sok művész hivatkozott korábbi művészek vagy témák munkáira.

1856 -ban Ingres festette Madame Moitessier portréját. A szokatlan pózról köztudott, hogy a híres ókori római falfestmény ihlette, Héraklész, aki megtalálja a fiát, Telephas. Ennek során a művész kapcsolatot teremtett modellje és egy olimpiai istennő között.

Edouard Manet festette az Olimpiát (1865) az Urbino -i Titianus Vénusz ihlette . Le Déjeuner sur l'herbe című festményét szintén a régi mesterek munkája ihlette. Összetétele Marcantonio Raimondi Párizs ítélete (1515) című részletén alapul .

Gustave Courbet úgy látta, hogy Katsushika Hokusai japán művész híres színű fametszetét, a Nagy hullámot Kanagawa mellett látta, mielőtt az Atlanti -óceán sorozatát festette 1869 nyarán.

Vincent van Gogh -t Jean Francois Millet , Delacroix vagy Delacroix inspirálta festményei vagy a gyűjteményében található japán nyomatok példáival nevezhetjük . 1889-ben Van Gogh 20 festett példányt készített Millet fekete-fehér nyomatok ihletésével. A nyomatok kompozícióit kinagyította, majd saját fantáziája szerint színesre festette. Vincent levelében azt írta, hogy „más nyelvre fordítja” őket. Azt mondta, hogy nem pusztán másolásról van szó: ha egy előadó „Beethovent játszik, hozzáadja a személyes értelmezését is… nem szigorú szabály, hogy csak a zeneszerző játssza saját szerzeményeit”. További példákat talál Vincent van Gogh Copies című művében .

Claude Monet , a japán nyomatok gyűjtője számos, ezek ihlette alkotást készített, mint például a The Garden at Sainte-Adresse, 1867, Fuji ihlette Katsushika Hokusai Sasayedo platformjáról ; A Water Lily Pond sorozat a Mannen-híd alatt Fukagawában, 1830-1831, Hokusai vagy La Japonaise, 1876 ​​valószínűleg Kitagawa Tsukimaro Geisha ihlette , pár függő tekercses festmény, 1820-1829.

Század első fele

A huszadik század elején Pablo Picasso és Georges Braque nem művészeti környezetből származó tárgyakat vontak be munkájukba. 1912 -ben Picasso egy darab olajos ruhát ragasztott a vászonra. A későbbi kompozíciók, mint például a Guitar, Newspaper, Glass and Bottle (1913), amelyekben Picasso újságkivágásokat használt formák létrehozásához, a korai kollázs, amely a szintetikus kubizmus részévé vált . A két művész a "való világ" aspektusait építette be vásznaiba, megnyitva ezzel a vitát a szignifikációról és a művészi ábrázolásról .

Marcel Duchamp 1915 -ben bevezette a késztermék fogalmát , amelyben "az iparilag előállított haszonelvű tárgyak ... pusztán a kiválasztás és a bemutatás révén érik el a művészet státuszát". Duchamp ezt a gondolatot már 1913 -ban feltárta, amikor kerékpárkerékre szerelte a zsámolyt, majd 1915 -ben, amikor megvásárolt egy hólapátot, és felírta „a törött kar előtt, Marcel Duchamp”. 1917 -ben Duchamp megszervezte, hogy készen álljanak a Független Művészek Társasága kiállításra R. Mutt álnéven. Szökőkút címmel egy porcelán piszoárból állt, amelyet egy talapzatra támasztottak, és aláírták: "R. Mutt 1917". A mű közvetlen kihívást jelentett, szembeállítva a képzőművészet, a tulajdonjog, az eredetiség és a plagizálás hagyományos felfogásával, és ezt követően a kiállítási bizottság elutasította. A New York Dada magazin, a The Blind Man megvédte a szökőkutat , azt állítva, hogy "hogy Mr. Mutt saját kezűleg készítette -e a szökőkutat, vagy sem, nincs jelentősége. Ő VÁLASZTOTT. Vett egy hétköznapi cikket az életből, és úgy helyezte el, hogy hasznos jelentősége eltűnt az új cím és nézőpont alatt - és új gondolatot teremtett az adott tárgyhoz. "

A Dada mozgalom továbbra is a mindennapi tárgyak kisajátításával és kollázsban való kombinációjával játszott. A dada művek szándékos irracionalitást és a művészet uralkodó színvonalának elutasítását mutatják. Kurt Schwitters hasonló érzékenységet mutat „merz” műveiben. Ezek egy részét talált tárgyakból építette fel, és ezek nagy gesamtkunstwerk konstrukciók formáját öltötték , amelyeket ma installációknak neveznek .

