Japán művészet - Japanese art

Japán művészet
Fapadlónyomat A nagy hullám Kanagawa mellett , Katsushika Hokusai , Edo időszak
Jelenet a Genji Monogatari Emaki -ból , Heian -korszak , 12. század eleje ( Nemzeti kincs )
A művészet története
Periódusok
Régiók
A Közel -Kelet művészete

Ázsia művészete

Európa művészete

Afrika művészete

Amerika művészete

Ausztrália művészete

Óceánia művészete
Vallások
Technikák
Típusok

A japán művészet a művészeti stílusok és médiumok széles skáláját öleli fel, beleértve az ősi kerámiát , szobrászatot , tusfestést és kalligráfiát selyemre és papírra, ukiyo-e festményeket és fametszetes nyomatokat , kerámiákat, origamit , valamint újabban mangákat és animéket , amelyek képregények és animációk, amelyek jellegzetes rajzfilm stílusúak . Hosszú története van, kezdve az emberi lakások kezdetétől Japánban, valamikor a 10. évezredben, a mai országig.

Japán hirtelen támadt új ötletekbe, majd hosszú ideig minimális kapcsolatba került a külvilággal. A japánok idővel kifejlesztették az idegen kultúra azon elemeinek felszívódását, utánzását és végül asszimilálását, amelyek kiegészítették esztétikai preferenciáikat. A legkorábbi összetett művészet Japánban a 7. és 8. században készült a buddhizmushoz kapcsolódóan . A 9. században, amikor a japánok elkezdtek elfordulni Kínától és kifejleszteni az őslakos kifejezési formákat, a világi művészetek egyre fontosabbá váltak; század végéig mind a vallási, mind a világi művészet virágzott. A Ōnin háború (1467–1477) után Japán a politikai, társadalmi és gazdasági zavarok időszakába lépett, amely több mint egy évszázadig tartott. A Tokugawa sógunátus vezetése alatt kialakult államban a szervezett vallás sokkal kevésbé játszott fontos szerepet az emberek életében, és a fennmaradt művészetek elsősorban világiak voltak. A Meidzsi-időszak (1868-1912) hirtelen beáramlott a nyugati stílusokba, amelyek továbbra is fontosak.

Japánban a festészet a kedvelt művészi kifejezés, amatőrök és szakemberek egyaránt gyakorolják. A japánok egészen a modern időkig ecsettel, nem pedig tollal írtak , és az ecsettechnikák ismerete különösen érzékenyé tette őket a festészet értékeire és esztétikájára . A népi kultúra felemelkedésével az Edo-időszakban a fából készült blokknyomatok egyik fő formája lett, és technikáit finomhangolva színes nyomatokat készítettek. A japánok ebben az időszakban a szobrászatot sokkal kevésbé szimpatikus közegnek találták a művészi kifejezéshez; A legtöbb nagy japán szobor a valláshoz kapcsolódik , és a médium használata csökkent a hagyományos buddhizmus jelentőségének csökkenésével.

A japán kerámia a világ legjobbjai közé tartozik, és magában foglalja a legkorábbi ismert japán leleteket; A japán exportporcelán számos területen jelentős iparág volt. A japán lakkáruk a világ egyik vezető kézművessége is, és a maki-e- vel pompásan díszített alkotásokat Európába és Kínába exportálták, és a 19. századig fontos export maradt. Az építészetben világosan kifejeződnek a japán természetes anyagok iránti preferenciák, valamint a belső és külső tér kölcsönhatása.

A japán művészet története

Középső Jómon váza; i. e. 3000-2000 körül

Jōmon művészet

Az első telepesek Japán volt a Jomon ember (c. 10.500 - c. 300 BCE), neve a vezeték jegyekkel, díszített felületek az agyag edények voltak nomád vadászó-gyűjtögetők, akik később gyakorlott szervezett gazdálkodás és a beépített lakossal rendelkező város több száz, ha nem ezer. Egyszerű fa- és nádházakat építettek sekély földgödrökbe, hogy meleget biztosítsanak a talajból. Ezek kialakított gazdagon díszített kerámia tároló edények , agyagfigurák úgynevezett Doğu , és kristály ékszereket.

A korai Jón időszak

A korai Jōmon időszakban (i. E. 5000–2500) falvak felfedezését kezdték, és hétköznapi tárgyakat találtak, mint például forrásban lévő vízhez készült kerámia edényeket. Az ez idő alatt talált edények lapos aljúak voltak, és bonyolult kialakításúak voltak, például bambuszból. Ezenkívül egy másik fontos lelet a korai Jōmon -figurák voltak, amelyeket termékenyítő objektumként használhattak a mell és a csípő duzzanata miatt.

Középső Jón időszak

Befőttes üveg; középső és késői Jomon időszak; I.sz. 35–11

A középső Jómon-korszak (i. E. 2500–1500) sok tekintetben ellentétes a korai Jón-korszakkal. Ezek az emberek kevésbé nomádok lettek, és falvakban kezdtek letelepedni. Hasznos eszközöket hoztak létre, amelyek képesek voltak az összegyűjtött és vadászott ételek feldolgozására, ami megkönnyítette számukra az életet. Az ebben az időszakban talált számos esztétikailag kellemes kerámia révén nyilvánvaló, hogy ezeknek az embereknek stabil gazdaságuk és több szabadidejük volt a gyönyörű darabok létrehozásához. Ezenkívül a középső Jómon kor emberei különböztek előző őseiktől, mert funkciójuknak megfelelően edényeket fejlesztettek ki, például edényeket állítottak elő tárgyak tárolására. Ezen edények díszítései kezdtek valósághűbbé válni, szemben a korai Jōmon kerámiákkal. Összességében a művek gyártása nemcsak növekedett ebben az időszakban, hanem ezek az egyének dekoratívabbá és természetesebbé tették őket.

Késő és utolsó Jōmon időszak

Doğu figura helyén Ebisuda a Osaki , Miyagi prefektúra (1000-400 BCE)

A késői és az utolsó Jōmon időszakban (i. E. 1500–300) az időjárás egyre hidegebbé vált, ezért kénytelenek voltak eltávolodni a hegyektől. A fő táplálékforrás ebben az időben a halak voltak, amelyek javították halászati ​​kellékeiket és eszközeiket. Ez az előrelépés nagyon fontos eredmény volt ebben az időben. Ezenkívül a hajók száma nagymértékben megnőtt, ami arra a következtetésre juthat, hogy minden házban saját figura volt látható. Bár a Jōmon késői és utolsó időszakában különböző edényeket találtak, ezeket a darabokat sérültnek találták, ami azt jelezheti, hogy rituálékhoz használták őket. Ezen kívül figurákat is találtak, és húsos testük és szemüvegük jellemezte őket.

Dogú figurák

Fő cikk: Dogū

A dogú ("földi alak") a Jōmon -korszak későbbi szakaszában készült kis humanoid- és állatfigurák . Okinawa kivételével egész Japánban gyártották . Egyes tudósok feltételezik a Doğu járt el képmások az emberek, hogy megnyilvánult valamilyen szimpatikus mágia . A dogú agyagból készülnek, és kicsik, jellemzően 10–30 cm magasak. A figurák többsége nőstény mintát mutat, nagy szemekkel, kis derékkal és széles csípővel. Sokak szerint istennők képviselői. Sokuknak nagy hasa van a terhességgel kapcsolatban, ami arra utal, hogy a Jomon anyai istennőknek tartotta őket .

Yayoi művészet

A következő bevándorlási hullám a Yayoi nép volt, amelyet a tokiói kerületről neveztek el, ahol először találták meg településeik maradványait. Ezek az emberek, akik i. E. 300 körül érkeztek Japánba, magukkal hozták tudásukat a vizes élőhelyi rizs termesztéséről, a rézfegyverek és bronzharangok ( dōtaku ) gyártásáról , valamint a kerékdobott, kemencében égetett kerámiákról .

Kofun művészet

Nintoku császár sírja Sakai -ban, Japánban. A kulcslyukhoz hasonló sír 486 m hosszú, alul 305 m széles és 245 m átmérőjű.

A japán őstörténet harmadik szakasza, a Kofun -korszak (Kr. U. 300–710) a Yayoi kultúra módosítását jelenti , amely akár belső fejlődésnek, akár külső erőnek tulajdonítható. Ez az időszak leginkább a sírkultúrájáról és más leletekről, például bronz tükrökről és haniwa nevű agyagszobrokról szól, amelyeket ezeken a sírokon kívül állítottak fel. A Kofun -korszak során ezeknek a síroknak a jellemzői a dombtetőkön és gerinceken felállított kisebb sírokból a sokkal nagyobb sírokba épített sírokba fejlődtek. Japán legnagyobb sírja, Nintoku császár sírja 46 temetkezési halommal rendelkezik, és kulcslyuk alakú, amely a későbbi Kofun -sírokban található megkülönböztető jellemző.

Asuka és Nara művészet

Sárkányfejű kancsó Pegazus mintával bemetszve, aranyozott bronz ezüsttel, Asuka kor, 7. század, egykori Horyu-ji templom kincsei

Az Asuka és Nara korszakokban , így nevezték el, mert a japán kormány székhelye az Asuka -völgyben volt 542 és 645 között, és Nara városában 784 -ig, Japánban lezajlott az első jelentős kontinentális ázsiai kultúra.

A buddhizmus átadása adta a kezdeti lökést a Kína és Japán közötti kapcsolatokhoz. A japánok felismerték a kínai kultúra azon aspektusait, amelyeket nyereségesen beépíthettek sajátjukba: az ötletek és hangok írásba való átalakításának rendszerét; történetírás ; bonyolult kormányzati elméletek, például hatékony bürokrácia ; és ami a legfontosabb a művészetek számára, az új technológiák, az új építési technikák, a fejlettebb bronzöntési módszerek, valamint a festés új technikái és hordozói.

A 7. és 8. század folyamán azonban a Japán és az ázsiai kontinens közötti kapcsolatokban a buddhizmus fejlesztése volt a fő hangsúly. Nem minden tudós ért egyet a jelentős dátumokról és a megfelelő nevekről, amelyeket 552, a buddhizmus Japánba való bevezetésének hivatalos dátuma és 784 között, amikor a japán fővárost Nárából átvették, különböző időszakokra kell alkalmazni. A leggyakoribb megnevezések a Suiko -korszak, 552–645; A Hakuho időszakban , 645-710, és a Tenpyō időszakban 710-784.