Az ő szép időszak (1908-1913), Henri Matisse festett több festmény odalisques ihlette Delacroix nők Algír .

A szürrealisták , jön miután a Dada mozgását, szintén beépítették a használata „ talált tárgyak ”, mint például a Méret Oppenheim „s Object (ebédet Fur) (1936), vagy Salvador Dalí homár Telefon (1936). Ezek a talált tárgyak új értelmet nyertek, ha más valószínűtlen és nyugtalanító tárgyakkal kombinálták őket.

1950–1960: Pop -art és realizmus

Robert Rauschenberg , Rím (1956)
Claes Oldenburg


Az 1950-es években Robert Rauschenberg az általa "kombájnoknak" nevezett dolgokat használta, és olyan kész tárgyakat ötvözött, mint a gumiabroncsok vagy ágyak, festmény, selyemnyomás , kollázs és fényképezés. Hasonlóképpen Jasper Johns , aki Rauschenberggel egy időben dolgozott, beépítette munkájába a talált tárgyakat.

1958 -ban Bruce Conner készítette a befolyásos A -filmet , amelyben újra összeállította a meglévő filmeket. 1958 -ban Raphael Montanez Ortiz készítette a Cowboy és az Indian Film című filmet, amelyek alapvető előzetes filmmunka .

A Fluxus művészeti mozgalom is felhasználta az előirányzatot: tagjai különböző művészeti tudományágakat kevertek össze, beleértve a vizuális művészetet, a zenét és az irodalmat. Az 1960 -as és 1970 -es években "akció" eseményeket rendeztek, és nem mindennapi anyagokat tartalmazó szobrászati ​​alkotásokat készítettek.

Az 1960-as évek elején Claes Oldenburg és Andy Warhol, mint például művészek kiosztották a képeket a kereskedelmi művészetből és a populáris kultúrából, valamint ezen iparágak technikáiból, például Warhol Coca-Cola palackok festésével. A " pop -művészek" -nek nevezett tömeges populáris kultúrát tekintették a fő népi kultúrának, amelyet oktatástól függetlenül mindenki megoszt. Ezek a művészek teljes mértékben elkötelezettek voltak a tömeggyártású kultúrából előállított mulandóság mellett, felkarolták a ráfordíthatóságot és elhatárolódtak a művész keze bizonyítékaitól.

A leghíresebb popművészek közül Roy Lichtenstein arról vált ismertté, hogy képregényes könyveket sajátított el olyan festményekkel, mint a Masterpiece (1962) vagy a Drowning Girl (1963), valamint olyan híres művészektől, mint Picasso vagy Matisse .

Elaine Sturtevant (más néven egyszerűen Sturtevant ) viszont kortársainak híres műveiből készített másolatokat. Az általa másolt művészek között volt Warhol, Jasper Johns, Joseph Beuys , Duchamp, James Rosenquist , Roy Lichtenstein és mások. Bár nem kizárólag a pop -art reprodukciója, ez volt a gyakorlata jelentős középpontjában. Ő többszörözött Andy Warhol Flowers 1965-ben a Bianchini Galéria New Yorkban. Tanult a művész saját technikájának reprodukálására - olyan mértékben, hogy amikor Warholt többször megkérdezték a technikájáról, ő egyszer azt válaszolta: "Nem tudom. Kérdezd meg Elaine -t."

Európában az új realisták nevű művészcsoport olyan tárgyakat használt, mint például Cesar szobrász, aki autókat préselt monumentális szobrok készítésére, vagy Arman művész, aki mindennapi gépi tárgyakat tartalmazott-a gomboktól és a kanalaktól a szeméttel teli autókig és dobozokig.

A német művészek, Sigmar Polke és barátja, Gerhard Richter, akik a „kapitalista realizmust” határozták meg, ironikus kritikát fogalmaztak meg a háború utáni Németországban. A már meglévő fényképeket felhasználták és átalakították. Polke legismertebb munkái a popkultúrából és a reklámokból készült képekkel készített kollázsai voltak, mint például a szupermarketek jelenete, amikor a szuperhősök egy élelmiszerboltban vásárolnak.

1970–1980: A képgeneráció és a neopop

Richard Prince , fedő Hannah (1987 Buick Grand National )
Három labda teljes egyensúlyi tartály (1983), Jeff Koons , Tate Liverpool

Míg a korábbi időkben történő elsajátítás a „nyelv” kedvelőit használta fel, a korabeli kisajátítást a fotográfia szimbolizálta, mint a „szemiotikai ábrázolási modelleket”. A Képek Generáció művészekből álló csoport volt, akiket a konceptuális és a pop -művészet befolyásolt , akik az előirányzatot és a montázst használták fel a képek konstruált természetének feltárására. A The Pictures Generation, 1974–1984 című kiállítást tartották a New York -i The Metropolitan Museum of Art (The Met) 2009. április 29 -től augusztus 2 -ig , amelyen többek között John Baldessari , Barbara Kruger , Sherrie Levine , Richard Prince is részt vett. , David Salle , Cindy Sherman .

Sherrie Levine , aki a művészet témaként foglalkozott azzal, hogy önmagát kisajátítja. Levine gyakran egész műveket idéz a saját munkáiban, például Walker Evans fényképeit fényképezi . Az eredetiség kihívásokkal teli elképzeléseit, felhívva a figyelmet a hatalom , a nem és a kreativitás , a fogyasztás és az áruérték közötti kapcsolatokra , a művészet társadalmi forrásaira és felhasználására, Levine a "majdnem ugyanaz" témával játszik.

Az 1970-es és 1980-as években Richard Prince újrafotózott olyan hirdetéseket, mint például Marlboro cigaretta vagy fotóújságírási felvétel. Munkája anonim és mindenütt jelenlévő cigaretta óriásplakát reklámkampányokat vesz igénybe, emeli az állapotot, és tekintetünket a képekre összpontosítja.

Az előirányzat -művészek a kultúra és a társadalom minden vonatkozását kommentálják. Joseph Kosuth képeket tulajdonított el, hogy foglalkozzon a filozófiával és az ismeretelmélettel .

Más művészek, akik ez idő alatt kisajátítással dolgoztak, többek között Greg Colson és Malcolm Morley .

A hetvenes évek végén Dara Birnbaum előirányzatokkal dolgozott feminista műalkotások előállításán . 1978-79-ben elkészítette az egyik első videó-előirányzatot. Technológia/átalakítás: A Wonder Woman a Wonder Woman televíziós sorozat videoklipjeit használta fel .

Richard Pettibone miniatűr méretben elkezdte lemásolni újonnan híres művészek, például Andy Warhol, majd később modernista mesterek műveit, aláírva az eredeti művész nevét és sajátját is.

Jeff Koons 1980-ban szerzett elismerést azáltal, hogy létrehozott koncepcionális szobrokat, az Új sorozatot , a porszívók sorozatát , amelyeket gyakran olyan márkanevekre választottak ki, amelyek vonzóak voltak a művész számára, mint például az ikonikus Hoover , és a Duchamp készülődéseinek jegyében. Később foltos acélból készített szobrokat felfújható játékok, például nyuszik vagy kutyák ihlette.

1990 -es évek

Szökőkút (Buddha) bronz remake Sherrie Levine , 1996

A kilencvenes években a művészek továbbra is kisajátítási művészetet állítottak elő, és azt használták fel az elméletek és társadalmi kérdések kezelésére szolgáló eszközként, ahelyett, hogy magukra a művekre összpontosítanának. Damian Loeb filmet és mozit használt a szimulákrum és a valóság témáinak kommentálására . Más, ekkoriban dolgozó nagy horderejű művészek között volt Christian Marclay , Deborah Kass és Genco Gulan .