A Buddha legkorábbi japán szobrai a 6. és a 7. századból származnak. Ők végül származnak 1st- a 3. századi AD gandhára művészete a Gandhara jellemzett áramló szabásmintát és reális rendering, amelyen a kínai művészi vonásai voltak egymásra. Miután a kínai északi Wei buddhista művészet beszivárgott egy Koreai -félszigetre, a buddhista ikonokat különböző bevándorló csoportok hozták Japánba. Különösen a félig ülő Maitreya formát alakították át egy magasan fejlett ókori görög művészeti stílusba, amelyet Japánba továbbítottak, amint azt a Kōryū-ji Miroku Bosatsu és a Chūgū-ji Siddhartha szobrok is bizonyítják. Sok történész Koreát a buddhizmus puszta közvetítőjeként ábrázolja. A Három Királyság, és különösen Baekje, aktív szerepet játszott egy buddhista hagyomány bevezetésében és megalakításában Japánban 538 -ban vagy 552 -ben. Ezek szemléltetik a művészet Selyemút -közvetítésének végpontját korszakunk első néhány évszázadában. Más példák is megtalálhatók a japán Fūjin Szélisten ikonográfiájának , a Niō-őröknek és a templomdíszek közel klasszikus virágmintáinak fejlesztésében.

A legkorábbi buddhista struktúrák fennmaradt Japánban, és a legrégebbi fából készült épületek a Távol-Keleten találhatók a Hórjúdzsi délnyugatra Nara. Először a 7. század elején épült Shōtoku koronaherceg magántemplomaként , és 41 független épületből áll. A legfontosabbak, a fő istentiszteleti terem, vagy Kondō ( Aranyterem ), és a Gojū-no-tō ( Ötemeletes pagoda ) egy fedett kolostorral körülvett nyílt terület közepén állnak. A Kondō , a kínai istentiszteleti szobák stílusában , egy kétszintes szerkezet, amely a gerenda utáni szerkezetből áll, és amelyet irimoya , vagy kerámia cserepes nyeregtetős tető fed le .

A Kondō belsejében , egy nagy téglalap alakú emelvényen találhatók a korszak legfontosabb szobrai. A központi kép egy Shaka -szentháromság (623), a történelmi Buddha , amelyet két bodhiszattva szegélyez, Tori Busshi szobrász (7. század elején virágzott) bronzba öntött szobra , a nemrég elhunyt Shōtoku herceg tiszteletére. A platform négy sarkában a Négy Irány őrző királyai találhatók , fából faragva 650 körül. A Hōryū-ji-ban található a Tamamushi- szentély is, egy Kondō fa másolata , amely egy magas faalapon helyezkedik el. figurális festményekkel díszített, ásványi pigmenteket tartalmazó lakkal kevert közegben.

A 8. században a templomépítés a Nara - i Tōdai-ji környékére összpontosult . Az egyes tartományok templomhálózatának székhelyeként épült Tōdaiji a legnagyobb ambiciózus vallási komplexum, amelyet a japán buddhista istentisztelet első évszázadaiban emeltek. Megfelelő módon a 16,2 m ( 532 láb) Buddha (befejezve 752), amelyet a fő Buddha-teremben, vagy Daibutsuden- ben rögzítettek, egy Rushana Buddha, az a figura, amely a buddhaság lényegét képviseli, mint ahogy a Tōdaiji képviselte a birodalmi szponzorált központot A buddhizmus és annak terjesztése Japánban. Az eredeti szobornak csak néhány töredéke maradt fenn, és a jelenlegi csarnok és Buddha központi része az Edo -kori rekonstrukciók .

A Daibutsuden körül, enyhén lejtős domboldalon számos másodlagos csarnok található: a Hokke-dō (Lotus Sutra Hall), fő képével, a Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, a legnépszerűbb bodhisattva), száraz lakk (lakkba mártott, fa armatúra fölé formált ruha); a Kaidanin (戒壇 院, ordinációs terem) a négy őrző király csodálatos agyagszobraival ; és a raktár, az úgynevezett Shōsōin . Ez az utolsó szerkezet nagy jelentőséggel bír művészettörténeti gyorsítótárként, mert benne tárolják azokat az eszközöket, amelyeket a templom 752-es felszentelési ceremóniáján, a ruszna kép szemnyitó rituáléjában használtak, valamint kormányzati dokumentumokat és sok világi dokumentumot. a császári család tulajdonában lévő tárgyak.

Choukin (vagy chōkin ), a szakterületen fém gravírozás vagy szobrászat, úgy gondolják, hogy megkezdődött a Nara időszakban.

Heian művészet

Taizokai (méh birodalma) Mandala selyem függő tekercsen, i. Sz . 9. század
Taishakuten Śakra , 839, Tō -ji

794 Japán fővárosa hivatalosan át Heiankjó (a mai Kiotó ), ahol meg is maradt 1868-ig A kifejezés Heian időszakban kifejezés közötti évek 794 és 1185, amikor a Kamakura sógunátus alakult végén a Genpei háború . Az időszak tovább tagolódik a korai Heian és a késői Heian, vagy Fujiwara korszakra , a döntő dátum 894, amikor a kínai császári nagykövetségek hivatalosan megszűntek.

Korai Heian art: A reakció a növekvő jólét és a hatalom a szervezett buddhizmus Nara, a pap Kukai (legismertebb az ő posztumusz cím Kobo Daishi, 774-835) utaztak Kínába, hogy tanulmányozza Shingon , egyfajta Vadzsrajána buddhizmus, amit 806 -ban mutatták be Japánba. A Shingon -istentisztelet középpontjában a mandalák , a spirituális világegyetem diagramjai állnak, amelyek aztán kezdték befolyásolni a templomtervezést. A japán buddhista építészet kínai stílusú pagodájában is átvette a sztúpát , eredetileg indiai építészeti formát .

Az új szekta számára emelt templomokat a hegyekben építették, távol az udvartól és a főváros laikusaitól. Ezeknek a helyeknek a szabálytalan topográfiája arra kényszerítette a japán építészeket, hogy gondolják át a templomépítés problémáit, és ezáltal a tervezés őshonosabb elemeit válasszák. A ciprusfakéreg-tetők a kerámia cserép helyére kerültek, a fa padló helyett földdeszkát használtak, a laikusok számára pedig külön istentiszteleti helyet adtak a fő szentély elé.

A templom, amely a legjobban tükrözi a korai Heian Shingon templomok szellemét, a Murō-ji (9. század eleje), mélyen a ciprusfák állományában, egy Nara-tól délkeletre fekvő hegyen. A Shakyamuni , a "történelmi" Buddha fából készült képe (szintén a 9. század elején) , amelyet a Murō-ji másodlagos épületében őriznek , jellemző a korai Heian-szoborra, melynek tövises testét vastag drapériahajtogatások borítják. honpa-shiki (gördülő hullám) stílus, és szigorú, visszahúzódó arckifejezése.

Fujiwara art: A Fujiwara időszakban , Tiszta Föld buddhizmus , amely felajánlotta könnyen üdvösségre hit Amida (a Buddha a Western Paradise), népszerűvé vált. Ezt az időszakot nevezték el a Fujiwara család , akkor a legerősebb az országban, aki uralkodott megszövegezett a császárnak, egyre, a hatás, a civil diktátorok. Ezzel párhuzamosan a kiotói nemesség olyan társadalmat alakított ki, amely elkötelezett az elegáns esztétikai törekvések iránt. Olyan biztonságos és szép volt a világuk, hogy nem tudták elképzelni, hogy a Paradicsom sokkal különb. Létrehozták a Buddha terem új formáját, az Amida csarnokot, amely ötvözi a világi és a vallásos embereket, és egy vagy több Buddha -képet tartalmaz a nemesség kúriáira emlékeztető szerkezeten belül.

Byōdō-in Phoenix Hall, Uji, Kioto

A ho-o-do (Főnix Csarnok, elkészült 1053) a Bjódóin , egy templom Uji délkeletre Kyoto, a példája a Fujiwara Amida csarnokok. Egy fő négyszögletes szerkezetből áll, amelyet két L alakú szárnyfolyosó és egy farokfolyosó szegélyez, egy nagy mesterséges tó szélén. Belül Amida egyetlen arany képe (1053 körül) van felszerelve egy magas platformra. Az Amida szobrot Jōchō kivitelezte , aki új aránykánont és új technikát ( yosegi ) használt, amelyben több fadarabot kagylóként faragnak ki, és belülről illesztenek össze . A csarnok falaira az égiek apró domborművei kerültek, a házigazda úgy vélte, hogy elkísérte Amidát, amikor leszállt a nyugati paradicsomból, hogy a halál pillanatában összegyűjtse a hívők lelkét, és lótuszvirágban szállítsa őket a Paradicsomba. A Hō-ō-dō faajtóin található Raigō festmények, amelyek az Amida Buddha leszármazását ábrázolják, a Yamato-e , japán stílusú festészet korai példái , és a Kiotó környéki tájképeket ábrázolják.

Genji Monogatari Emaki "YUGIRI"

E-maki : A Heian-kor utolsó évszázadában előtérbe került a vízszintes, illusztrált elbeszélő kézfogás, amely e-maki néven ismert (絵 巻, lit. " képtekercs "). Körülbelül 1130-ból származik a Genji Monogatari Emaki , a híres illusztrált Genji-mese a legkorábbi fennmaradt yamato-e kézitekercset, és a japán festészet egyik csúcspontja. Az 1000. évről írta Murasaki Shikibu , Shōshi császárné hölgyje . A regény Genji életével és szerelmeivel, valamint a Heian udvar világával foglalkozik halála után. Az e-maki változat 12. századi művészei olyan képi egyezmények rendszerét dolgozták ki, amelyek vizuálisan közvetítik az egyes jelenetek érzelmi tartalmát. A század második felében népszerűvé vált a folyamatos narratív illusztráció más, elevenebb stílusa. A Ban Dainagon Ekotoba (12. század vége), tekercs, amely az udvari intrikákkal foglalkozik, az aktív mozgásban lévő figurákat hangsúlyozza, amelyeket gyorsan végrehajtott ecsetvonásokkal és vékony, de élénk színekkel ábrázolnak.

Az e-maki az otoko-e ("férfi képek") és az onna-e ("női képek") festési stílusok egyik legkorábbi és legnagyobb példája is . A két stílusban sok finom különbség van, amelyek a nemek esztétikai preferenciáihoz vonzódnak. De talán a legkönnyebben észrevehetőek a tárgyi különbségek. Az Onna-e , amelyet a Genji meséje kézfogás testesít meg, jellemzően az udvari élettel, különösen az udvarhölgyekkel és romantikus témákkal foglalkozik. Otoko-e gyakran rögzített történelmi eseményeket, különösen csatákat. Ennek a stílusnak a híres példája a Szandzsó -palota ostroma (1160), amelyet a Heiji Monogatari kézfogó "Éjszakai támadás a Szandzsó -palota " című részében ábrázolnak.