Yasumasa Morimura japán kisajátító művész, aki történelmi művészektől (például Édouard Manet vagy Rembrandt ) kölcsönöz képeket a modern művészektől, mint Cindy Sherman , és saját arcát és testét illeszti beléjük. [1]

Sherrie Levine kisajátította a kisajátított anyagot, amikor fényezett öntött bronz piszoárokat készített Fountain néven . Ezeket "tiszteletadásnak tekintik Duchamp híres felkészítése előtt. Hozzátéve Duchamp merész lépéseihez, Levine visszafordítja gesztusát" művészeti objektummá "azáltal, hogy emeli annak anyagiasságát és befejezettségét. Feminista művészként Levine kifejezetten olyan férfi művészek műveit dolgozza fel, akik patriarchális uralmat parancsolt a művészettörténetben. "

21. század

Az előirányzatot gyakran használják a kortárs művészek, akik gyakran újraértelmezik a korábbi műalkotásokat, például a francia művész, Zevs, aki újraértelmezte a márkák logóit, például a Google -t vagy David Hockney műveit. Sok városi és utcai művész is a populáris kultúra képeit használja, mint például Shepard Fairey vagy Banksy , akik Claude Monet vagy Vermeer alkotásait kisajátították a lányával áttört dobhártyával.

2014 -ben Richard Prince új portrék címmel kiadott egy munkasorozatot, amely névtelen és híres személyek (például Pamela Anderson ) fotóit foglalja magába, akik szelfit tettek közzé az Instagramon. A művész által készített módosítások azok a megjegyzések, amelyeket Prince a fényképek alá tett. .

Damien Hirstet azzal vádolták 2018-ban, hogy kiosztotta Emily Kngwarreye és mások munkáját az Utopia, Northern Territory festőközösségből a fátyolfestményekkel , amelyeket Hirst szerint "a pointillista technikák, valamint az impresszionista és posztimpresszionista festők, például Bonnard és Seurat ".

Mr. Brainwash egy városi művész, aki Banksy -nak köszönhetően vált híressé, és stílusa ötvözi a történelmi popképeket és a kortárs kulturális ikonográfiát, hogy megalkossa a pop -graffiti art hibrid változatát, amelyet először más utcai művészek népszerűsítettek.

A Kaws néven ismert Brian Donnelly a Kimpsons című sorozatában az előirányzatokat használta fel, és a The Kaws albumot festette , a Simpsons Yellow Album ihlette, amely maga a Beatles Sgt. Album borítójának paródiája volt . A Pepper Lonely Hearts Club Bandjét a Simpson család karakterei váltották fel . 2019. április 1 -én a hongkongi Sotheby's -ben a The Kaws Album (2005) 115,9 millió hongkongi dollárért, azaz körülbelül 14,7 millió dollárért kelt el. Ezen kívül más ismert karaktereket is átdolgozott, mint például Miki egér , a Michelin -ember , a Törpök , a Snoopy és a SpongyaBob Kockanadrág .

A digitális korban

A kilencvenes évek óta a történelmi elődök kiaknázása ugyanolyan sokrétű, mint az előirányzat fogalma. Az előirányzatok eddig páratlan mennyisége áthatja nemcsak a képzőművészet területét, hanem minden kulturális területet. A kisajátítók új generációja "a jelen kor régészeinek" tartja magát. Vannak, akik "utómunkáról" beszélnek, amely már létező műveken alapul, hogy újraszerkesszék "a kultúra forgatókönyvét". A mások által készített alkotások vagy a rendelkezésre álló kulturális termékek csatolása többnyire a felhasználás fogalmát követi. Az úgynevezett "prosumerek"-akik egyszerre fogyasztanak és termelnek-böngésznek a digitális világ mindenütt megtalálható archívumában (ritkábban az analógban), hogy megkóstolhassák a másolatban a valaha hozzáférhető képeket, szavakat és hangokat -paste 'vagy "drag-drop" a "bootleg", "mashup" vagy "remix" őket, ahogy tetszik. Az előirányzatok mára mindennapos jelenséggé váltak.