Kamakura művészet

Aranyozott bronz ereklyetartó áttört (kondō sukashibari sharitō)

1180 -ban háború tört ki a két legerősebb harcos klán között: a Taira és a Minamoto ; öt évvel később a Minamoto győztes lett, és de facto kormányzati székhelyet létesített a tengerparti Kamakura faluban , ahol 1333 -ig maradt. A hatalomnak a nemességről a harcos osztályra való áthelyezésével a művészetnek új közönséget kellett kielégítenie: férfiak, akik elkötelezettek a hadviselés iránt, papok, akik elkötelezettek a buddhizmus elérhetővé tétele mellett az írástudatlan közemberek számára, és konzervatívok, a nemesség és a papság néhány tagja, akik sajnálják az udvar hanyatló hatalmát. Így a realizmus, a népszerűsítő irányzat és a klasszikus ébredés jellemzi a Kamakura -kor művészetét . A Kamakura időszakban Kyoto és Nara továbbra is a művészi termelés és a magas kultúra központjai maradtak.

Részlet a Muchaku a Kofuku-ji , Nara által Unkei

Szobrászat: A Kei szobrásziskola, különösen Unkei , új, valósághűbb szobrászatot hozott létre. A két Niō- őrző kép (1203) a Narai Tōdai-ji Nagy Déli Kapujában illusztrálja Unkei dinamikus szuprarealisztikus stílusát. A körülbelül 8 m (körülbelül 26 láb) magas képeket több blokkból faragták körülbelül három hónap alatt, ami egy mesterséges szobrászművész irányítása alatt dolgozó kézművesek stúdiórendszerét jelzi. Unkei polikrómált fa szobrai (1208, Kōfuku-ji , Nara) két indiai bölcsről , Muchaku és Seshin , a Hossō szekta legendás alapítóiról, a korszak legeredményesebb reális alkotásai közé tartoznak; ahogy Unkei sugallta, figyelemre méltóan egyénre szabott és hihető képek. E korszak egyik leghíresebb alkotása az Amitabha triád (1195-ben fejeződött be), az Ono-i Jōdo-ji-ban , amelyet Kaikei , Unkei utódja hozott létre .

Kalligráfia és festészet: A Kegon Engi Emaki , a Kegon szekta alapításának illusztrált története kiváló példa a kamakurai festészet népszerűsítő irányzatára. A Kegon szekta, az egyik legfontosabb a Nara időszakban esett a nehéz időkben során fölénye a Tiszta Föld szekta. A genpei háború (1180–1185) után Kōzan-ji papja Myōe arra törekedett, hogy újraélessze a szektát, és menedéket is biztosítson a háború által megözvegyült nőknek. A feleségek szamurájok már kedvét a tanulástól több mint egy szótagábécé rendszer átírására hangok és gondolatok (lásd kana ), és a legtöbb képtelenek voltak olvasási szövegek alkalmazott kínai ideográfiai ( kanji ).

Így a Kegon Engi Emaki ötvözi a szövegrészeket, amelyeket maximum könnyen olvasható szótagokkal írnak, és az illusztrációkat, amelyek párbeszédet mutatnak a hangszórók mellé írt karakterek között, és ez a technika a korabeli képregényekhez hasonlítható. Az e-maki cselekménye, a két koreai pap élete, akik megalapították a Kegon szektát, gyorsan felpörögnek, és tele vannak fantasztikus bravúrokkal, például utazással az óceánkirály palotájába, és egy megható anyatörténettel.

Egy konzervatívabb értelemben vett mű Murasaki Shikibu naplójának illusztrált változata . A regény e-maki változatai továbbra is készültek, de a nemesség, amely ráhangolódott a realizmus iránti új érdeklődésre, mégis nosztalgiázott a gazdagság és a hatalom elmúlt napjaiban, újjáélesztette és illusztrálta a naplót, hogy visszaszerezze a szerző korának pompáját. Az egyik legszebb rész illusztrálja azt az epizódot, amelyben Murasaki Shikibut két fiatal udvaronc tartja játékosan fogva a szobájában, miközben kint holdfény ragyog a császári kert patakja mohos partján.

Muromachi művészet

A Muromachi -korszak (1338–1573) alatt, amelyet Ashikaga -korszaknak is neveznek, a japán kultúrában mélyreható változás történt. Az Ashikaga klán átvette az irányítást a sógunátus felett, és székhelyét visszahelyezte Kiotóba, a város Muromachi negyedébe . A kormányzat visszatérésével a fővárosba a kamakurai időszak népszerűsítő irányzatai véget értek, és a kulturális kifejezés arisztokratikusabb, elitistabb jelleget öltött. A zen -buddhizmus, a Ch'an szekta, amelyet hagyományosan Kínában alapítottak a 6. században, másodszor is bevezették Japánba, és gyökeret vert.

Karesansui, Ryōan-ji , Kiotó

Festészet: A világi vállalkozások és a Zen templomok által szervezett kereskedelmi missziók miatt Kínába sok kínai festményt és műtárgyat importáltak Japánba, és mélyen befolyásolták a zen templomok és a sógunátusoknál dolgozó japán művészeket. Ez az import nemcsak megváltoztatta a festészet tárgyát, hanem a színhasználatot is; a Yamato-e élénk színei engedtek a kínai stílusú festészet monokrómjainak , ahol a festmények általában csak fekete-fehér vagy egyszínű különböző tónusúak.

A korai Muromachi-festészetre jellemző, hogy Kao papfestő ( aktív 15. század eleje) ábrázolja a legendás Kensu ( kínaiul Hsien-tzu) szerzetest, amikor elérte a megvilágosodást. Ez a fajta festés gyors ecsetvonásokkal és minimális részletességgel készült. A harcsa fogása tökkel (15. század eleje, Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto), Josetsu papfestő (aktív 1400 körül) fordulópontot jelent Muromachi festményénél. Eredetileg alacsonyan álló képernyőhöz készült, és függő tekercsként helyezték vissza, a fenti kortárs személyek felirataival, amelyek közül az egyik az új stílusú festményre utal. Az előtérben egy embert ábrázolnak a patak partján, aki egy kis tököt tart, és egy nagy, csúszós harcsát néz. A köd betölti a középutat, és a háttérhegyek messze vannak. Általában feltételezik, hogy az 1413 körül készült festmény "új stílusa" a képsíkon belüli mélyebb tér érzetére utal.

A Muromachi-kor legjelentősebb művészei Shūbun és Sesshū papfestők . Shūbun, a kiokói Shōkoku-ji templom szerzetese a Reading in a Bamboo Grove (1446) című festményen valósághű tájat teremtett , mély recesszióval az űrben. Sesshū, a korabeli művészek többségével ellentétben, Kínába utazhatott, és a kínai festészetet tanulmányozhatta a forrásánál. A Négy évszak tája ( Sansui Chokan ; kb. 1486) Sesshu egyik legkiválóbb alkotása, amely a négy évszakon keresztül folytatódó tájat ábrázolja.

Azuchi-Momoyama művészet

Himeji kastély , 1580-1609-ben épült

Az Azuchi – Momoyama időszakban (1573–1603) sorozatos katonai vezetők, mint Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi és Tokugawa Ieyasu , megpróbáltak békét és politikai stabilitást megteremteni Japánban a majdnem 100 éves hadviselés korszaka után. Oda, kiskorú főispán 1568 -ban elég hatalmat szerzett ahhoz, hogy ténylegesen átvegye az irányítást a kormány felett, és öt évvel később kiszorítsa az utolsó Ashikaga shōgun -t. Hideyoshi átvette a parancsnokságot Oda halála után, de az öröklődő uralom létrehozására irányuló terveit Ieyasu meghiúsította, aki 1603 -ban létrehozta a Tokugawa sógunátust .

Cypress Trees Byōbu , összecsukható képernyő Kanō Eitoku , 1590

Festészet: A Momoyama -korszak legfontosabb festészeti iskolája a Kanō iskola volt , és a korszak legnagyobb újítása a Kanō Eitoku által kifejlesztett képlet volt, amely monumentális tájképeket teremtett a helyiséget körülvevő tolóajtókon. A díszítés a fő szoba, kertre néző, a Juko-ben , egy subtemple a Daitokudzsi (Zen templom Kyoto), talán a legjobb fennmaradt példája Eitoku munkáját. Hatalmas ume -fa és ikerfenyők vannak ábrázolva, párhuzamosan csúszó szitákon, átlósan ellentétes sarkokban, törzsük megismétli a sarokoszlopok függőlegességeit, és ágaik balra és jobbra nyúlnak, egyesítve a szomszédos paneleket. Eitoku képernyője, a kínai oroszlánok , szintén Kiotóban, felfedi a szamurájok által kedvelt, merész, élénk színű festési stílust.

Hasegawa Tōhaku , az Eitoku kortársa némileg más és dekoratívabb stílust alakított ki a nagyméretű szitaképekhez . Az ő Maple képernyő (楓図), most a templomban Chishaku-in ( ja:智積院), Kyoto, letette a törzs a fa a közepén, és kiterjesztette a végtagok szinte a szélén a készítmény, ami egy laposabb, kevésbé építészeti jellegű munka, mint az Eitoku, de vizuálisan gyönyörű festmény. Hatszeres paravánja , a Pine Wood (松林 図), a ködbe burkolózó fák ligetének monokróm tintával történő mesteri ábrázolása .

Az Edo -kor művészete

Szélisten és Mennydörgésisten , Tawaraya Sōtatsu , 17. század

A Tokugawa sógunátus 1603 -ban vitathatatlanul megszerezte a kormány feletti uralmat azzal a kötelezettségvállalással, hogy békét, gazdasági és politikai stabilitást hoz az országba; nagymértékben sikeres volt. A sógunátus 1867 -ig fennmaradt, amikor kapitulálni kényszerült, mert nem tudott megbirkózni a nyugati nemzetek nyomásával, hogy megnyitja az országot a külkereskedelem előtt. Az Edo -időszak egyik meghatározó témája a sógunátus elnyomó politikája és a művészek megpróbálták elkerülni ezeket a megszorításokat. Ezek közül a legfontosabb az ország külföldiek elől való bezárása és kultúrájuk elsajátítása volt, valamint szigorú magatartási kódexek bevezetése, amelyek az élet minden területére, a viselt ruhára, a házas személyre, valamint azokra a tevékenységekre vonatkoztak, amelyeket lehet vagy kellene nem folytatni.