Az új "generációs remix" - akik nemcsak a képzőművészet, hanem a zene, az irodalom, a tánc és a film színpadára léptek - természetesen erősen vitatott vitákat vált ki. Lawrence Lessig médiatudósok a 2000 -es évek elején itt alkották meg a remix kultúra fogalmát . Egyrészt azok az ünneplők, akik a digitalizált és globalizált 21. századi művészet innovatív, hasznos és szórakoztató módjainak új korát látják előre. Az új kisajátítók nemcsak Joseph Beuys diktátumát fogják megérteni, miszerint mindenki művész, hanem "szabad társadalmakat építenek". Azáltal, hogy végül megszabadítják a művészetet a hagyományos fogalmaktól, például az aurától, az eredetiségtől és a zsenialitástól, a művészet megértésének és meghatározásának új feltételeihez vezetnek. A kritikusabb megfigyelők ezt egy hatalmas probléma kiindulópontjának tekintik. Ha a teremtés semmi másra nem épül, mint gondtalan folyamatokra, amelyek bármely forrás forrásai, a már létező médiumok, fogalmak, formák, nevek stb. Megtalálásának, másolásának, újbóli kombinálásának és manipulálásának gondtalan folyamatai, akkor a művészet megértése elcsúszik a szemük elől egy triviális, alacsony igényes és regresszív tevékenység. Tekintettel arra, hogy a művészet a már létező fogalmakra és formákra való hivatkozásokra korlátozódik, végtelenül újrafordított és újrafelhasznált termékeket irányoznak elő. A szkeptikusok ezt az újrahasznosítás kultúrájának nevezik, a múlt függőségével

Néhányan azt mondják, hogy csak a lusta emberek, akiknek nincs mondanivalójuk, hagyják magukat ilyen módon inspirálni a múltból. Mások attól tartanak, hogy ezt az új elsajátítási tendenciát nem más okozza, mint az a vágy, hogy vonzó genealógiával díszítsék fel magukat. A kifejezés appropriationism tükrözi túltermelés reprodukciók, remakings, reenactments, rekreációs, revisionings, reconstructings stb másolásával, utánzó, ismétlő, idézve, beollózott, szimulációs és alkalmazkodás meglévő nevek, fogalmak és formák. Az előirányzatról - a 20. századi kisajátítási formák és fogalmak összehasonlításával, amelyek a megalapozott tudás új ábrázolásait kínálják - egyfajta „versenyszünetként” beszélünk, utalva a véletlenszerű, ellenőrizhetetlen műveletek felgyorsítására erősen mobilizált, gördülékeny nyugati társadalmakban. egyre inkább elvont irányítási formák irányítják. A korlátlan hozzáférés az alkotások digitális archívumához és a könnyen megvalósítható digitális technológiákhoz, valamint a friss ötletek és kreatív folyamatok elsőbbsége a tökéletes mesterművel szemben hiperaktív nyüzsgéshez vezet a múlt körül, ahelyett, hogy új expedíciókat indítanának a feltáratlan területre, láthatóság az elfeledett szellemek és közös mítoszok és ideológiák figyelmen kívül hagyott fantomjai számára.

Előirányzat -művészet és szerzői jog

Az előirányzat -művészet vitatott szerzői jogi problémákat eredményezett a szerzői jogi törvény szerinti érvényessége tekintetében. Az USA különösen peres volt ebben a tekintetben. Számos esetjogi példa került elő, amelyek a transzformatív művek és a származékos művek közötti megosztást vizsgálják .

Mi a fair use?

Az 1976 -os szerzői jogi törvény az Egyesült Államokban védelmet nyújt a szerzői jogok megsértése ellen, ha egy művész bizonyítani tudja, hogy a mögöttes alkotást "tisztességesen" használja.

A törvény négy tényezőt kell figyelembe venni annak meghatározásához, hogy egy adott felhasználás méltányos használat -e:

  1. a felhasználás célja és jellege (kereskedelmi vagy oktatási, transzformatív vagy reprodukciós, politikai);
  2. a szerzői joggal védett mű jellege (kitalált vagy tényszerű, a kreativitás mértéke);
  3. az eredeti mű felhasznált részének mennyisége és lényegessége ; és
  4. a felhasználás hatása az eredeti mű piacára (vagy potenciális piacára).

Példák perekre

Andy Warhol számos perrel szembesült olyan fotósoktól, akik munkáját kisajátította és selyemszitán vetítette . Patricia Caulfield, az egyik ilyen fotós, virágot készített egy fotóbemutatóra egy fotós magazin számára. Az ő engedélye nélkül Warhol 1964-ben letakarta Leo Castelli New York-i galériájának falait selyemszűrős reprodukcióival Caulfield fényképéről. Miután látta a könyvesboltban Warhol jogosulatlan reprodukcióinak plakátját, Caulfield beperelte Warholt, mert megsértette szerzői jogait. tulajdonos, Warhol pedig peren kívül készpénzes elszámolást kötött.

Másrészt Warhol híres Campbell-féle levesdobozait általában úgy vélik , hogy nem sértik a leveskészítő védjegyét , annak ellenére, hogy egyértelműen kisajátították, mert "a nyilvánosság nem valószínű, hogy a festményt a levesgyártó cég támogatásával vagy versenytárs termék képviseletével látná . A festmények és a levesdobozok önmagukban nem versengő termékek " - mondta Jerome Gilson védjegyjogi szakértő .

Jeff Koons szerzői jogi kérdésekkel is szembesült kisajátítási munkája miatt (lásd Rogers kontra Koons ). Art Rogers fotográfus 1989-ben keresetet nyújtott be Koons ellen szerzői jogok megsértése miatt. Koons munkája, a Kölykök kötege szobrászatosan reprodukálta Rogers fekete-fehér fényképét, amely a Koons által vásárolt repülőtéri üdvözlőlapon volt látható. Noha a védekezésben méltányos használatot és paródiát követelt , Koons elvesztette az ügyet, részben a művészként elért óriási sikere és a médiában való ábrázolása miatt. A paródiával kapcsolatos érvelés is kudarcot vallott, mivel a fellebbviteli bíróság különbséget tett a modern társadalom paródiájának megalkotása között általában és egy konkrét műre irányuló paródia között, és úgy találta, hogy egy adott mű, különösen egy nagyon homályos paródia túl gyenge ahhoz, hogy igazolja a az eredeti tisztességes használata.

2006 októberében Koons sikeresen védett egy másik művet azzal, hogy a " fair use " -re hivatkozott. A Deutsche Guggenheim Berlin hétfestési megbízásáért Koons egy Andrea Blanch által készített, a Gucci által készített Selyem szandál címmel készített fénykép egy részét rajzolta fel, amelyet az Allure magazin 2000. augusztusi számában tett közzé, hogy illusztrálja a fémes sminkről szóló cikket. Koons levette erről a fényképről a lábak és gyémánt szandálok képét (más háttér részleteket kihagyva), és felhasználta Niagara című festményén , amely három másik pár női lábat is tartalmaz, amelyek szürreálisan lógnak a piték és sütemények tája felett.

Az ő döntése, Bíró Lajos L. Stanton az amerikai kerületi bíróság megállapította, hogy a Niagara valóban egy „átalakító használatára” Blanch fényképét. "A festmény használata nem" helyettesíti "vagy megismétli az eredeti célját" - írta a bíró -, "hanem alapanyagként használja fel új információ, új esztétika és új meglátások létrehozása céljából. nem művészileg, hanem átalakító. "

Blanch fényképének Koons által használt részletei csak csekély mértékben szerzői jogok. Blanchnak nincs joga a Gucci szandálhoz, "talán a fénykép legszembetűnőbb eleme" - írta a bíró. És a szandál nélkül csak egy nő lábának ábrázolása maradt - és ezt "nem eléggé eredetinek tekintették, hogy sok szerzői jogi védelmet érdemeljenek".

2000 -ben Damien Hirst Himnusz című szobrát (amelyet Charles Saatchi 1 millió fontért megvásárolt) kiállították a Hangya zajokban a Saatchi Galériában. Hirstet beperelték a szobor miatti szerzői jog megsértése miatt. Az alany a fia Connorhoz tartozó „Fiatal tudós anatómiai készlet” volt, amelyből évente 10 000 darabot ad el a Hull (Emms) játékgyártó. Hirst létrehozta a Science Set figura 20 láb, hat tonnás nagyítását, gyökeresen megváltoztatva az objektum észlelését. Hirst nyilvánosságra nem hozott összeget fizetett két jótékonysági szervezetnek, a Children Nationwide-nak és a Toy Trust -nak peren kívüli egyezség keretében. A jótékonysági adomány kevesebb volt, mint Emms remélte. Hirst további három példányt adott el szobrából az elsőhöz hasonló összegért.