Az Edo -korszak első éveiben azonban a Tokugawa -politika teljes hatása még nem volt érezhető, és Japán építészetben és festészetben a legkiválóbb kifejezései születtek: a kiotói Katsura -palota , valamint Tawaraya Sōtatsu , az ország úttörőjének festményei. Rinpa iskola .

Circuit stílusú japán kert Koraku-en az Okayama , elkezdődött 1700-ban

Fából készült blokknyomtatás: A fagerendás nyomatokat eredetileg a buddhista szentírások fordítására használták a nyolcadik században Japánban. A fagerendás nyomtatás abból áll, hogy a képeket vagy képeket egy fadarabra gravírozzák, amelyet egy papírra nyomnak. A nyolcadik században a fából készült blokkot a nyomtatott szöveg reprodukálásának kényelmes módjának tekintették, amíg további újítások lehetővé tették a színek papírra történő lefordítását vagy más néven Nishik-e nyomatokat. A fatömbnyomtatás volt a szokásos nyomtatási módszer a tizenegyediktől a XIX. A Nishiki-e nyomatok olyan termékeket állítottak elő, mint például naptárak, amelyeket az Edo időszakban általában értékesítettek a társadalom gazdag tagjainak. Az Edo -korban ezek a nyomatok jeles színészek eseményeit és jeleneteit ábrázolták. Az Ukiyo -t a fapadlónyomtatással hozták kapcsolatba a korai Edo -időszakban. Ezek az Ukiyo festmények a társadalom prominens tagjainak mindennapi életét ábrázolták. Ukiyo először úgy kezdte, hogy a kézzel faragott tekercsek normális közemberként ábrázolták az életet.

Építészet: A Katsura családi palota , amelyet Genji palotájának utánzatában építettek fel , olyan épületeket tartalmaz, amelyek a klasszikus japán építészet elemeit ötvözik innovatív újratelepítésekkel. Az egész komplexumot egy gyönyörű kert veszi körül, ahol sétálhatnak. Sok erőteljes daimyó (feudális ura) körzeti stílusú japán kertet épített az ország területén, és versenyeztek a szépségért.

Festmény: A Sōtatsu kiváló dekoratív stílust fejlesztett ki azzal, hogy újraalkotott témákat a klasszikus irodalomból, ragyogó színű figurákat és motívumokat használva a természeti világból, aranylevelű háttérrel. Egyik legszebb darabjai a pár képernyők a hullámok Matsushima a szabadabb Galéria Washington DC Egy évszázaddal később, Korin átdolgozott Sōtatsu stílusa és létrehozott vizuálisan gyönyörű alkotások egyedülállóan sajátja. Talán a legfinomabbak a vörös és fehér szilvavirágok szitafestményei .

Szobor: Enkū buddhista szerzetes 120 000 buddhista képet faragott durva, egyedi stílusban.

A jelenkor három szépsége , Utamaro , c.  1793
A nyomtatott Red Fuji a Hokusai Harminchat nézete Fuji hegyről sorozatából
Hirtelen zuhany az Atake hídnál , Hiroshige , 1856

Ukiyo-e és nanga (bunjinga): Az iskola művészeti legismertebb a Nyugat, hogy a ukiyo-e festmények és woodblock nyomatok a demimonde, a világ a kabuki színház és az öröm kerületek . Az Ukiyo-e nyomatokat a 17. század végén kezdték gyártani; 1765 -ben Harunobu készítette az első polikróm nyomatot . A következő generációs nyomdai tervezők, köztük Torii Kiyonaga és Utamaro , elegáns és néha éleslátó ábrázolásokat készítettek a kurtizánokról.

A 19. században Hokusai és Hiroshige voltak az uralkodó figurák , utóbbi a romantikus és kissé szentimentális tájképek megalkotója. Azok a furcsa szögek és formák, amelyeken keresztül Hiroshige gyakran nézte a tájat, valamint Kiyonaga és Utamaro munkássága, hangsúlyozva a lapos síkokat és az erős lineáris körvonalakat, mély hatással volt olyan nyugati művészekre, mint Edgar Degas és Vincent van Gogh . A nyugati múzeumokban tartott műalkotásokon keresztül ugyanezek a nyomdászok később erőteljes hatást gyakorolnak a korai modernista költők, például Ezra Pound , Richard Aldington és HD által használt képekre és esztétikai megközelítésekre.

Az ukiyo-e-vel korabeli festészeti iskola a nanga , vagyis a bunjinga, a kínai tudós-festők által készített festményeken alapuló stílus. Ahogy az ukiyo-e művészek úgy döntöttek, hogy a Tokugawa sógunátus szigorúságán kívüli élet figuráit ábrázolják, a bunjin művészek a kínai kultúra felé fordultak. Ennek a stílusnak a példái Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden és Yamamoto Baiitsu ( ja: 山 本 梅 逸).

Kerámia

Főbb cikkek: japán kerámia és porcelán, valamint japán exportporcelán

A hagyományos, többnyire kőből készült stílusok Japán számos részén folytatódtak, de a japán kerámiák az Edo -korszak kezdete körül átalakultak, nagy mennyiségű koreai fazekas beáramlása miatt, akiket a japán koreai invázió során elfogtak vagy rábeszéltek az emigrációra. 1590 -es évek . Ezek közül sokan a déli Kyushu szigeten telepedtek le , és magukkal hozták a japán noborigama elnevezésű kínai stílusú kamrás hegymászó kemence változatainak tapasztalatait , amelyek lehetővé tették a magas hőmérsékletet pontosabb szabályozással. 1620 körül felfedezték a kaolinit lerakódásait , és Japánban kezdtek először porcelánt készíteni. A korai pékáru (az úgynevezett „korai Imari”) viszonylag kicsi, és utánozta a kínai máz alatti kék-fehér porcelán , amelyet Japánban már importálja egy ideig.

A porcelánipar nagymértékben kibővült az 1650 -es évek végén, mivel a kínai ipar polgárháborús összeomlása nagyon nagy megrendelésekhez vezetett a kínai kereskedőktől és a holland Kelet -indiai Társaságtól , addig a kereskedők csak Japánban folytathattak üzletet. A japán exportporcelán első nagy korszaka körülbelül az 1740 -es évekig tartott, és a japán porcelán nagy részét exportra készítették, főleg Európába, de Japán nyugati és déli részén található iszlám világba is.

Lakkszerek:

Fő cikk: Japán lakkeszközök

A gazdaság és a kultúra fejlődésével javult a lakkozott bútorok művészi minősége. Hon'ami Kōetsu és Ogata Kōrin a Rinpa festőiskola terveit hozta lakkgyártmányba . Az Edo-korszak közepe után a hordozható gyógyszertárolók inróját pompásan díszítették maki-e-vel és radennel , és népszerűvé vált a szamurájosztály és a chōnin- osztály gazdag kereskedői körében , az Edo-korszak végén pedig praktikus kiegészítőkről művészeti gyűjteményekre vált. A lakktermékek exportja az Azuchi-Momoyama időszakot követően is folytatódott. Marie Antoinette és Maria Theresa ebben az időszakban a japán lakkgyüjtők gyűjtőjeként ismertek.

A háború előtti művészet

További információ: Meidzsi (korszak) § Art

Amikor Japán császára 1868 -ban visszaszerezte az uralkodó hatalmat, Japánt ismét új és idegen kultúraformák támadták meg. A háború előtti időszakban a nyugati kulturális értékek bevezetése a japán művészetben, valamint a kultúra szinte minden más területén kettősséghez vezetett a hagyományos értékek és a különböző ütköző új ötletek sokszorosítására és asszimilálására tett kísérletek között. Ez a felosztás a 20. század végén is nyilvánvaló maradt, bár addigra már sok szintézis történt, és nemzetközi kulturális légkört teremtett, és a japán kortárs művészetet egyre innovatívabb formák felé ösztönözte.

A kormány aktívan érdeklődött a művészeti exportpiac iránt, és népszerűsítette a japán művészeteket a világkiállításokon , kezdve az 1873 -as bécsi világkiállítással . A vásárok jelentős finanszírozása mellett a kormány tevékeny szerepet vállalt Japán kultúrájának bemutatásában a világnak. Létrehozott egy félig állami vállalatot-a Kiritsu Kosho Kaisha-t (Első Ipari Gyártó Vállalat)-a művészeti export előmozdítására és kereskedelmi forgalomba hozatalára, és létrehozta a Hakurankai Jimukyoku-t (Kiállítási Iroda) a minőségi előírások fenntartása érdekében. Az 1876 -os Philadelphiai Centennial Nemzetközi Kiállításra a japán kormány létrehozott egy centenáriumi irodát, és külön követet küldött, hogy biztosítson helyet a megjelenítendő 30 000 elemnek. A császári háztartás aktívan érdeklődött a kézművesség iránt is, munkákat ("bemutatóeszközöket") rendelt ajándékba külföldi méltóságok számára. 1890 -ben létrehozták a Teishitsu Gigeiin ( Artist to the Imperial Household ) rendszert a kiváló művészek elismerésére; hetven nevezték 1890-től 1944 Ezek között volt a festő és lakk művész Shibata Zeshin , ceramicist Makuzu Kozan , festő Hashimoto Gaho és cloisonné zománc művész Namikawa Yasuyuki .

  • Byōbu Sárkány és tigris (竜 虎 図), bal oldal, 1895, Hashimoto Gahō

  • Byōbu Sárkány és tigris jobb oldala, 1895, Hashimoto Gahō

Ahogy a nyugati import népszerűvé vált, a japán művészet iránti kereslet csökkent Japánon belül. Európában és Amerikában a japán művészet új elérhetősége elbűvölte a japán kultúrát; Európában Japonisme néven ismert őrület . A császári pártfogás, az állami szponzorálás, az új közönség előléptetése és a nyugati technológia együttesen elősegítik a japán művészi innováció korszakát. A dekoratív művészetben a japán művészek elérték a technikai kifinomultság új szintjét.

Manapság Masayuki Murata több mint 10 000 Meidzsi -művet birtokol, és az egyik leglelkesebb gyűjtő. Ettől kezdve a Meiji Art kiváló alkotásainak nagy részét külföldi gyűjtők vásárolták meg, és csak néhányuk maradt Japánban, de mivel sok művet vásárolt vissza külföldről, és megnyitotta a Kiyomizu Sannenzaka Múzeumot , a Meidzsi tanulmányozása és átértékelése A művészet gyorsan fejlődött Japánban a 21. század után. Nasser Khalili egyben a világ egyik legelkötelezettebb meidzsi művészeti gyűjtője, és gyűjteménye a meidzsi művészet számos kategóriáját öleli fel. A japán császári család birtokában vannak a Meiji Art kiváló alkotásai is, amelyek egy részét az államnak adományozták, és ma a Birodalmi Gyűjtemények Múzeumában tárolják .

Építészet és kert

Murin-an kertje, Jihei Ogawa tervezte 1894–1898-ban

A 20. század elején az európai művészeti formákat jól bevezették, és a házasságuk olyan nevezetes épületeket hozott létre, mint a tokiói pályaudvar és a National Diet Building, amelyek még ma is léteznek. Tokyo Station, Giyōfū építészetű épület , tele téglával és ál-európai stílussal. Ez az építési stílus a városi területeken épült.

Jihei Ogawa számos művészi új japán kertet épített .

Festmény

Kume úr [Kume Keiichiro], Kuroda Seiki , Kuroda Kinenkan

A japánok első válasza a nyugati művészeti formákra a nyitott szívű elfogadás volt, és 1876- ban megnyílt a Technológiai Művészeti Iskola ( ja: 工部 美術 学校), amely olasz oktatókat alkalmazott a nyugati módszerek oktatására. A második válasz az ellentétes irányú ingalendítés volt, amelynek élén Okakura Kakuzō és az amerikai Ernest Fenollosa állt , akik arra buzdították a japán művészeket, hogy tartsák meg a hagyományos témákat és technikákat, miközben a kortárs ízlésnek jobban megfelelő alkotásokat alkossanak . Ez volt az a stratégia, amely végül a japán művészet befolyását kiterjesztette Kalkuttába, Londonba és Bostonba az első világháború előtti években . E két, Európából és Kelet-Ázsiából származó művészeti elmélet pólusából alakult ki a joga ("nyugati stílusú festészet") és a Nihonga ("japán festészet"), amelyek fenntartották a valutát.

Zománcok

Virág- és madármintás váza, Namikawa Yasuyuki

A Meiji -korszakban a japán cloisonné zománc technikai csúcsot ért el, és minden eddiginél fejlettebb tárgyakat állított elő. Az 1890 és 1910 közötti időszakot a japán zománcok "aranykorának" nevezték. A művészek pasztákkal és az égetési eljárással kísérleteztek, hogy egyre nagyobb zománctömböket állítsanak elő, kevesebb kloónusra (fémszalagok). Így a zománcok inkább képi közeggé váltak, a hagyományos festményekhez hasonló vagy azokból készült mintákkal. Népszerűvé váltak a Japánra jellemző dizájnú zománcok, amelyekben virágokat, madarakat és rovarokat használtak témaként. Különösen Namikawa Yasuyuki és Namikawa Sōsuke műveit állították ki a világ vásároin, és számos díjat nyertek. A két Namikawa mellett az Ando Cloisonné Company számos kiváló minőségű cloisonne-t készített. A japán zománcokat a tervezés és a színezés új eredményeinek köszönhetően páratlannak tekintették.

Lakkszerek

Maki-e Fuji Tagonoura , Shibata Zeshin , 1872

A Meiji -korszakban újból érdeklődés mutatkozott a lakk iránt, amikor a művészek új terveket dolgoztak ki, és új textúrákkal és kivitelezésekkel kísérleteztek. A Maki-e (a lakk díszítése arany vagy ezüst porral) volt a legelterjedtebb technika a minőségi lakktermékek számára ebben az időszakban. Shibata Zeshin lakkos volt, aki a Bakumatsutól a Meidzsi -korszakig szerzett műveivel nagy hírnevet szerzett . Az Edo időszakban létrehozott Shibayama és Somada nevű lakktermékek népszerűek lettek a mutatós stílusuk miatt, arany, ezüst, kagyló, elefántcsont, valamint színes fém és üveg berakással, és ebben az időszakban érte el csúcspontját. A japán műhelyekből származó lakkot elismerték, hogy technikailag felülmúlja a világon bárhol előállíthatót.

Fém munka

Koro , ezüst, nemesfémekkel és hegyikristályokkal díszítve, 1890

A Meidzsi -kor kezdetén a japán fémmunkák szinte teljesen ismeretlenek voltak az országon kívül, ellentétben a korábban exportált lakkal és porcelánnal. A fémmegmunkálás kapcsolódott a buddhista gyakorlathoz, például a bronz templomi harangokhoz és füstölő üstökhöz való felhasználásakor, így kevesebb lehetőség nyílt a fémfeldolgozók számára, miután a buddhizmust államvallássá tették. A nemzetközi kiállítások japán öntött bronzt hoztak új külföldi közönségnek, erős dicséretben. A szamuráj fegyverek múltja a japán fémmegmunkálókat arra használta fel, hogy sokféle színben fémes felületeket hozzanak létre. A réz, az ezüst és az arany különböző arányú kombinálásával és befejezésével speciális ötvözeteket hoztak létre, beleértve a shakudót és a shibuichit . Ezzel a különféle ötvözetekkel és felületekkel a művész a színes dekoráció benyomását keltheti.

Elefántcsont faragás

Virágkosár . 1900 körül, Meidzsi -korban . Khalili japán művészeti gyűjtemény .

A Meidzsi -korban a japán ruhák nyugatiasodni kezdtek, és csökkent a kimonót viselő emberek száma, így a mesteremberek, akik elefántcsonttal és fával készítettek netsuke -ot és kiserut , elvesztették keresletüket. Ezért megpróbáltak új mezőt létrehozni, elefántcsont -szobrokat a belsőépítészethez, és sok kidolgozott alkotást exportáltak külföldre, vagy a császári család vásárolt meg . Különösen Ishikawa Komei és Asahi Gyokuzan munkái nyertek dicséretet Japánban.

Porcelán és cserép

Cserép tálban a Yabu Meizan , cca 1910

A Meidzsi -kor technikai és művészeti újításai a porcelánt a nemzetközileg egyik legsikeresebb japán dekoratív művészeti formává változtatták. A Satsuma edényeket eredetileg a Satsuma tartományból származó kerámiának nevezték el , aranyosan és zománcozva. Ezeket az árukat nyugaton nagyon dicsérték. Nyugaton jellegzetesen japánnak tekintve ez a stílus valójában sokat köszönhet az importált pigmenteknek és a nyugati hatásoknak, és az exportot szem előtt tartva hozták létre. Sok város műhelyei versenyeztek, hogy ezt a stílust előállítsák, hogy kielégítsék az európai és amerikai igényeket, gyakran gyorsan és olcsón. Tehát a "Satsuma ware" kifejezést nem a származási hellyel, hanem a tisztán exportra létrehozott gyengébb minőségű áruval hozták kapcsolatba. Ennek ellenére az olyan művészek, mint Yabu Meizan és Makuzu Kōzan, a legmagasabb művészi színvonalat tartották fenn, miközben sikeresen exportáltak. 1876 ​​és 1913 között Kōzan 51 kiállításon nyert díjat, köztük a világkiállításon és a Nemzeti Ipari Kiállításon.

Textíliák

Japán összetett képzeletbeli nézete: selyem textil alkotás

Az Encyclopædia Britannica 1902 -es kiadása ezt írta: "Japán dekoratív zsenialitása az iparművészet egyik ágában sem mutat vonzóbb eredményeket, mint a textilszöveteké, és egyikben sem történt szembetűnőbb fejlődés az elmúlt években." Nagyon nagy, színes képmunkákat készítettek Kiotóban. A hímzés önálló művészeti formává vált, számos képi technikát alkalmazva, mint például a chiaroscuro és a légi perspektíva .

A háború utáni időszak művészete

Közvetlenül Japán 1945-ös második világháborús vereségét követően nagyszámú japán művész esett a Japán Kommunista Párt befolyása alá, vagy akár csatlakozott hozzájuk, amelyet az Egyesült Államok által vezetett japán katonai megszállás után, több éves elnyomás után legalizáltak. a háború előtti és háborús japán rendőrség. Ennek oka a kommunista párt sikere volt, amikor a háború utáni korai években elismerték azt a felfogást, hogy a párt volt az egyetlen csoport Japánban, amely ellenállt a háborús militarizmusnak. Ezenkívül a japán "élcsapat" (前衛, zen'ei ) szó, mint a "kommunista forradalom élcsapata", történetesen ugyanaz a szó, amelyet az "avantgárd" kifejezésre használnak, mint a művészi avantgárdra. A Japán Kommunista Párt hamarosan uralni kezdte a japán nagy művészeti társaságokat és kiállításokat, így a háború közvetlen utáni uralkodó művészeti forma a szocialista realizmus volt, amely a szegények és a munkásosztály nemességét ábrázolta. összhangban van a kommunista párt tanával, miszerint minden művészetnek a forradalom ügyének előmozdítását kell szolgálnia. 1952-ben a Kommunista Párt még olyan művészeket is elrendelt a hegyekbe , mint Hiroshi Katsuragawa és az újonnan alakult Avant-Garde Art Association többi tagja (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukai ), hogy szocialista realista művészetet állítsanak elő a "hegyi gerillák" támogatására. osztagok ", amelyek erőszakos forradalmat akartak előidézni Japánban.

Az 1950 -es évek: Szabadulni a szocialista realizmustól

Az 1950 -es évek folyamán sok japán művész egyre jobban kiábrándult a "művészet" merev és korlátozott definíciójából, amelyet a kommunista párt érvényesített. Mivel azonban a kommunista párt tagjai és támogatói továbbra is túlsúlyban vannak a művészeti társaságok és a kiállítási zsűrik vezető rangjában, a művészek rendkívül nehezen tudták még művészetüket is megmutatni, ha nem felelnek meg a párt irányelveinek. Néhány művész tartózkodott a hivatalos nyilvános kiállításoktól. Mások elismerést, anyagi támogatást és lehetőségeket kerestek művészetük tengerentúli bemutatására, például az 1954 -ben alapított Gutai konceptuális művészek csoportja . Még más művészek is igénybe vették azt a néhány, Japánban nem hagyott, független, független tárlatot, mint például a Yomiuri Indépendant A Yomiuri Shinbun által támogatott kiállítás , amelyre bárki beléphet.

Az utolsó csepp a pohárban az 1960-as hatalmas Anpo-tiltakozás volt az amerikai-japán biztonsági szerződés ellen ( japánul " Anpo " néven ) az állítólag "élcsapat" kommunista párt rendkívül passzív szerepe miatt. a szerződés, a vádaskodások köre a kommunista párt és a szocialista realista művészet iránti további kiábrándultsághoz vezetett, ami miatt sokkal több művész szakadt el a párt befolyásától.