Ha egy ismerős tárgyat műalkotássá tesznek, megakadályozhatja, hogy a művész szerzői jogot követeljen. Jeff Koons azzal fenyegetőzött, hogy szerzői joggal beperel egy galériát, azt állítva, hogy a galéria megsértette tulajdonosi jogait, amikor lufi kutyák alakú könyvtartókat árult. Koons felhagyott ezzel az állítással, miután a galéria feljelentést tett a nyilatkozatra vonatkozó megkönnyebbülés miatt, és így nyilatkozott : "Amit gyakorlatilag minden bohóc tanúsíthat, senkinek sincs birtokában a lufikutya készítésének ötlete, és a léggömb kutyaszerű formába csavarásával létrehozott forma része. a nyilvánosság számára. "

2008 -ban Patrick Cariou fotóriporter beperelte Richard Prince művészt , a Gagosian Gallery -t és a Rizzoli könyveket szerzői jogok megsértése miatt. Prince 40 könyvből kisajátította Cariou Rastafari -ról készített fotóit , így létrehozva a Canal Zone néven ismert festménysorozatot . Prince különböző módokon módosította a fényképeket, tárgyakat festett, túlméretezett kezeket, meztelen nőket és férfi törzseket a fényképek fölé, majd több mint 10 millió dollár értékben értékesítette a műveket. 2011 márciusában egy bíró Cariou mellett döntött, de Prince és Gargosian számos ponton fellebbezett. Az amerikai fellebbviteli bíróság három bírája fenntartotta a jogorvoslati jogot. Prince ügyvédje azzal érvelt, hogy "Az előirányzat-művészet egy jól ismert modern és posztmodern művészeti forma, amely megkérdőjelezi az emberek gondolkodását a művészetről, megkérdőjelezi az emberek gondolkodását a tárgyakról, képekről, hangokról, kultúráról" 2013. április 24-én a fellebbviteli bíróság nagyrészt megdöntötte az eredeti döntést, és úgy döntött, hogy sok festmény megfelelően átalakította az eredeti képeket, és ezért engedélyezett felhasználás. Lásd Cariou kontra Prince .

2010 novemberében Chuck Close jogi eljárással fenyegetőzött Scott Blake számítógépes művész ellen, amiért olyan Photoshop szűrőt készített, amely képeket készített a boncolt Chuck Close festményekből. A történetről először a Hyperallergic online művészeti folyóirat számolt be , újranyomták a Salon.com címlapján , és gyorsan elterjedt az interneten. Kembrew McLeod , több mintavételi és kiosztási könyv szerzője a Wired című könyvben azt mondta, hogy Scott Blake művészetének a méltányos használat doktrínája alá kell esnie .

2014 szeptemberében az USA hetedik körzeti fellebbviteli bírósága megkérdőjelezte a Cariou -ügyben a Second Circuit értelmezését a fair use doktrínáról . Különösen figyelemre méltó, hogy a hetedik áramkör megjegyezte, hogy az „átalakító használat” nem a négy felsorolt ​​méltányos felhasználási tényező egyike, hanem egyszerűen az első tisztességes felhasználási tényező része, amely a használat „célját és jellegét” szemléli. A Hetedik Kör kritikája hitelesnek bizonyítja azt az érvet, miszerint az Egyesült Államok bíróságai megoszlanak a tekintetben, hogy a „transzformatív képesség” milyen szerepet játszik a méltányos használat vizsgálatában.

2013 -ban Andrew Gilden és Timothy Greene a The University of Chicago Law Review -ban közzétett egy jogszabály -felülvizsgálati cikket, amely a Cariou -ügy és a Salinger kontra Colting -ügy közötti ténybeli hasonlóságokat és jogi különbségeket boncolgatta , és megfogalmazta azokat az aggályokat, amelyek szerint a bírák méltányos felhasználást teremtenek. " kiváltság nagyrészt a gazdagok és híresek számára van fenntartva. "

Az előirányzatot használó művészek

A következők azok a neves művészek, akik arról ismertek, hogy már létező tárgyakat vagy képeket használnak, amelyekre kevés vagy semmilyen átalakítást nem alkalmaznak:

Lásd még

Hivatkozások

Források

További irodalom

  • Margot Lovejoy , Digitális áramlatok: Művészet az elektronikus korszakban 2004.
  • (es) Juan Martín Prada (2001) La Apropiación Posmoderna: Arte, Práctica apropiacionista y Teoría de la Posmodernidad . Fundamentos. ISBN  978 84 2450 8814 .
  • Brandon Taylor, Collage , Thames & Hudson Ltd, 2006, p. 221.

Külső linkek