Az 1960 -as évek: Új műfajok robbanása

A szocialista realizmus dominanciájának elhalványulásával a hatvanas években új művészeti formák robbanása volt megfigyelhető Japánban, miközben a művészetek új irányokba tágultak, amelyeket legjobban "posztmodernnek" nevezhetnénk. Az olyan művészi kollektívák, mint a Neo-Dada Organizers , a Zero Dimension és a Hi-Red Center olyan fogalmakat fedeztek fel, mint a "nem művészet" és az "anti-art", és különféle merész "eseményeket", "eseményeket" és egyéb formákat vezettek. a művészet és a mindennapi élet közötti határok lerombolására tervezett performanszművészet. A Mono-ha csoport hasonlóan feszegette a művészetet, a teret, a tájat és a környezetet elválasztó határokat. Más művészek, mint például Tadanori Yokoo grafikus , az 1960-as évek ellenkultúrájából és a felnőttorientált manga- képregény új formáinak robbanásából merítettek ihletet . Az előadóművészet, Tatsumi Hijikata elsőként egy új formája a posztmodern tánc neve butoh és drámaírók, mint Juro Kara és Satō Makoto létre a Angura stílus radikális „underground” színház. A fotózásban pedig olyan fotográfusok, mint Daidō Moriyama, úttörő szerepet játszottak a háború utáni fotózás egy rendkívül befolyásos új iskolájában, amely a spontaneitást hangsúlyozta a gondosan megszerkesztett kompozíció helyett, és megünnepelte a " are, bure, bokeh " (szó szerint "durva, homályos, élességtelen ") jellemzőit. .

Az új típusú művészetek elterjedését támogatta Japán hatvanas éveinek óriási növekedése, amelyet " japán gazdasági csodaként " emlékeztek meg . Az 1960 -as évek folyamán a japán gazdaság évente több mint 10% -kal nőtt. A jólét növekedése új fogyasztói csoportot hozott létre, akik megengedhették maguknak, hogy pénzt költsenek a művészetre, és támogassák a különböző típusú művészeteket és művészeket. Japán újkori történelmében először életképessé vált, hogy jelentős számú művész pusztán művészetének eladásából éljen meg. Az 1960-as évek japán építési fellendülése, amely kiegyenlítette a régi fa-papír hagyományos japán építészetet, és csillogó üveg- és acél-megavárosokkal helyettesítette, segített inspirálni a japán építészet vadonatúj iskoláit, mint például a Metabolizmus (építészet) mozgalom írta Kenzō Tange , amely bátran kiszabadult a hagyományos modellekből és befolyásosnak bizonyult szerte a világon.

Ugyanakkor a művészeti világot továbbra is a klikkek uralták, amelyek bizonyos (általában férfi) művészek munkáit népszerűsítették másokkal szemben. Mivel a japánok sokkal könnyebben utazhattak a tengerentúlra a hatvanas években, egyes női művészek, mint Yayoi Kusama és Yoko Ono , jobb fogadtatást találtak a tengerentúlon, és megfosztották őket olyan művészeti központoktól, mint London, Párizs és New York, ahogy sok férfi művész is. jól.

A japán művészet új formáinak diadalát az 1970-es Osaka Világkiállításon erősítették meg , ahol avantgárd és konceptuális művészek tucatjait alkalmazták pavilonok és művészeti élmények tervezésére a vásárlátogatók számára. A japán avantgárd művészet világméretűvé vált, és még a konzervatív kormány is büszkén mutatta be a világnak.

Az 1970 -es és 1980 -as évek: Lovaglás a gazdasági buborékon

Az 1970 -es és 1980 -as években a japán művészet az 1950 -es és 1960 -as években megkezdett számos irányban folytatódott, de gyakran sokkal nagyobb költségvetéssel és drágább anyagokkal. Ahogy Japán gazdasága gyorsan bővült, és végül a történelem egyik legnagyobb gazdasági buborékává nőtte ki magát . Miután a japán valuta hihetetlenül erős lett az 1985 -ös Plaza Accord nyomán, a japán magánszemélyek és intézmények a nemzetközi művészeti piac meghatározó szereplőivé váltak. A rendkívül gazdag japán megavállalatok elkezdték saját magán művészeti múzeumok építését, valamint modern és kortárs művészeti gyűjtemények megszerzését, és ezekből a kiadásokból a japán művészek is nagy hasznot húztak.

Különösen a művészi produkció folytatta a hagyományos festészet és szobrászat irányából a grafikai tervezés , a pop művészet , a viselhető művészet , az előadóművészet , a konceptuális művészet és az installáció irányába mutató irányzat eltávolodását . A "hibrid" művészet különféle típusai egyre inkább divatba kerültek. A technológia fejlődésével a művészek egyre inkább beépítették művészetükbe az elektronikát, a videót, a számítógépeket, a szintetizált zenét és hangokat, valamint a videojátékokat. A manga és az anime esztétikája , amelybe oly sok fiatalabb művész nőtt fel, elmerülve, növekvő, de néha egészen finom hatást gyakorolt. A művészek mindenekelőtt a személyes, az eklektikus, a fantasztikus vagy a fantasmagoricus és a játékos javára kerültek minden „magas művészetet” vagy „képzőművészetet”. A kiadásban a női művészek, mint például Mika Yoshizawa, egyre jobban elfogadták és támogatják a japán művészeti világot.

Kortárs művészet Japánban

A japán kortárs művészet annyi formát ölt és annyi különböző elképzelést fejez ki, mint a világméretű kortárs művészet általában. A reklámoktól, az animéktől, a videojátékoktól és az építészettől kezdve, amint azt már említettük, a szobrászaton, festészeten és rajzon, számtalan formában. A japán művészek különösen figyelemre méltó módon járultak hozzá a globális kortárs művészethez az építészet, a videojátékok, a grafikai tervezés, a divat és talán mindenekelőtt az animáció területén. Míg az anime eleinte elsősorban manga -történetekből származott, manapság sokféle anime bővelkedik, és sok művész és stúdió művészként nagy hírnévre tett szert; Hayao Miyazaki, valamint a Studio Ghibli művészei és animátorai általában az anime világ legjobbjai közé tartoznak.

Ugyanakkor sok japán művész továbbra is a hagyományos japán művészeti technikákat és a modern korokból örökölt anyagokat használja, például a japán papír és kerámia hagyományos formáit, valamint fekete és színes tintával papírra vagy selyemre festést. Ezeknek a műveknek egy része hagyományos témákat ábrázol hagyományos stílusokban, míg mások új és különböző motívumokat és stílusokat tárnak fel, vagy hagyományos médiumok vagy anyagok felhasználásával készítenek hagyományos és kortárs művészeti formák hibridjeit. Megint mások kerülik a natív médiát és stílusokat, beleértve a nyugati olajfestékeket vagy bármilyen más formát.

A szobrászatban ugyanez a helyzet; néhány művész ragaszkodik a hagyományos módokhoz, van, aki modern hangulattal teszi ezt, és van, aki nyugati vagy vadonatúj módokat, stílusokat és médiát választ. Yo Akiyama csak egy a sok modern japán szobrász közül. Elsősorban agyagkerámiával és kerámiával foglalkozik, olyan műveket készít, amelyek nagyon egyszerűek és egyértelműek, úgy néz ki, mintha magából a földből lettek volna létrehozva. Egy másik szobrász vasból és más modern anyagokból építtetett egy nagy modern művészeti szobrot az izraeli Haifa kikötővárosban , Hanabi (tűzijáték) néven. Nahoko Kojima kortárs Kirie -művész, aki úttörő szerepet játszott a 3D -ben lógó papírvágásos szobrászat technikájában.

Takashi Murakami vitathatatlanul az egyik legismertebb japán modern művész a nyugati világban. Murakami és a stúdió többi művésze olyan stílusban készít darabokat, amelyeket az anime ihletett, amelyet " superflat " -nak nevezett el . Darabjai sokféle formát öltenek, a festéstől a szobrászatig, némelyik valóban hatalmas méretű. De a legtöbb, ha nem mindegyik nagyon világosan mutatja ezt az anime hatást, élénk színeket és egyszerűsített részleteket használva.

Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano és Tabaimo jelentős művészeknek számítanak a kortárs japán művészet területén. A Group 1965 művészcsoport, tagjainak számít Makoto Aida kortárs művész .

Előadóművészet

A japán zene, a tánc és a színház számos hagyományos formája fennmaradt a kortárs világban, némi népszerűségnek örvendve a japán kulturális értékekkel való újraegyesítés révén. Noh , Kabuki és bunraku színház drámai előadásaiban megőrizték a hagyományos zenét és táncot, amelyek eredetét az ősi vallásos használathoz vezetik - buddhista , shintó és népi . A kontinentális forrásokból származó ősi udvari zenét és táncformákat a császári háztartási zenészek, valamint a templomi és szentélyi csoportok őrizték. Néhány legrégebbi hangszer a világon már folyamatos használat Japánban a Jomon időszak , ahogyan azt a leletek kőből és agyagból fuvolák és citera , amelynek kettő és négy húr, amelyhez Yayoi időszak fém harangok és gongok adunk korai zenei együtteseket hoz létre. A korai történelmi időszakban (6. és 7. század) számos nagy és kis dob , gong, harangszó , furulya és húros hangszer volt, mint például az importált mandolinszerű biwa és a lapos hat húros citera, amelyek fejlődtek. a tizenhárom húros kotóba . Ezek a hangszerek alkották a zenekarokat a 7. századi kontinentálisan származtatott ceremóniális udvari zenéhez ( gagaku ), amelyek a kísérő bugaku-val (az udvari tánc egy fajtája) együtt a legősibb ilyen formák, amelyeket még mindig a császári udvarban adtak elő, ősi templomok , és szentélyeket. A buddhizmus bevezette azokat a ritmikus énekeket, amelyeket továbbra is használnak, és amelyek Shigint támasztják alá , és amelyeket natív ötletekkel egyesítettek , hogy alátámasszák a vokális zene fejlődését, például a Noh -ban .

Esztétikai fogalmak

A Bodhidharma kalligráfiája: "A Zen közvetlenül az emberi szívre mutat, tekints bele a természetedbe és válj Buddhává ", Hakuin Ekaku , 17. század
Fő cikk: Japán esztétika

A japán művészetet egyedi polaritások jellemzik. A történelem előtti időszak kerámiáiban például a túláradást a fegyelmezett és kifinomult művésziség követte. Egy másik példát két 16. századi szerkezet ad, amelyek pólusok egymástól: a Katsura családi palota az egyszerűség gyakorlata, amely a természetes anyagokra helyezi a hangsúlyt, durva és nyíratlan, valamint a véletlenül elért szépség iránti vonzalom; A Nikkō Tōshō-gū mereven szimmetrikus szerkezet, tele élénk színű domborművekkel, amelyek minden látható felületet lefednek. A japán művészet, amelyet nemcsak egyszerűsége, hanem színes gazdagsága miatt is értékelnek, jelentősen befolyásolta a 19. századi nyugati festészetet és a 20. századi nyugati építészetet .

Japán esztétikai elképzelései, amelyek a különböző kulturális hagyományokból származnak, formáltak az egyedi művészeti formák előállításában. Az évszázadok során a művészi motívumok széles skálája fejlődött és finomodott, szimbolikus jelentőséggel átitatva. Mint egy gyöngy , sok jelentésréteget és nagy csillogást szereztek. A japán esztétika kulcsot nyújt a nyugati hagyományoktól származó művek érzékelhető módon eltérő megértéséhez.

A kelet -ázsiai művészeti hagyományokon belül Kína volt az elismert tanár, Japán pedig az odaadó diák. Ennek ellenére számos japán művészet kialakította saját stílusát, amely megkülönböztethető a különböző kínai művészetektől. A kínai művészeti formák monumentális, szimmetrikusan kiegyensúlyozott, racionális megközelítése kicsinyített, szabálytalan és finoman szuggesztív lett a japán kezekben. A miniatűr sziklakertek , a kicsinyítő növények ( bonsai ) és az ikebana (virágdíszek), amelyekben a kiválasztott kevesek kertet képviseltek, a kifinomult arisztokraták kedvenc törekvései voltak egy évezreden keresztül, és a kortárs kulturális élet részei maradtak.

A természetes áramlást tükröző átló, nem pedig a rögzített háromszög lett a kedvelt szerkezeti eszköz, akár festészetben, építészetben vagy kerttervezésben, tánclépésekben vagy zenei jelölésekben. Páratlan számok helyettesítik a páros számokat egy kínai mester minta szabályszerűségében, és az egyik oldalra húzás lehetővé teszi, hogy egy motívum elfordítsa a háromdimenziós objektum sarkát, ezáltal folytonosságot és mozgást biztosítva, amely hiányzik a statikus frontális kialakításból. A japán festők a vágás, a közelkép és a halványítás eszközeit a 12. századra használták a yamato-e vagy japán stílusú tekercsfestésben , talán ez az egyik oka annak, hogy a modern filmgyártás olyan természetes és sikeres művészeti forma volt Japán. Javaslatot használunk, nem pedig közvetlen kijelentést; ferde költői utalások, utaló és meggyőző dallamok és gondolatok frusztrálónak bizonyultak a nyugati számára, aki megpróbálta behatolni az irodalom, a zene, a festészet és még a mindennapi nyelv jelentését is.

A japánok legalább e 10. vagy 11. században elkezdték meghatározni az ilyen esztétikai elképzeléseket számos idéző ​​kifejezéssel. Az arisztokrata Heian -kor udvari finomításai az elegáns egyszerűséggé fejlődtek, amelyet a jó ízlés lényegének tekintenek az alázatos művészetben, amelyet shibui -nak hívnak . A zen buddhista meditatív gyakorlatokból származó két kifejezés a nyugalom fokát írja le: az egyik, az alázatos melankólia ( wabi ), a másik, a visszafogott szépség élvezetét ( sabi ) kísérő nyugalom . A zen gondolata szintén hozzájárult a váratlan vagy megdöbbentő ötvözéséhez, amely tudatosságot a megvilágosodás célja felé ráz. A művészetben ez a megközelítés olyan valószínűtlen anyagok kombinációjában fejeződött ki, mint a lakkba berakott ólom és az összeütköző költői képek. A váratlanul humoros és néha groteszk képek és motívumok is a zen kōanból (rejtvény) erednek . Bár a művészetek az Edo -korszak óta főleg világi jellegűek , a hagyományos esztétika és képzési módszerek, amelyek általában vallási forrásokból származnak, továbbra is a művészi produkciók alapját képezik.

Modern fogalmak

Ma Japán kifejlesztett egy modernebb kulturális esztétikát, amelyet gyakran társítanak a Shojo mangához , amelyet " kawaii " néven ismernek, és amely egyébként "aranyosnak" minősíthető. A kawaii -t jellemzően rajzfilmek és animációk képviselik, és erőteljes kulturális hatást fejtett ki, valamint a japán reklámok és fogyasztás erőteljes ügynöke. A "ravaszság" fogalmát, amelyet jelenleg a kawaii -ban mutatnak be, hagyományosan tisztelték a japán kultúrában, amely a 15. századi Edo művészeti időszakba nyúlik vissza.

  • Manga stílus.

  • Kawaii divat Tokióban, Japánban

  • Osaka Kawaii és Japan Expo 2014.

  • Flo Kawaii matricák.

Hagyományos esztétika

A hagyományos japán esztétika a japán kultúra szépségformái, amelyek a legkorábbi évszázadokból származnak. Legalább kétszáz évvel ezelőtt. E korai esztétikák egy része a japán esztétika egészét alkotja: szinkretikus buddhista művészet, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui és Jo-ha-Kyu.

Szinkretikus buddhista művészet

Lásd a japán buddhista építészetet .

Wabi-Sabi

" Fujisan " fehér Raku edény teacsésze ( chawan ), Hon'ami Kōetsu , Edo időszak ( Nemzeti kincs )

Ez az esztétika a japán kultúrában sok olyan dologról ismert, mint a szépség mindenben, még azok is, amelyek tökéletlenek. A szerénység és a nem mindennapi dolgok a wabi-sabi esztétika. Wabi és sabi együtt alkotják a szépség esztétikáját a hiányosságokban. Elválasztáskor mindkettő eltérő kifejezésként szolgál. A Wabi a friss, egyszerű munkát jelenti, minden bonyodalmat jelent, és nagyon rusztikus hangulata van mindennek. A természetből készült, és tandemben magából az emberből készült. Ha véletlenül készül, bizonyos egyediséget hoz a műbe. A Sabi a szépség, és hogyan származik a korral. Az életciklus nagy szerepet játszik a sabiban, és esztétikai szempontból növeli a szépérzetet azokban a művekben, amelyek az idő múlásával javuló károkat szenvednek. Amikor a wabit és a sabit összehozza, ez azt az esztétikát kelti, hogy minden egyszerű darab nem igényel bonyolult formatervezést. Az sem igényel abszolút teljességet, hogy a szépség megtalálható legyen benne, és az életkorral finomabb szépség jön.

A Wabi-sabi a japán kultúrában mindig is a teaszertartásokhoz kapcsolódott. Azt mondják, hogy ezek a szertartások mély wabi-sabi események. A Wabi-sabi olyan tevékenységekhez is kapcsolódik, mint az építészet, a divat és a filozófia. A wabi-sabi ezen részeinek mindegyike ugyanabban a témában hisz: minden tökéletlenség, például a hiányos munka, tagadhatatlanul szép. Természetesen nem mindenki támogatja a wabi-sabi mögött álló ötletet. Bár ez igaz, sokan vannak, akik életben akarják tartani a hitet annak ellenére, amit mások hisznek. Összességében a wabi-sabi nagyon figyelmes megközelítésnek tűnik a mindennapi életben. Nyugodt módja annak, hogy lássuk a dolgokat, és úgy éljünk, hogy ne ítélkezzünk. A wabi-sabi megértésekor vannak olyan kifejezések, amelyek erősen kapcsolódnak az esztétikához is.

Fukinsei: aszimmetria, szabálytalanság.
Kanso: egyszerűség.
Koko: alap, viharvert.
Shizen: színlelés nélkül, természetes.
Yugen: finoman mély kegyelem, nem nyilvánvaló.
Datsuzoku: megállapodás nélkül, ingyenes.
Seijaku: nyugalom, csend.

E kifejezések mindegyikét a wabi-sabi teljes megértésének lebontására használják. Ez inkább az egész esztétika filozófiai aspektusára vonatkozik, és arra, hogyan kell szemlélni a környezetét. Ezek több dologra is utalhatnak, beleértve az emberekben lévő elképzeléseket, az élet bizonyos aspektusai mögött húzódó témákat vagy magát a természetet. Minden kifejezés visszavezeti azt a pontot, hogy a wabi-sabi esztétika, amely a tökéletlen és hiányos apró dolgok megbecsüléséről szól.

Miyabi

Japán folyamatos történelmében a miyabi sok mindenre képes. Úgy tűnik azonban, hogy az elegancia, a szépség, a kifinomultság és az udvariasság fogalma köré összpontosul. Ezért ez az egyik legrégebbi esztétika a kultúra japán esztétikái között. Ez megmagyarázná, miért nem olyan népszerű, mint a többi, ami a miyabihoz képest újabb lehet. Ez egy olyan kifejezés, amelyet az arisztokrata kultúra kifejezésére is használnak. A Miyabi kiküszöböli a durvaság és nyersség minden formáját a kultúrából. Ez hozza létre az arisztokrata kultúra megfelelő képét és formáját. A Miyabi ezeket a változásokat idézi elő. A Miyabi gondoskodik arról, hogy a szeretet, az irodalom, az érzés és a művészet finomítását a japán kultúrában ünnepeljék. A finomítás üdvözlendő.

Shibui

Shibui kezd megérteni egy tárgyat vagy egy műalkotást, ami az. Az egyszerű és finom szépség megtalálása bizonyos dolgokban cél, amikor bizonyos terveket tervezünk vagy felülvizsgálunk. Sok szempontból a shibui nagyon hasonlít a wabi-sabi-hoz, de nem wabi-sabi. Shibui egyszerűen értékeli a tárgyakat és tárgyakat. A shibui esetében nincs komplikáció vagy irracionális gondolkodás. A japán kultúra bizonyos esztétikái szerint van néhány kifejezés Shibui vonatkozásában: a shibumi a shibui íze; A Shibusa Shibui állapota.

Mindkét kifejezés a finom, feltűnő szépségre vonatkozik. A shibui esztétika részének tekinthető számos tárgy és tárgy, nem csak művészet vagy divat. Ez is lehet emberek, állatok, dalok, filmek, több különböző típusú média is látható shibui -ként. Például egy pár cipő, egy fényképezőgép, egy moped kerékpár és számos különböző műtárgy vagy mindennapi tevékenységhez használt tárgy shibui -nak tekinthető. A shibui módja a közvetlen és egyszerű. Semmi sem felül, sem túl feltűnő.

Jo-ha-kyu

Ez egy esztétika, amely a Noh Színházból származik, és még a XIV. Japánban még ma is használják különböző művészeti formákban. Ez egy olyan mozgalom, amelyet számos különböző művészetben alkalmaztak, jo, ha és kyu az egyes dolgok mellett állva határozzák meg definícióját: jo, „kezdet”; ha, 'törés', 'repedés'; kyu: 'gyors', 'vége'

Lényegében ez az esztétika azt jelenti, hogy amikor a mozgással foglalkozó darabokról van szó, akkor a dolgoknak lassan, megfelelő felépítéssel kell kezdődniük. Majdnem olyan, mint egy történet elmesélése. Aztán ha eléri a csúcspontját, felgyorsul. Amikor eléri a végét, akkor a dolgok gyorsan felgyorsulnak, és hirtelen véget érnek.

Művészek

Művészettörténet
Keleti művészettörténet
Japán művészettörténet
Tábornok

Japán művészet Főoldal
Kategóriák
Építészet - Kalligráfia
lakk - Festészet - Fazekas
nyomatok - Szobrászat - Kardok

Történelmi időszakok

Jómon és Yayoi időszakok
Yamato időszak
Heian időszak
Kamakura időszak
Muromachi időszak
Azuchi – Momoyama időszak
Edo
időszak háború előtti időszak A
háború utáni időszak

Japán művészek

Művészek (időrendben)
Művészek - Kalligráfusok
Geisha - Festők
Szobrászok - Építészek
Fotósok - Nyomtatók

Iskolák, stílusok és mozgalmak

Iskolák kategória
buddhista művészet
Kanō - Yamato -e - Kyoto - Nanga
Rinpa - Tosa - Ukiyo -e
Tarashikomi

A Művészetek Világa

Művészeti múzeumok

Anime és Manga

Anime - Manga - Animátorok
Illusztrátorok - Manga művészek

Japán WikiProject
Egy sorozat része a
Japán kultúrája
Japán zászlaja.svg
Történelem
Emberek
Nyelvek
Hagyományok
Mitológia és folklór
Konyha
Fesztiválok
Vallás
Művészet
Irodalom
Zene és előadóművészet
Média
Sport
Műemlékek
Szimbólumok
Szervezetek

Hagyományosan a művész kifejezőeszköz volt, és személyesen tartózkodó volt, összhangban az alacsony társadalmi státusú kézműves vagy szórakoztató szerepével. A kalligráfus , a konfuciánus írói osztály, vagy a japán szamuráj osztály tagja magasabb státuszú volt, míg a nagy zsenialitású művészeket gyakran felismerték a kamakurai időszakban azzal, hogy egy feudális úrtól kaptak nevet, és így társadalmilag felemelkedtek. Az előadóművészetet azonban általában kevésbé tartották tiszteletben, és a korai Kabuki színház színésznőinek állítólagos erkölcstelensége miatt a Tokugawa -kormány eltiltotta a nőket a színpadtól; a Kabuki és Noh női szerepeit ezt követően férfiak játszották.

A második világháború után a művészek jellemzően művészeti egyesületekbe gyűltek össze, amelyek közül néhány régóta működő szakmai társaság volt, míg mások a legújabb művészeti mozgalmat tükrözték. A japán művészek League például volt felelős a legtöbb nagy kiállítás, köztük a tekintélyes éves nitten ( Japán Tárlat ). A japán PEN Club (PEN rövidítése: próza, esszé és narratíva), egy nemzetközi írói szervezet egyik ága, a harminc nagy szerzői egyesület közül a legnagyobb volt. A színészek, táncosok, zenészek és más előadóművészek saját társadalmukkal büszkélkedhettek, köztük a Kabuki Társasággal , amelyet 1987 -ben hoztak létre, hogy fenntartsák e művészet hagyományos magas színvonalát, amelyet a modern innováció veszélyeztetettnek tartott. A nyolcvanas évekre azonban az avantgárd festők és szobrászok kikerültek minden csoportot, és "független" művészek voltak.

Művészeti iskolák

Japánban számos speciális művészeti egyetem működik, amelyeket a nemzeti egyetemek vezetnek. A legfontosabb a Tokiói Művészeti Egyetem , amely az egyik legnehezebben bejárható nemzeti egyetem. Egy másik alapvető központ a Tama Művészeti Egyetem , amely Japán 20. századi késői, innovatív fiatal művészeit hozta létre. Marad a hagyományos művészeti képzés, amely a kínai hagyományos módszerekből származik; a szakértők otthonukból vagy iskolájukból tanítanak, mester-diák kapcsolaton belül. A tanuló addig nem kísérletezik személyes stílusával, amíg el nem éri a legmagasabb szintű képzést, el nem végzi a művészeti iskolát, vagy nem lesz iskolavezető. Sok fiatal művész bírálta ezt a rendszert, mint fojtogató kreativitást és egyéniséget. Az avantgárd új generációja szakított ezzel a hagyománnyal, gyakran nyugaton kapja meg képzését. A hagyományos művészetekben azonban a mester-tanuló rendszer megőrzi a múlt titkait és készségeit. Néhány mester-tanuló vonal a Kamakura-korszakra vezethető vissza, ahonnan továbbra is nagy mester stílusát vagy témáját használják. A japán művészek a technikai virtuozitást hivatásuk elengedhetetlen feltételeinek tekintik , amelyet a világ többi része a japán művészet egyik jellemzőjének ismer el.

A nemzeti kormány aktívan támogatta a művészetet az 1968 -ban az Oktatási Minisztérium különleges szerveként létrehozott Kulturális Ügynökség révén . Az ügynökség 1989 -es pénzügyi évre szóló költségvetése ötéves költségvetési megszorítások után 37,8 milliárd jenre emelkedett, de még mindig jóval kevesebb, mint az általános költségvetés 1 százalékát tette ki. Az ügynökség kulturális ügyek osztálya Japánon belül és nemzetközi szinten terjesztett információkat a művészetekről, a Kulturális Tulajdonok Védelmi Osztálya (文化 財 保護 部, most 文化 財 部) pedig a nemzet kulturális örökségét védte. A Kulturális Ügyosztály olyan területeken foglalkozik, mint a művészet és a kultúra népszerűsítése, a művészeti szerzői jogok és a nemzeti nyelv fejlesztése . Támogatja mind az országos, mind a helyi művészeti és kulturális fesztiválokat, és finanszírozza az utazó kulturális eseményeket a zenében, a színházban, a táncban, a művészeti kiállításokon és a filmkészítésben. Különdíjakat kínálnak a fiatal művészek és a gyakorlott gyakorlók ösztönzésére, és minden évben bizonyos támogatásokat adnak, hogy lehetővé tegyék külföldi képzésüket. Az ügynökség finanszírozza a nemzeti művészeti múzeumokat Kiotóban és Tokióban, valamint a Tokiói Nyugati Művészeti Nemzeti Múzeumot , amelyek japán és nemzetközi kiállításokat egyaránt bemutatnak. Az ügynökség támogatja a Japán Művészeti Akadémiát is , amely kitünteti a művészetek és levelek jeles személyeit, kinevezi őket a tagságba, és 3,5 millió ￥ nyereményt ajánl fel. A díjakat a császár jelenlétében osztják ki, aki személyesen adja a legmagasabb elismerést, a Kulturális Rendet . A Tokiói Művészeti Egyetem a korábbi években számos művészeti eseményen is aktív szerepet vállalt. Más egyetemeik is változatos tanfolyamokat foglalnak magukban.

Magánszponzorálás és alapítványok

A művészet pártfogását és a kormány általi népszerűsítését kiterjeszti, hogy új együttműködési erőfeszítéseket foglaljon magában a Japán vállalattal, hogy finanszírozást biztosítson a Kulturális Ügynökség szűkös költségvetésén túl. Sok más állami és magán intézmény is részt vesz, különösen a művészeti díjak egyre növekvő területén. Egyre több nagyvállalat csatlakozik a nagy újságokhoz kiállítások és előadások szponzorálásában, valamint éves díjak odaítélésében. A számos odaítélt irodalmi díj közül a legfontosabb a tiszteletre méltó Naoki -díj és az Akutagawa -díj , ez utóbbi az Egyesült Államokban a Pulitzer -díj megfelelője.

1989-ben a kultúrák közötti csere előmozdítására tett erőfeszítések eredményeként a Japán Művészeti Szövetség megalapította a japán művészeti Nobel-díjat , a Premium Imperiale-t . Ezt a 100 000 amerikai dolláros díjat nagyrészt a Fujisankei Communications Group tömegtájékoztatási társaság finanszírozta, és világszerte kiválasztott alapon ítélték oda.

Számos alapítvány támogatása a művészetek merült fel a 1980-as években, beleértve a kulturális javak Alapítvány létrehozott megőrzése történelmi helyek a tengerentúlon, különösen mentén a Selyemút a Belső-Ázsia és Dunhuang a kínai . Egy másik nemzetközi megállapodást kötöttek 1988-ban az Egyesült Államok Smithsonian Intézetével az ázsiai leletek csúcstechnológiai tanulmányainak kooperatív cseréje érdekében. A kormány nagy szerepet játszik a Japán Alapítvány finanszírozásában , amely intézményi és egyéni támogatásokat is biztosít, tudományos cseréket valósít meg, éves díjakat ítél oda, támogatott kiadványokat és kiállításokat, valamint hagyományos japán művészeti csoportokat küld külföldi fellépésre. A Művészeti Fesztivált, amelyet minden ősszel két hónapig tartanak minden előadóművészet számára, a Kulturális Ügynökség szponzorál. A nagyvárosok jelentős támogatást nyújtanak a művészetek számára is; az 1980 -as években egyre több város épített nagy központokat az előadóművészet számára, és állami finanszírozással ösztönözve olyan díjakat ajánlottak fel, mint a Matsue város által kezdeményezett Lafcadio Hearn -díj . Számos új önkormányzati múzeum is körülbelül egyharmaddal több létesítményt biztosított az 1980-as években, mint korábban. Az 1980-as évek, Tokió hozzá több mint húsz új kulturális csarnokok, nevezetesen a nagy Bunkamura által épített Tokyu Group és a rekonstrukció Shakespeare „s Globe Theatre . Mindezek az erőfeszítések tükrözik a művészetek iránti növekvő népi rajongást. Japán művásárlók söpörték át a nyugati művészeti piacokat az 1980 -as évek végén, rekordot fizetve az impresszionista festményekért, és csak 51,7 millió dollárt egy kék időszak Picassoért .

Lásd még

Hivatkozások

Források

További irodalom

Külső linkek